Touching Strangers es un trabajo de Renaldi muy concreto: Richard camina por la calle y le pide a dos , o más, personas desconocidas para él y entre sí mismos que posen para una fotografía en la cual tendrán que tener algún contacto físico forzoso: un abrazo, tomarse de la mano, etc.

Usualmente Renaldi les dice como posar y después la química –o la falta de la misma- hace el resto para la cámara.

El objetivo es crear una variable en un tipo de fotografía muy tradicional como lo es el retrato de un grupo de personas sin alguna intención particular, y crear una relación espontánea en los extraños que participaran en la foto.  Lo que se logra a través de esto, es una expresión totalmente honesta captada en la cámara.

El trabajo es por demás interesante, recorrer las fotografías es recorrer las formas de relacionarse de esas personas, son su entorno y con otras personas,  pero sobretodo nos da breves pero claros matices de su personalidad.

Nos lleva a pensar en la forma que tienen las sociedades de relacionarse de acuerdo al aspecto físico de las personas/raza/edad/estatus socio económico y otras características y a la situación bajo la cual se de la interacción. Por otro lado, nos invita a analizar que en realidad muchos de nuestros conocidos dejaron de serlo al establecer un primer contacto físico, al permitirles cruzar nuestro espacio de individuos.

No sólo trata del hecho de personas extrañas tocándose, si no el hecho de alguien pidiéndoles que lo hagan.

Estas fotografías se tomaron en países europeos donde las personas interactúan de una forma muy distinta a los mexicanos o latinos; seguramente si este ejercicio se hiciera en México, veríamos cosas por demás interesantes.

En los 70’s, el cine en México sufrió una caída al verse retirados sus apoyos por parte del gobierno de José López Portillo, en un intento de lograr una versión de cine familiar y de regreso a la época de Oro, la administración de este gobierno quiso internacionalizar al cine mexicano trayendo a directores extranjeros a filmar a nuestro país y entre esto y lo otro el presupuesto para apoyo al cine desapareció.
Pero en la segunda parte de esta década y principios de la siguiente Díaz Ordaz retomó los apoyos a los cineastas mexicanos y fue así como la maquinaría nacional empezó nuevamente a rodar películas 100% mexicanas.

Ya bastante después de la Época de Oro, el cine de comedia mexicano estaba estancado -por no decir todo el cine mexicano- en crisis, pocas ideas y poco presupuesto, factores que abrieron paso a las “sexicomedias” o películas de ficheras, la fórmula era muy sencilla: tipos con poco –o nulo- atractivo visual, sexo, albures y mujeres con poca ropa las cuales -por supuesto- eran ligadas por estos hombres promedio. Y cómo tal la formula fue una bomba para el pueblo mexicano, logró el éxito para éstas a lo largo de unos 10 u 12 años. Todo empezó con Bellas de noche (1974) y Las ficheras (1976), y de ahí hasta finales de los 80’s.

Acompañadas casi siempre de presupuesto privado, ideas picaras, baja calidad y mucho ingenio, este género se encargó de llevar a la pantalla historias sacadas del centro y nido de nuestra sociedad. Una realidad vivida en los cabarets de nuestra ciudad –tan próximos ya a desaparecer y ser sustituidos por los table dance- en donde las ficheras mostraban poco y dejaban mucho a la imaginación, una experiencia más enfocada al baile, la diversión y de alguna manera al romance, ¡vamos, más bohemio!

Pero ¿qué son las ficheras? Una fichera es una dama de compañía, se encontraban en los bares, tabernas o cabarets y cobraban fichas de uno o dos dólares por cada baile o trago que compraba un cliente. Al terminar la noche, cambiaban sus fichas por efectivo. A veces algunas ficheras iban a terminar la velada con su cliente en algún hotel de la zona, otras veces, todo acababa en el bar.

Sin duda el cine de ficheras, fue un cine que reflejó en muchos aspectos la idiosincrasia del mexicano, razón de su éxito y su fama tan duradera hasta nuestros días. La disfunción familiar, los albures, lenguaje soez, pobreza, marginación, galanes de alberca, y cabarets; todo pintado cómicamente logró que las películas de ficheras fueran las películas mejor redituadas económicamente en la historia del cine mexicano.

Para los artistas que participaron en estas cintas, fueron años de abundancia, en trabajo y en sueldo, aunque desgraciadamente para muchos también significó el encasillamiento en personajes y géneros.

Desnudos

Aunque en la vida real las ficheras nunca se desnudaban –a diferencia de las ahora populares bailarinas de table dance- en las películas, el desnudo se pagaba muy alto para las actrices que llegaron a realizar un desnudo parcial o escenas donde el espectador podía saber que estaban completamente desnudas.

Sasha Montenegro "La Vida Dificil de una Chica Facil"

Cabe mencionar que el sexo en estas películas nunca fue explícito, siempre fue un poco más enfocado a lo erótico o divertido de las situaciones.

Contaron con la participación de muchos artistas que sin duda todos conocemos aunque sea de nombre: Carmen Salinas, Rossy Mendoza, Maribel Guardia, Sasha Montenegro, Lorena Herrera y Lyn May, entre muchas otras.

Cesar Bono, Pedro Weber “Chatanuga”, Rafael Inclán, Luis de Alba, Alfonso Zayas, Alberto Rojas “el Caballo”, Héctor Suárez, entre muchos más, son las figuras más representativas de estas cintas.

Algunas películas famosas de ficheras:

“Bellas de noche” (1976).
Elenco: Jorge Rivero, Sasha Montenegro, Rafael Inclán y Carmen Salinas.

“Las cariñosas” (1978).
Elenco: Sasha Montenegro, Alfonso Zayas y Luis de Alba.

“Macho que ladra no muerde”, (1984).
Elenco: Alfonso Zayas, Rebeca Silva, Maribel Guardia, Alberto Rojas “El Caballo”, Rafael Inclán y Javier López “Chabelo”.

“Chile Picante” (1983).

Elenco: Pedro Armendáriz Jr., Héctor Suárez, Alberto Rojas “El Caballo”, Angélica Chain, Isaura Espinoza, Blanca Guerra, Princesa Lea, Lyn May y Sasha Montenegro.

“3 lancheros muy picudos”, (1988).
Elenco: Alfonso Zayas, Cesar Bono, René Ruíz “tun tun”, Hugo Stiglitz y Lina Santos.

Otros títulos importantes de este género son “La Pulquería” (1981), “Tres mexicanos ardientes” (1986), “Los verduleros” (1986), “Picardía mexicana” (1986), “El rey de las ficheras” (1989), entre otros.

El pasado Martes 9 de Febrero se llevó a cabo la inauguración de la exposición “Muros entre hombres” de Alexandra Novosseloff y Frank Neisse  -asesores políticos e investigadores franceses- en la Casa de Francia de la ciudad de México, organizada por el Colegio de la Frontera Norte, la Red Alma Mater y por el CCC-Ifal de la embajada de Francia en México.

Dos años de recorrido, ocho muros, selección de 24 fotografías.

Objetivo: Reflexionar sobre los muros más famosos y grandes que dividen las ciudades, las personas y en general el mundo; según los propios autores: “Esta exposición invita a la reflexión sobre estos muros que separan a las personas, tanto física como mentalmente. Cuestiona la idea del otro como ‘desconocido’, ‘incomprendido’ o ‘peligroso’ que incita a las personas a levantar muros y que al hacerlo, se distancian ellas mismas. La negación del otro para fingir que no existe, para no voltear a verlo”.

Los muros retratados son:

• Corea del Sur- Corea del Norte.
• México – Estados Unidos.
• La línea Verde de Chipre.
• Línea de la Paz en Irlanda del Norte.
• El Berm.
• Un Muro de Arena del desierto del Sahara  de norte a sur.
• El cerco de alambre entre (España) Melilla y Ceuta en Marruecos.
• El cerco eléctrico entre Pakistán e India.

Esta exposición visitó Colombia y Panamá el año pasado; fue presentada por primera vez en el Museo Internacional de la Cruz Roja (Ginebra, Suiza) en enero de 2009 y después en varios países y ciudades de Europa y Medio-Oriente.

Aunque la exposición es pequeña, cumple su objetivo, una buena opción de visita para este fin de semana.  Estará abierta hasta el 28 de Febrero únicamente así que no dejen de ir.

La casa de Francia se encuentra en la calla de Havre, atrás de Reforma 222.

Galería Casa de Francia
Havre, 15
Col. Juárez, Zona Rosa,
C.P 06600 México DF
Metro Insurgentes/ Metrobús Hamburgo
Tel: 55 11 31 51

El año de 1941 vio nacer a la que sería en un futuro una de las primeras mujeres en realizar un desnudo en el cine. Kitty de Hoyos, la llamada “Marilyn Monroe Mexicana” es considerada una de las mujeres más eróticas, sensuales y liberales de la Época de Oro del Cine Mexicano gracias a su participación en más de 60 películas.

María Cristina Guadalupe Vega Hoyo nació el 8 de Febrero de padres Puertorriquenses, se inició en la telenovela “La Ambiciosa”. Desde los 12 años apareció en películas comenzando con “Que bravas son las costeñas”, hasta que en 1955 a la edad de 13 años obtuvo su primer papel estelar en “Esposas infieles”, donde realizó su primer desnudo parcial, el cual se tradujo en un gran éxito –y un gran escándalo- así como en la puerta de entrada a convertirse en toda una estrella del cine.

La relevancia de este desnudo no está en el desnudo en sí, los años 50 fueron un preámbulo a todo lo que vendría en la década siguiente: hippies, feminismo, sexo, drogas, rock, revolución. Además antes de ella sólo otra actriz se había atrevido a desnudarse en la pantalla grande, Ana Luisa Peluffo.

Además es interesante ver el perfil de una mujer sensual en esos años, caderas anchas, busto sin operación, un poco de masita… una mujer promedio.

Kitty compartió la pantalla con actores  como Arturo de Córdova, Pedro Armendáriz, Silvia Pinal, Marga López, David Reynoso, Javier Solís entre muchos otros.

En el primer museo de Cera de la Ciudad de México tuvo una escultura en su honor, donde ella se encontraba en la bañera, sin embargo esta escultura se perdió en el incendió del lugar y no ha sido reemplaza en el nuevo.

Participó en radionovelas y doblaje, así como en espectáculos de centro nocturno –estilo “Historias de romances y corridos”- que la consolidaron como una gran vedette.

Murió un 28 de diciembre de 1999  víctima de cáncer de colon.

Dicen que un buen actor de doblaje de voces es aquel que no tiene una sola voz, que logra crear una especial para cada personaje. Se dicen muchas cosas pero la realidad es que no es un profesión nada  fácil: empatar la voz con las acciones, gestos y sentimientos de otro actor definitivamente no es tarea sencilla.

Uno de los doblajes emblematicos es la voz del Sr. Burns en Los Simpsons, voz a cargo del Sr. Gabriel Chávez Aguirre, actor graduado en el Instituto Cinematográfico Teatral de Radio y Televisión Don Andres Soler, y dependiente de la Asociación Nacional de Actores desde 1965.

Con 45 años de experiencia profesional en teatro, cine, radio y televisión – y 25 como actor  de doblaje de voces- el Sr. Chávez ha prestado su voz a más de 30 personajes .

A continuación presentamos una breve entrevista al Sr. Gabriel Chávez, realizada el pasado mes de diciembre durante su presentación en la convención de comics La Mole en la Ciudad de México, entrevista contesía de Bety (¡Gracias Bety!):

1-    ¿Cómo empezó?

Mi carrera como actor la inicié en teatro profesional -un promedio de 10 obras-, después me integré al teatro del Seguro Social donde participé en varias obras siendo el estelar en todas ellas. Como por ejemplo: “Contigo pan y cebolla”, “La cena de los tres reyes”, “Tres papás para Toto”, “Alta fidelidad”, etc. Posteriormente me dediqué a dirigir teatro universitario para alumnos del Campus Acatlán en el Edo. de  Méx.

Tiempo después, ingresé al cine y he actuado en 20 películas al lado de grandes artistas como Alberto Rojas “el caballo”. Yuri, Rafael Inclán, Evita Muñoz “Chachita” y muchos más. Además fui el estelar de una película  llamada “Presunta Inocencia”.

Trabajé como actor para Televisa durante varios años en telenovelas y programas unitarios hasta que me incorporé a las filas de T.V. Azteca donde llevo varios años trabajando como actor en telenovelas y programas unitarios, aparte de que he conducido dos programas de entretenimiento para dicha televisora.

Actualmente estoy en “Lo que la gente cuenta”, “Mujer comprada” y “Lo que callamos las mujeres”.

En doblaje comencé gracias a una invitación de una empresa productora y desde que entré ya no lo dejé y he permanecido a lo largo de 25 años, gracias a la posibilidad que tengo de dar la voz a una gran cantidad de personajes.

2-    ¿Qué personajes ha interpretado?

Podemos mencionar a: Panoramix de “Asterix”, El Comandante Cobra (el original) de “Gi-joe”, Cancer man de los “Expedientes secretos x”, El abuelo Phil en “Hey Arnold”, El Sr. Cabeza grande en la serie “Rocco”, El buitre o gallinazo Booz Bosuawrd en “El pájaro loco”, El Sr. Burns en “Los Simpson”, El profesor Ronco o De Martino en la serie “Daria” y muchos más que sería muy largo de enumerar, aparte de infinidad de películas y series de televisión.

3-    ¿Cuál ha sido el personaje más difícil de doblar?

En realidad los más difíciles por su alto grado de dificultad han sido El Comandante Cobra y el profesor de Martino.

4-    ¿Con qué personaje se identifica más?

Indiscutiblemente que con el Sr. Burns y no es que me identifique con él ya que somos muy diferentes, únicamente que es al que le tengo un inmenso cariño.

5-   ¿De que forma logra interpretar mejor a un persona?¿Tiene alguna técnica para entenderlo mejor ?

La respuesta sería un poco ambigua ya que la única forma desde mi punto de vista es sentir profundamente el personaje y tratar de interpretarlo lo mejor posible. Conociendo la técnica se solucionan muchas cosas que a simple vista parecerían muy difíciles.

6-    ¿No le preocupa agarrar un patrón en todos los personajes y que suenen similares?

Desde luego que no ya que en cada personaje que interpreto procuro ponerle un sello muy personal, tal es el caso del Sr. Burns.

7-    ¿Tiene algún consejo para que esto no suceda?

Intuir la personalidad del personaje y darle un sello diferente al del idioma original (en este caso el inglés)

8-    ¿Qué personas dedicadas al doblaje lo han influenciado?

Procuro ser realista y honesto conmigo mismo y con los fans y la verdad es que en toda mi carrera como actor de doblaje no ha influido absolutamente ningún actor dedicado al doblaje. Hago lo mío entregando a la gente un producto en el cual pongo todo mi entusiasmo y amor a mi carrera.

9-    ¿Es indispensable saber algo de actuación para transmitirle la emoción al personaje?

Es indiscutible que el doblaje es una especialidad del actor, es como un doctorado ya que es más difícil doblar que actuar. Es indispensable el tener una carrera como actor para poder dedicarse a esta rama del doblaje.

En México las películas animadas, infantiles y documentales del cine son dobladas de forma obligatoria bajo reglamentación, el resto de peliculas puede ser doblada o subtitulada para disfrute de todos aquellos que prefieren las peliculas en su idioma original. Sin embargo, no está de más conocer el gran trabajo que hay detrás del doblaje, que muchas veces no es muy apreciado.

So just pull the trigger.

La Ruleta Rusa (Русская рулетка Russkaya ruletka) es un juego clandestino de orígenes desconocidos- aunque se dice que surge obviamente en Rusa entre sus soldados que obligaban a los presos a jugarla para su diversión -pero con objetivos totalmente definidos, sobrevivir, quedarse con el dinero y con la chica o lo que sea que se apueste-.

¿Qué se requiere? Un revolver, balas y gente dispuesta –u obligada- a arriesgar su vida.

Su mecánica es muy sencilla: uno de los participantes tomará un revolver y en el tambor colocará una bala (en variaciones se colocaban más de una), acto seguido se gira el tambor y se cierra rápidamente de forma que nadie pueda ver en donde quedó la bala. Por turnos los jugadores van colocando el revólver en su sien y jalando del gatillo; si es afortunado y ninguna bala sale toca turno al jugador de la derecha y así sucesivamente hasta que alguien muera.

Como dato curioso, se ha establecido que sus orígenes deben rondar en un periodo de 1890 a 1930, debido a la situación política y social en Rusia, algo que lo apoya es el hecho de que durante este periodo el arma reglamentaria de los oficiales rusos era el revólver Nagant M1895, si bien este revólver tenía un tambor con siete espacios.

Este juego ha tenido varias connotaciones relacionadas con el destino, al ser básicamente un juego de azar, hay quien dice que si la bala sale es porque ya tocaba tu hora, sin embargo hay quienes aseguran que ese juego solo sirve para retar y provocar a la muerte.

Actualmente se han hecho otras variaciones al juego, logrando que sea menos letal:

Shocking Roulette

Los participantes meten un dedo y la ruleta empieza a funcionar. Cuando la luz se para en uno de los dedos recibirá una fuerte descarga eléctrica.

Chocolate Roulette

Un poco más intenso, 12 balas de chocolate, pero una de ellas guarda en su interior una picante sorpresa en forma de red hot chilli , no recomendable para personas de paladar ligero y sensible jojo.

Y tenemos este otro ejemplo- más relacionado con el original en forma- donde el perdedor es quien dispare la aguja que reventará el globo.

Sólo puedo concluir diciendo: ¡Gracias John Logie por la Televisión!

El readymade –también llamado arte encontrado o objet trouvé en francés-, se basa en la modificación  de objetos que normalmente no consideraríamos artísticos porque suelen cumplir con otra función, dicha modificación no debe alterar por completo al objeto, como veremos mas adelante.

Marcel Duchamp (1887) fue su creador  a principios del siglo XX,  en 1915 comenzó a llamarlo readymade, sin embargo su primer trabajo Rueda de Bicicleta fue en 1913. Si bien Duchamp no  limitó sus expresiones artísticas a estas esculturas que fueron de alguna forma las que más renombre le dieron ya que este concepto influyó el desarrollo del surrealismo y el Pop-Art.

Marcel Duchamp al lado de Roue de bicyclette [Rueda de bicicleta], en su exposición en Pasadena, octubre-noviembre, 1963.© Sucesión Marcel Duchamp, 2008, ADAGP/París, AUTVIS/San Pablo

Duchamp sitúa objetos cotidianos y sin valor artístico  en contextos poco comunes e incluso insólitos para subrayar que el arte guarda mayor relación con las ideas que con las cosas. El objetivo: lograr que el espectador llegue a cuestionar su  propia racionalidad y el modo en que percibe ésta y los objetos que le rodean.

La única definición de readymade publicada por Marcel Duchamp se encuentra en el Dictionnaire abrégé du Surréalisme de André Breton y  Eluard: “Un objeto ordinario elevado a la dignidad de un trabajo de arte por la pura elección de un artista.”

En su obra Why not Sneeze Rose Sélavy? -Como dato curioso, Rose Sélavy es uno de los pseudónimos que el artista utilizaba- Se presenta la combinación de varios objetos encontrados, conocida como assemblage (ensamblaje). De la cual existen varias replicas creadas por el mismo artista, pero la primer pieza es la única estampada con la leyenda “Made in France” en los cubos de mármol.

Otra característica de algunos de sus trabajos fueron pequeñas inscripciones en los objetos, que no tenían nada que ver con el mismo,  dichas oraciones pretendían llevar a los espectadores hacia regiones más verbales.

Se dice que existen tres tipos de “readymade”:

- Puro, donde el artista toma un objeto y  prácticamente lo deja tal como está:

“Portabotellas” (Pourtebouteilles (1914)

- Rectificado, en el cual se hacen algunas operaciones sobre un objeto, como en el caso de “La Fuente”(1917), en donde Dunchamp tomó un urinario, lo cambio de posición, le puso título y lo firmó:

- Asistido, como “Un ruido secreto”(1916), en el que un objeto toma sentido cuando es asistido por otra persona que no es el artista. Duchamp dijo al respecto: “Ruido secreto es el título de este ready-made asistido: un ovillo de cordel entre dos placas de latón unidas por cuatro tornillos largos. Dentro del ovillo Walter Arensberg colocó secretamente un pequeño objeto que hace ruido al ser agitado. Y todavía no se qué es, ni tampoco lo sabe, me imagino, nadie más. En las placas de latón escribí tres frases en las que faltaban letras de vez en cuando, como en un rótulo de neón cuando una de las letras no está iluminada y hace que la palabra sea ininteligible”.

Y hay quien agrega aquí también el semi ready-made, pero su definición no es muy clara.

Lo más importante de los readymade  es que cuestionan la historia del arte, su anatomía y sus estructuras, ya que ingresan a los museos objetos de la vida cotidiana, sacandolo únicamente de su contexto habitual. Estas obras no persiguen el atractivo estético o la belleza de cualquier obra tradicional o convencional;  encierran la “sorpresa conceptual” que es básicamente el dar pie a todo tipo de interpretación dependiendo del espectador.

En los 80’s surgió otra variación de éste arte, llamado commodity sculpture (escultura de materia prima) donde objetos producidos comercialmente para el consumo masivo  se colocaban en la galería de arte como una escultura. A grandes rasgos el centro de atención de esta variedad de escultura estaba en la critica a la mercadotecnia utilizada para la exhibición de los productos.

Puppy – Jeff koons (1992)

Otros artistas del siglo XX y XXI han adoptado este estilo artístico, por ejemplo Damien Hirst con sus diversas exposiciones  -Damien Hirst presentó su exposición “La muerte de dios- Hacia un mejor entendimiento de la Vida  sin Dios  a bordo de la Nave de los locos” en la ciudad de México en la Galería Hilario Galguera en el 2006-  donde  algunos de sus recursos son animales muertos; obras que invitan a cuestionarnos temas como la moralidad, la ciencia, la fé y el surrealismo.

Damien Hirst

Andy Warhol, otro artista, en quien la influencia de Duchamp es innegable, en su caso como readymade a través de la reproducción mecánica y el uso de la fotografía de hechos dados.

El ready-made, sus artistas, y sobre todo sus variaciones y mezclas son demasiado profundas, por lo que aquí procuré crear una imagen suficientemente vasta que podrá ser ampliada y detallada en un  futuro.

Sagas de Fantasía hay muchas, unos mejores que otras, pero definitivamente no hay nada mejor para acompañar un buen libro de literatura fantástica o medieval, que música que pueda ponerte en contexto,  añadiendo ese toque sutil a las acciones de los héroes, gnomos, dragones, entes maligno, enanos, elfos, princesas, reyes, magos, etc.

Haggard es una banda fundada en 1989, de origen alemán, en sus inicios pretendía ser una banda  de Death Metal y así grabaron su demo Progressive (1994); sin embargo  -y para fortuna de muchos- su música dio un giro bastante diferente a lo que nos ofrecían en este demo. “Haggard” es inglés antiguo y significa “salvaje”.

And Thou Shalt Trust…The Seer fue el primer disco oficial con este nuevo sonido, con una mezcla de sonidos medievales, clásicos y metal como el mismo Asis Nasseri  –vocalista, compositor, guitarrista y percusionista de la banda – lo define.

Desde aquí  empieza algo que se convertiría en tradición para las futuras producciones de la banda, la temática de cada disco es distinta, empezando por éste con la vida de Michel de Nôtre -Dame – mejor conocido como Nostradamus- y los días de la quema de brujas , la peste , etc. Después vino  Awaking the Centuries (2000) que conservó la misma temática del primero; para muchos, este es el mejor disco de Haggard.

Awaking the Gods grabado en vivo en la ciudad México, cerró la gira de Awaking the centuries,este DVD/CD fue un parte aguas en la carrera de Haggard para el público mexicano, ya que a partir de este concierto, serán visitantes constantes de nuestro país con múltiples y exitosas presentaciones en el Circo Volador, convirtiéndose el público mexicano en uno de los número principales de su Top.

Honestamente ver a Haggard en vivo es toda una experiencia: 20 músicos en escena, violín, violonchelo, viola, corno inglés, oboe, clarinete, clavicordio, percusiones, voces en diversos registros: Soprano, Barítono, Bajo sopranos,  metal… es algo que no cualquiera puede ofrecer, pero lo que impresiona es la coordinación y la fuerza que pueden imprimir de manea tan amena y fluida, invitando a dejar volar la imaginación.

Foto: German García
¿Quien es Germán García?  http://www.graphiclust.com/german-garcia-metal-hecho-imagen/

En 2004 llega Eppur si Muove , inspirado en la vida del ya famoso Galileo Galilei, el título del disco se basa en la frase que cuenta la leyenda soltó Galileo después de que fuera condenado por la Inquisición al rechazar su teoría de que la tierra se mueve alrededor del Sol: “Eppur Si Mouve” (y sin embargo se mueve).

A mediado de 2008, Tales of Ithiria, salió a la venta, habla de un reino imaginario Ithiria, víctima de guerras y calamidades.

Sin duda la música de Haggard logra trasmitir, evocar imágenes fantásticas de películas o libros, contarnos historias con sus notas y líricas en diferentes idiomas: inglés, alemán, latín e incluso español con el cover de la canción “Hijo de la Luna” de Mecano, incluida en el último disco Tales of Ithiria.

Haggard se presentará en la ciudad de México por segunda vez en este año el próximo 21 de Diciembre en el Circo Volador. Aquí un video del concierto del 3 de Julio de este año:

Robert Bartleh Cummings  -no confundir con el actor Robert Cummings- nacido el 12 de Enero de 1965, y mejor conocido como Rob Zombie: escritor, cantante, artista gráfico, productor  y director;  fanático del cine de horror y Serie B, del rock y la contracultura es más referido por su participación dentro de la música, pero ha tenido otras importantes participaciones, principalmente en el séptimo arte.

Desde los 15 años se lanzó a probar suerte en Nueva York, donde desempeñó varios trabajos: diseñador de revista porno, asistente de producción para Pee Wee’s Playhouse, entre otros. En este tiempo conoce a Sean Yseult, con quien inicia el proyecto de su primera banda.

White Zombie fue el nombre de esta primera banda  -sacado de la peli clásica de terror protagonizada por Bela Lugosi del mismo nombre- de metal industrial. Caracterizada por sus líricas de fantasía de terror surrealista, su música influenciada por los comics, el cine de terror, la ciencia ficción, etc. Nos ofreció un estilo único y diferente a lo que veníamos escuchando durante los 90.

Tras su desintegración en 1998, Rob Zombie lanza su primer disco como solista Hellbilly Deluxe, un segundo disco en 1999 The American Made Music To Strip By , y un tercero en el 2001 con The Sinister Urge, después de esta producción no se sabe de ellos hasta que en 2006 nos brindaron su última producción  Educated horses, rematando con un disco en vivo Zombie Live en 2007.

En 2003 inicia su participación en  la mini serie Rob Zombie’s Spookshow International, en colaboración con MVCreations y CrosGen Entertainment. Este libro le dio vida al personaje de El Superbeasto. “Spookshow es más un comic de monstruos obsesionados con el sexo, cuya historia está contada completamente en joda.” Según la descripción del mismo Rob Zombie.

The Nail es la segunda participación de Zombie en este ámbito, compartiendo créditos con Steve Niles (30 días de noche) con quien fundó el sello Creep Comics. Miniserie de cuatro números ultra violentos, que son un tributo al cine de terror de los años 70. La historia tiene como protagonista a The Nail, una estrella de la lucha libre –muy probablemente inspirado en Jake “The Snake” Roberts, una figura muy popular en los Estados Unidos- quien se dedica a perseguir a una banda de motoqueros psicópatas que atacaron a su mujer y van por su hija, desde ahí todo es mutilación, muerte, sangre, gore y más gore.

Su incursión en el cine ha sido extensa, desde su participación como músico en Soundtracks como: Daredevil, Matrix 2: Reloaded, Misión Imposible 2, The Matrix, La Novia de Chucky, El fin de los días, etc.  Además, colaboró en la secuencia animada de la película de Beavis & Butthead “Do America” en donde uno de ellos tiene un viaje de LSD; hasta la dirección de algunas películas de terror.

En 2003 “House of 1000 corpses” fue su primer entrega como director de cine de terror y nos ofreció una película llena de psicópatas, gritos, sangre y estrés – sobre todo para las víctimas de la familia de psicópatas protagonista- que tuvo su secuela directa en 2005 con “The Devil’s Rejects”.

“Halloween: El Origen” (2008) Inspirada en la película original, nos descubre el origen e infancia de Mike Myers, un vistazo a su psique y a los acontecimientos que poco a poco le acarrean a desencadenar una sangrienta noche de Halloween en la pequeña ciudad de Haddonfield, Illinois.

“Halloween II: La familia es para siempre” (2009) Secuela de la anterior, con el mismo formato setentero, nos narra los sucesos ocurridos a un año del final de “Halloween: El Origen”, en esta película se puede sentir más la mano de R.Z.: éste Michael Myers, es más sanguinario y violento, su agresividad es palpable en cada escena -a mi parecer- más psicópata de toda la saga.

El pasado 22 de Septiembre se estrenó “The Haunted World of El Superbeasto” una película de animación basada en el comic antes mencionado Spookshow International.

Como dato curioso cabe destacar que R.Z. ha contado con la participación de su esposa Sheri Moon Zombie en todas sus descabelladas películas, de hecho ella misma es la inspiración y voz del personaje femenino en “The Haunted World of El Superbeasto”.

Aunque Zombie ha afirmado en diversas ocasiones que no habrá un “Halloween III”, sabemos que será el encargado de hacer el remake de “La Mancha Voraz” (The Blob)  de los años 50.

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De alguna forma los vampiros se han vuelto a poner de moda, retomados principalmente por la saga de  Stephenie Meyer  “Crepúsculo”,  las series “True Blood” y  “The Vampire Diaries”, etc.; este boom ha logrado que el mito del vampiro se transforme aún más, adquiriendo algunas tonalidades interesantes.

No es mi intención en este momento hacer un recorrido o recuento histórico de estos cambios, en realidad quiero enfocarme a una de las obras clásicas y de culto que le abrieron la puerta a estas criaturas en el mundo del cine, estoy hablando por supuesto de: “Nosferatu, Sinfonía del Horror”.

Esta película muda data de 1922 del director F.M. Murnau – uno de los principales directores del cine mudo- es un claro ejemplo del movimiento expresionista de los años 20 en el cine alemán, a pesar de que su rodaje en escenarios naturales la aleja un poco de los preceptos de éste.

Adaptación del ya popular clásico de Bram Stoker “Drácula”.  Precisamente este fue el motivo de una disputa con la viuda de Stoker, el veredicto: destruir todas las copias de la película.

Para nuestra fortuna, a esas alturas varias copias habían sido distribuidas por el mundo, se les mantuvo ocultas hasta que murió la viuda y actualmente ya podemos encontrar esta película en DVD y otros formatos, amén de conseguir la versión completa, por que varias copias fueron distribuidas con cortes o baja calidad. Se tiene conocimiento de que la copia reconstruida con mayor fidelidad fue presentada en 1984 durante el Festival de Berlín.

En 1979, Werner Herzog dirigió “Nosferatu, Vampiro de la noche” como un homenaje a la de Murnau,  rodada con un presupuesto mínimo ésta película tuvo bastante aceptación. Además para esta época los derechos de Stoker ya habían expirado por lo que Herzog pudo utilizar los nombres originales del libro- a pesar de esto, llamó a la esposa Harker “Lucy Harper” -en la obra original de Stoker es Mina-.  En 1988 se realizó la secuela llamada “Nosferatu en Venecia” pero tuvo poco auge ya que guardaba muy poca relación con la anterior.

Como dato curioso de esta segunda versión: “Nosferatu, Vampiro de la noche” fue grabada en dos idiomas (inglés y alemán) y se pretendía que el inglés le abriera  las puertas al mundo, sin embargo la versión en alemán es considerada mucho mejor por que el artista principal (Kinski) podría desenvolverse mejor en su lengua natal.

En México también se ha proyectado la película en pantalla grande con música en vivo, con bandas como Los Gatos –en la Cineteca Nacional (2009)-  y The Alloy Orquestra –en el FICCO (2006)-, entre otros. También fue inspiración para un homenaje por parte de la banda mexicana Exsecror Vecordia que con su disco Nosferatu, Sinfonía a la Demencia logra una pieza musical de 80 minutos, cada sonido esta orquestado para coincidir con las escenas de la película.

En 1994 se realizó la reconstrucción musical en un concierto en vivo en Nueva York a cargo de Guillian Anderson, que es la que se considera actualmente como la más apegada a la original.