Con once nominaciones al Oscar, La invención de Hugo es la gran favorita para llevarse la noche de premiación. Pese a que no entiendo del todo cuál es el sistema de elección o los parámetros que atienden los jueces, no encuentro cómo podrían no ahogar en aplausos a Martin Scorsese aunque sea un ratito. Sin duda es cierto que la experiencia en formato 3D magnifica la videncia, aunque Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton nos mostró ya que la combinación del 3D en un relato fantástico y un director consagrado no es garantía de calidad ni de éxito, que se necesita algo más.

Por su parte, La invención de Hugo, basada en el libro homónimo de Brian Selznick, es una bellísima historia infantil de aventuras, en la que la misión es resolver un misterio y meterse en líos en el camino. Suena común, ¿no?, sin embargo la película de Scorsese se va convirtiendo en un festín cuando aparece a cuadro el esqueleto metálico de un autómata descompuesto al lado de Hugo Cabret y su padre, un experto relojero que deseará conocer su funcionamiento secreto y repararlo. La figura del autómata recuerda a las máquinas creadas en el siglo XVIII por Pierre Jaquet-Droz y, casi en silencio, hace hincapié sobre la fascinación que estos artilugios han provocado por la facultad para cuestionar la naturaleza animada y los límites del hombre para intervenir en la creación y reproducción de la vida.

Así, Hugo sabe que la maquinaria averiada del autómata guarda un secreto, como una caja de música que se niega a revelar el origen de sus notas porque le gusta creer que es un milagro; por ello, Hugo quedará encantado por el engranaje que observa día a día y no podrá escapar de la obsesión y delirio que los autómatas siempre han incitado en los espíritus creadores, en aquellos que también, a finales del siglo XIX, sentaron las bases para la aparición del espectáculo de los sueño: el cine.

Aquí el festín de Scorsese traslapa la atención del universo del autómata a la vida y obra de un pionero en la magia cinematográfica, el abuelo George Melies. La crítica ha señalado las imprecisiones históricas respecto a la biografía de Melies, exigiendo a su director que si la película se ideó como una clase de cine ésta, finalmente, fuera impecable. Afortunadamente tenemos wikipedia y enciclopedias de cine a nuestra disposición para cultivarnos el conocimiento con fechas exactas y acontecimiento comprobados; pero, ¿realmente es importantísimo para la película tener una imagen “verdadera” de uno de los más grandes ilusionistas y constructores de juguetes?

En lo personal, en todas las referencias a George Melies siempre me resulta natural que la imagen de la luna con un cohete en el ojo derecho aparezca como foto biográfica. Eso me parece que es una imprecisión histórica pero ilustra fidedignamente a George Melies. En conjunto, La invención de Hugo vale la entrada al cine para verla en 3D, aunque si prefieren estar en la comodidad de su hogar les deseo suerte con la descarga que al parecer está complicada. No estaría de más que si alguno tiene éxito en su búsqueda tenga la cordialidad de compartir el link, recordemos que son tiempos difíciles en Internet y que los sobrellevaremos compartiendo.

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El pasado 18 de enero, a propósito de las protestas contra las leyes SOPA (Stop Online Piracy Act) y PIPA (Protect IP Act) – así como todas sus símiles en el mundo– varios sitios en Internet se unieron a la operación blackout. Así, mediante este apagón se dio una probadita de cómo sería la red si la mafia de los contenidos logrará que las leyes que favorecen la propiedad intelectual privada y anónima fueran votadas y aprobadas. No deja de sorprender y emocionar la cantidad de información creada y compartida para dar a conocer la peligrosidad y dimensiones de SOPA/PIPA, basta con googlearles para tener acceso a videos, audios, post, tweets que aluden y cuestionan lo que es ya una realidad: la guerra declarada contra las ideas por parte de las grandes corporaciones.

Es por eso que el documental RIP: A Remix Manifesto (Brett Gaylor) sigue tan vigente como en 2008, año en el que fue producido y exhibido bajo la figura de distribución y acceso libre, opensource. Filmado y editado en un periodo de seis años, RIP: A Remix Manifesto no sólo es una película que da gozo estético sino que con la seriedad y profesionalismo, del tipo que solamente el humor y la frescura son capaces de contener, nos introduce en el universo social reconstruido luego de que la tecnología permitiera a los consumidores compartir masivamente información y, sobre todo, la posibilidad de hacer de esa información algo más.

La aparente pasividad de los devoradores mediáticos se ve minada cuando la remezcla de contenidos se convierte en una realidad al alcance de cualquiera con acceso a una computadora e internet. Nuevos procesos creativos revolucionaron al arte, al periodismo, a la comunicación, a las relaciones sociales y culturales; modificaron el estatuto de receptor en creador y en distribuidor. Esto significó, en términos prácticos la inoperancia de la industria cultural y su innecesario rol como intermediario entre el contenido y el público. Las ideas estaban al alcance de maneras nunca antes vistas y de formas nunca antes vistas también fomentaron la creatividad, el poder cambiaba de manos ante la sorpresa de todos.

Brett Gaylor usa en RIP: A Remix Manifesto como hilo narrativo al músico norteamericano Girl Talk, ícono de la cultura del mash-up y de la ilegalidad con respecto a la cultura de copyright, al hacer uso no autorizado de contenido musical protegido por derechos de autor en sus canciones. Asimismo, la película logra recoger los testimonios de batalla de importantes activistas y luchadores por la protección del dominio público y libre intercambio de las ideas. Acompañado por Lawrence Lessig, abogado y fundador de las licencias creativas CC (Creative Commons) -que buscan facilitar un modelo legal en el que el autor defina los derechos que le parezcan apropiados para su obra-; así como por Dan O’Oneill, quien en la década de los sesenta se enfrascó en una afrenta legal con la empresa Walt Disney por rediseñar a Mickey Mouse como un traficante de drogas; Cory Doctorow, escritor de ciencia ficción y periodista pro liberación de la cultura; y el músico brasileño y Ministro de Cultura de Brasil durante algún tiempo, Gilberto Gil, se comparten experiencias en la construcción de una sociedad basada en la libertad de compartir. En conjunto, el documental concreta un manifiesto que dice más o menos así:

1. La cultura siempre se construye del pasado.
2. El pasado siempre intenta controlar el futuro.
3. Nuestro futuro está perdiendo su libertad.
4. Para construir sociedades libres debemos limitar el control del pasado.

Lleno de referencias para seguir el desarrollo de la lucha contra leyes como SOPA y PIPA, RIP: A Remix Manifesto es una obra que habita lo que cree, es también una aportación importante al entendimiento de las implicaciones económicas de las grandes corporaciones y de lo que no dejaran ir con facilidad: el control de las ideas, de los contenidos. Es, igualmente, una inyección de entusiasmo porque expone cómo el futuro, internet y sus consumidores-creadores entendemos imposible la pérdida de la neutralidad de la red. Hemos comenzado a convencernos, poco a poco, que el poder no radica ya totalmente en la industria sino que una rebanada, cada vez mayor, ha sido dispuesta en el plato del usuario y que tampoco la vamos a dejar ir con facilidad.

RIP: A Remix Manifesto está subidísima y subtitulada en youtube y es legal descargarla desde su sitio y otros sitios.

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El festival de Cannes de este año fue con seguridad para Lars Von Trier muy especial; por un lado estrenaba con éxito su reciente filme Melancolía y, por el otro, era señalado como persona non grata por declarar con ironía algún tipo de simpatía hacia Hitler. Obviamente, el desgarre de vestiduras no se hizo esperar, señalado como pro nazi Von Trier solamente tendría que añadir ese adjetivo a los extensos listados a favor y en contra que se hacen alrededor de su controversial figura y filmografía. Por semanas, las notas trataban la ofensa de Von Trier y la crítica de Melancolía como si se implicaran la una a la otra, como si formaran parte de un tejido, dando al filme un tono de opacada incorrección que dista mucho de tener. Todavía, supongo, con el amargo y agresivo recuerdo que fue para muchos Anticristo (2009), y aunadas las declaraciones de su director, no es difícil creer que Melancolía fuera esperada por el público como la última parte de un díptico funesto del fin del mundo.

El prólogo del filme es una serie de hermosas imágenes ralentizadas en las que sin diálogo se anuncia una caminata inevitable al final de los tiempos. Como señal profética del apocalipsis aparece a cuadro Melancolía, un planeta que había estado escondido tras el sol, cuya trayectoria va directo a golpear fatídicamente a la Tierra. Compuesta en dos partes, la premiada Melancolía captura los momentos álgidos de dos hermanas Justine y Claire; en la primera parte, la pomposa boda de Justine (Kirsten Dunts) acapara toda la atención por su belleza y suntuosidad; sin embargo, el banquete mostrará un tipo de descomposición familiar que recuerda a La Celebración (Thomás Vinterberg, 1998) y no es sorpresa, ya que ésta forma parte de los filmes que se realizaron con las especificaciones del movimiento fílmico Dogma 95, del que Lars Von Trier es co-fundador. Pero será la fractura psicológica de Justine durante su boda lo que brillará junto a la cada vez más clara y cercana luz del planeta Melancolía.

En el segundo capítulo, Claire (Charlotte Gainsbourg) muestra un lado oculto hasta entonces. Luego de que en el episodio de Justine ejecutara con maestría el rol protector, de hermana mayor de una discapacitada emocional, se sumerge en el más existencial y humano de los temores: el del fin del mundo. Obsesionada por la cercana presencia de Melancolía, va olvidando su entorno para enfocarse en sus propios miedos. Su rostro pasa de absoluta abnegación a total desencaje, Claire ante Melancolía se encuentra vulnerable, desesperanzada e impotente; al contrario de Justine, es incapaz de captar la belleza en la certeza del fin.

Lars Von Trier es un catastrofista desbordado, un personaje que ronronea en sus fatalidades psicológicas, que se permite –porque puede, quiere y le viene en gana- la arrogancia y presunción tan buscada por la prensa sensacionalista, fans y detractores por igual; subvierte los temas y las formas como quien con necedad dice sonriendo que el cielo es rojo solamente por molestar, esperando que algún purista brinque y saque espuma de la boca. En lo personal, Anticristo me llevó tiempo digerir y reconciliar con mis propios prejuicios y posturas; el caso Melancolía es diferente porque no hace daño, no incomoda, no hace cosquillas, cuando mucho podría aburrir si no se tiene inclinación por la miseria humana y los desastres anímicos.

Melancolía es un dulce para las almas fatalistas, para la generación que afirma que habrá de ver el fin del mundo, que siempre verá en HD y 3D las películas sobre los últimos días del planeta, los que se van a casa al salir del cine pensando “¡qué mal pero ojalá lo vea, qué evento, me voy a abrir un blog!” Melancolía podría prescindir de varios de sus callejones preciosistas; podría, pero para qué prescindir de lo que decora y no afecta; lo que sí no es opción es no ver es el final del filme, me uno a quienes consideran que sólo por eso es imprescindible, lo demás va a la cuenta de cada cual.

Melancolía, como casi todo, está online y para descarga subtitulada.

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Miranda July, tal como lo hizo en su primera película Me, and you and everyone we know (2005) escribe, dirige y protagoniza The Future (2011) su segundo largometraje; en él explora la crisis de una pareja entrada en los treinta como una época de cambios, de introspección, de resignificación del espacio y del tiempo. Sophie (Miranda July) y Jason (Hamish Linklater) se encuentran incrédulos frente a un calendario que les arroja tregua de un mes para dejar la vida como la conocen; por lo menos, es lo que suponen sucederá cuando recojan a Paw Paw, el gato callejero herido que pronto adoptaran.

Desde la jaula de una veterinaria, Paw Paw narra con su voz y la ayuda de sus patas delanteras su propia historia. Reflexiona, mientras entiende cómo funcionan las horas de un reloj, sobre la espera como su nuevo estado, sobre la manera en que la oscuridad y la calle se quedaron atrás cuando Sophie y Jason dijeron que volverían por él. Sin embargo, Paw Paw desconoce todavía que ellos estarán luchando por no olvidarse de sí mismos, por lanzarse señales el uno al otro que les impida diluirse en el tedio, la apatía y el cansancio.

Con su particular comprensión de la belleza, Miranda July construye un relato emocionante por la tensión que genera, por la inminencia de la pérdida, por la claridad con la que captura la incertidumbre del futuro. Ese futuro que es el propio, esa madeja de estambre que perseguimos dormidos y despiertos sin alcanzar jamás. Estar a la mitad del comienzo con los sueños como monedas sueltas, dice Jason, o el proyecto inconcluso como forma de vida, piensa Sophie, o ser gato de nadie y seguir esperando, concluye Paw Paw.

Pese a que los créditos sean color rosa, The Future contiene la dosis necesaria en que Miranda July se retrata oscura, pecaminosa y culpable mientras Master of none (Beach House) suena una y otra vez. He de confesar que me encanta la idea de una Miranda July convertida en la loca de los gatos, gritando en una ventana con medio cuerpo de fuera; lo que me preocupa es verla convertida en la nueva Woody Allen –medidas proporciones, por supuesto- con una cantidad considerable de películas sobre sí misma, me preocupa sobre todo que se agote temáticamente en ello, tal como le sucedió a Allen.

A lo largo de un año, esta cinta sólo había sido una promesa en las páginas de descargas pero la semana pasada en Cuevana terminó la espera y fue colgada en su sitio subtitulada al español. Para muestra basta un click por lo regular, por lo que no deberían dudar en ver la nueva película de Miranda July: The Future.

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En diciembre del 2008, la prensa mexicana informaba sobre la detención de ocho personas con vínculos al cartel de Juárez; siete hombres y una mujer: Laura Elena Zúñiga, Miss Sinaloa. La noticia estuvo siempre acompañada de imágenes suyas, en la sala de prensa de la Procuraduría, con la mirada viendo baja hacia sus pies, desencajada, y algunas otras del certamen donde fue coronada. El antes y el después fascinó a la audiencia; así como todavía lo hace la cercanía de bellezas reconocidas con el poder y la riqueza: deportistas, políticos y narcotraficantes. La historia de la Miss Sinaloa se diluyó entre las noticias que vinieron, se perdió en la intensificación de la violencia en la guerra que se lucha en México; y, ahora, dos años después, regresa como figura de inspiración en la creación de Miss Bala (2011), cinta dirigida por Gerardo Naranjo.

Miss Bala es una joven cuya habitación está decorada con afiches de Lupita Jones, tiene veintitrés años y desea representar a la belleza de Baja California en un certamen de belleza. El sueño lo comparte con su amiga Azucena Ramos, quien además busca conectes entre agentes policiacos para ganar el concurso que la llevaran hasta el VIP de un baile en la noche de Tijuana. Laura Guerrero –Miss Bala-  en una suerte de broma premonitoria, dice que el premio para la reina es cogerse a un vato rico; ahora sabemos que sus expectativas estaban elevadas, porque con una velocidad vertiginosa su historia se transformaría en un thriller confuso y angustiante. Cuando Miss Bala se topa con el líder de un grupo paramilitar en el baño del baile, y éste “simpatiza” con ella, inicia la caída libre en medio de un tiroteo.

Ficcionar cinematográficamente sobre la marginalidad, la Gran Ciudad, la corrupción y, ahora, el narco ha sido una constante en la producción mexicana de las últimas décadas. En la constante, es posible distinguir la tendencia a la caricatura y estereotipo por medio de la exageración, el sarcasmo, el ridículo y el doble sentido. En la galería mental del crimen, la violencia, el soborno, la política y la ilegalidad  que nos ha dado la industria, a partir del Nuevo Cine Mexicano, figuran siempre las películas de Luis Estrada; por lo que no me sorprende que la crítica esté intentando encontrar las diferencias profundas entre El Infierno y Miss Bala; sin embargo, aunque me parece válido y predecible que se haga ese análisis, creo que más que enormes diferencias encontraran buenas ausencias.

Miss Bala nos ahorra la mayor parte de la película los diálogos, siempre pobres, con los que las anteriores representaciones mexicanas de la realidad política y social nos someten; también evita –con un cuidado evidente- echarnos a la cara y al “sentimiento” a otro villano más para odiar y reír. No vemos a cuadro la simpatía del narco ni del corrupto, tampoco la sonrisa de Damián Alcázar llevándonos de la mano por la tragicomedia del melodrama de nuestro México. Tal vez, lo más obviamente satirizado sea el retrato del universo de los certámenes de belleza; la sonrisa, la apariencia, el proceso de preguntas-respuestas que tanto material han dado para ridiculizar a las mujeres que participan en ellos. Por lo demás, la historia misma da la impresión de estar desenfocada, de no tener tiempo para detenerse en ningún punto, de no querer estar, de no desear mostrar nada más que el miedo de su protagonista -que hará de estandarte de las víctimas de esta guerra-; entonces, Miss Bala vista desde el microscopio es la minúscula célula de algo enorme; es el especial de detrás de cámaras del crimen, construido siguiendo el rastro de una mujer por un par de días.

La película de Gerardo Naranjo no tropieza en algunos baches del cine mexicano, los rodea con gracia; aún así, no pierde el toque intelectualizado, de regodearse en querer ese cine para pensar, de buscar ese cine de reflexión tan reincidente los últimos veinte años. Lo apremiante del tema del miedo, de la inseguridad social; es decir, la actualidad tópica de Miss Bala, con suerte nos abrirá camino a otro tipo de representaciones –ojalá menos melodramáticas y más asertivas- y, con ello, a una mejor compresión de nuestra realidad.

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El documental que pretendía realizar el activista Timothy Treadwell, a propósito de las largas temporadas que durante trece años pasó en una reserva natural en Alaska, conviviendo con osos grizzly, dio origen a más de 100 horas de grabación; las cuales llegaron, finalmente, a las manos de Werner Herzog, quien en 2005 estrenaba exitosamente en el Festival de Sundance Grizzly Man. El material audiovisual que produjo Timothy Treadwell adquirió valor renovado luego de que en el año 2003 muriera trágicamente –en compañía de su novia-, justo como muchos y él mismo habían vaticinado, en las fauces de un oso grizzly.

Su actividad como ecologista fue siempre polémica y transgresora, por lo menos lo suficiente para convertirlo en una figura mediática. Sin embargo, no es el hábitat ni la naturaleza salvaje de los osos en sí misma lo que da cuerda a Herzog sino, tal vez, la intervención insistente de un antihéroe risible y tierno, de un protector autodestructivo, de un amante dolorosamente obsesionado con su objeto de deseo. Al ver el documental, es difícil deshacerse de la sensación de burla, de la posibilidad de que la aparición de Treadwell a cuadro sea parte de una broma de cámara escondida que les están jugando a los osos.

La premisa es el desequilibrio por intervención, Treadwell altera la dinámica entre el mundo animal y el humano en un afán puro por salvaguardarlo; y, por otra parte, Herzog conscientemente media entre los varios personajes de Treadwell; así, por medio de entrevistas a amigos recrea a un ser casi mítico, a un hombre que de a poco se metamorfoseaba

en oso; el testimonio de especialistas, médicos y socorristas que recuperaron lo que quedó de su cuerpo encuentran en la heroicidad nada más que necedad y locura. Las imágenes no niegan el vínculo misterioso entre Treadwell y los animales, pero como narrador Herzog –en voz en off- confiesa no haber encontrado ningún indicio de aquello mágico que éste cree percibir.

En un diálogo no presencial Herzog vislumbra también al Treadwell documentalista, al creador perfeccionista de planos, al director que repite una y otra vez escenas, al motivo detrás de la cámara. Confronta métodos, lo observa y lo encuentra profundamente bello, oscuro y valiente; le reconoce cualidades que ni el ser mítico ni el outsider contienen.

Grizzly Man es el método propio de Herzog, es su representación sobre la observación documental, sobre el proceso en la creación de un personaje pre edificado, de carne y hueso, casi real. Es el retrato de Timothy Treadwell; probablemente no el retrato que tenía en mente cuando despotricaba contra el sistema o cuando se confesaba frente a la cámara arreglándose el cabello; pero es un buen retrato y, sobre todo, es un excelente pretexto para reflexionar sobre el cine documental, sus métodos, sus valores etnográficos y artísticos estrechamente vinculados a la construcción de la realidad.

Así, les recomiendo ampliamente Grizzly Man, tanto como les recomiendo ignorar las imágenes de su autopsia o del supuesto audio que circula en Internet relativo al ataque del oso que lo mató; siempre que no sean fans del gore o de la revista Alarma, no es una experiencia agradable. Qué la disfruten.

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Trailer acá:

El final de la saga de Harry Potter se acerca. Como algunos sabrán, Londrés y Nueva York ya han tenido la premiere de esta segunda parte, pero se acerca cada vez más rápido el turno para México. Este jueves 14 de julio tenemos el preestreno, y para muchos de nosotros que hemos seguido los libros y las películas tenemos grandes espectativas de este gran final.

Hace 3 años se publicó el libro y hemos tenido una larga espera, y todo parece indicar que valdrá la pena. 

En esta ocasión el director de arte Stuart Craig tuvo un gran reto, ya que en una escena presenciaremos la destrucción parcial del castillo de Hogwarts. J. K. Rowling y Stuart Craig han trabajado a la par en todos los diseños de los sets para las ocho películas de Harry Potter y esta vez no fue la excepción. 

Quiero mostrarles algunos diseños de interiores que se realizaron para los sets de esta película y algunos que se me han hecho excelentes en otras películas anteriores.

Siempre se han caracterizado por los detalles, sobre todo el toque medieval y gótico. Podemos verlos en los estilos de los arcos en terminación de punta, los muebles y los detalles de las patas. Los marcos para las forografías, lo alto de los techos y también esos colores que usan para dar un ambiente cálido.

Para las filmaciones se han apoyado en distintas locaciones del siglo XII, XIV y XV ; entre ellos está  La Catedral de Durham, El Castillo Alnwick , La Christ Church de Oxford, La catedral de Gloucester, etc.

Christ Church de Oxford

La Catedral de Durham

El Castillo Alnwick

Edificio en Londrés que seleccionaron para ser el Caldero Chorreante

Otros escenarios que me han encantado, que siento que lograron transmitirnos esa energía y magia de los libros han sido La Torre de Astronomía y las escaleras movibles que salen en la película de La Piedra Filosofal. Sobre todo la Torre de Astronomía ya que diseñaron muchos artefactos, muchos de ellos fueron basándose en máquinas de Leonardo Da Vinci.

  Planeación de la Torre de Astronomía

 Torre de Astronomía

Escaleras de la Torre de Astronomía – Catedral de St. Paul’s

Planeación de escaleras movibles.

Ilustración de escaleras movibles.

 Si quieren ver algunos otros más sets que se realizaron, visiten la página de la revista AD, ya que tuvieron acceso a algunas imágenes antes que nadie. O den click aquí y los lleva directo.  

Espero quedemos satisfechos con esta última película. Finalmente se que como siempre no le llegarán a la calidad de un libro, pero debemos aceptar que han llegado a existir muy buenas adaptaciones. Ya veremos qué tal y porfavor comparte tus comentarios, que este fenómeno ya está haciendo historia.

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

Comparto en el consenso de que la narrativa cinematográfica y la literaria gozan de naturalezas propias, que construyen sus ficciones priorizando según sus recursos; asisto a la consigna de no pretender mirar con el mismo visor la película y el libro. Sin embargo, si bien es cierto que se gestan en planos distintos, también lo es que comparten, particularmente en las adaptaciones a guión fílmico, mucho más que la idea. Es conocido que no existen formulas universales para adaptar letras a imágenes; en ese proceso, influyen aspectos como los objetivos de la industria cinematográfica, del equipo creativo, la trascendencia de la obra, las expectativas de las audiencias, entre mucho otros.

Habrá, entonces, adaptaciones con mayor libertad que otras; tal vez, en el afán por alinearse al texto se volverán rígidas algunas metáforas que para el lector fueron etéreas; o, en la lucha por su autonomía creativa, la película difumine los indicios del libro en aras de una nueva historia. El resultado fílmico, seguramente, responderá a los índices de calidad al que sea sometidos: afinidades o aversiones, al fin y al cabo. De cualquier forma, y a sabiendas de que algo en mí parte de la certeza de que el visor cambia la lente -esto aunado a todo lo anterior- ya puedo confesar que bajo ningún pretexto logré aislar Norwegian Wood. Tokio Blues (Haruki Murakami, 1987) de la videncia de Norwegian Wood (Anh Hung Tran, 2010).

La versión cinematográfica de Norwegian Wood coincide en la sinopsis del libro, en términos generales. Un joven, Toru Watanabe, comparte una profunda amistad con Kizuki y, un tanto por añadidura, con la novia de éste, Naoko. Tras el suicidio de Kizuki, Toru y Naoko se sumergen en una atmósfera de duelo y nostalgia, plagada de un inminente erotismo y un aliento casi sobrenatural, constante en la obra de Murakami. Los personajes que giran, de alguna u otra manera, alrededor de esta historia son extraordinariamente complejos y, gracias a ello, con facilidad consiguen zafarse de la etiqueta de secundario. Quizá aquí resida la sensación de ausencia que apareció luego de ver la película.

Los aspectos de la obra que la película destaca son acertados en función de la historia que se pretende contar; es decir, la del vínculo post mortem entre Toru, Kizuki y Naoko; y, claro, todos los demás. Sin embargo, la participación de los demás queda pendiente siempre; como si sus acciones, aunque evidentemente determinantes en la historia a contar, hubieran sido expuestas en una secuencia que fue cortada al editar. He leído y escuchado las opiniones de quienes, sin haber leído el libro, se han acercado a la película; en su mayoría subrayan la fotografía –a cargo de Ping Bin Lee-, los colores, la tesitura del frío y el retrato del viento en imágenes; además, de la ambientación de la efervescencia de los años sesenta digna de mencionar, así como la música de Jonny Greenwood, quien forma parte de Radiohead y cuya sonorización recrea el vacío emocional que la imagen ya mostraba.

Quedan satisfechos con el relato de Anh Hung Tran, y me parece justo; es sólo que la belleza solitaria de Midori Kobayashi y sus ideas del amor, el pasado increíblemente erótico y doloroso de la maestra de música, Reiko Ishida, y su exilio a las montañas, la estoica necesidad de permanencia de Hatsumi, el poder y El Gran Gatsby, todo en conjunto es un rumor en la pantalla, un rumor lejano como el eco de hace tiempo. Existe una secuencia en la película en la que, particularmente, es posible percibirlo. Sabrán cuando la hayan visto, sin es que no lo han hecho, de qué hablo y tal vez estén de acuerdo conmigo.

 

Alargué el brazo e intenté tocarla, pero ella se echó hacia atrás. Los labios le temblaban. A continuación, alzó las dos manos y empezó a desabrocharse la bata. Tenía siete botones. Contemplé, cual si fuera una prolongación del sueño cómo sus hermosos y delgados dedos iban desabrochándolos, uno tras otro. Una vez hubo soltado los siete pequeños botones blancos, Naoko, como una serpiente que se desprende de su piel, dejó que la bata se deslizara desde los hombros hasta la cadera y quedó completamente desnuda, pues no llevaba nada abajo. Lo único que tenía puesto era el pasador con forma de mariposa. Naoko, todavía arrodillada en el suelo, se quedó mirándome. Bañado por la suave luz de la luna, su cuerpo tenía el lustre de la carne recién nacida, y casi despertaba compasión. Al moverse –en un movimiento apenas perceptible-, las partes bañadas por la luz de la luna cambiaron de forma. Norwegian Wood. Tokio Blues (Haruki Murakami, 1987)

La secuencia de la que escribo intenta retratar el anterior fragmento de texto. Puedo estar equivocada, pero ojalá pudieran decirme si ustedes sintieron en aquello a Naoko como una serpiente que se desprende de su piel. En fin, cualquiera que sea el resultado, es una película que no deberían perderse, con o sin el libro sobre el regazo; aunque, sin duda, recomiendo lo segundo, de no ser así estarían obviando la lectura de un gran libro.

En twitter: ValaSailhin

Acá el trailer:

De pronto es un poco corto decir que Iñárritu gana en Cannes, pero en parte es cierto, el director mexicano con TODO su equipo han obtenido el GRAND PRIX en el Festival de la Creatividad Cannes Lions 2011, otro participe fue el también mexicano Emmanuel Lubezki con su trabajo en la Fotografía, una mancuerna que ha dado muy buenos resultados en cine y ahora en publicidad. En hora buena, felicidades a el y a todo su equipo, los dejamos con el video en su versión extendida y la lista completa de quien formo parte de este comercial para NIKE desde el Director Creativo, hasta Homero Simpson.

WRITE THE FUTURE TEAM

Jugadores: Didier Drogbá (Costa de Marfil), Fabio Cannavaro (Italia), Wayne Rooney (Inglaterra), Theo Walcott (Inglaterra), Frank Ribery (Francia), Landon Donovan (Estados Unidos), Tim Howard (Estados Unidos), Gerard Piqué (España), Cesc Fábregas (España), Andrés Iniesta (España), Ronaldinho (Brasil), Cristiano Ronaldo (Portugal)

Además aparece: El tenista, Roger Federer,  el basquetbolista Kobe Bryant, el actor mexicano Gael García Bernal y Homero Simpson.

Si no estoy definiendo la felicidad de mi Nación con un gol o un buen pase, me encuentran en twitter como @_ademyr

Una voz en off comienza a narrar el significado de la muerte, las imágenes reviven esos momentos brutales; mis ojos frente al monitor esperan saciar ese morbo tan humano. De pronto ocurre un asesinato frente a mí, la respiración me sofoca, estoy viendo Traces of Death, mejor conocida como Trauma… No soy capaz de ponerle stop, son imágenes reales…

Al recibir estímulos visuales y sonoros en el cine, el espectador decodifica a partir de su experiencia próxima; en el proceso se conjugan sus emociones, sus ideas, sus juicios, su carácter y hasta sus prejuicios. Si bien, lo audiovisual es sí mismo ya tiene una carga psicológica, es el receptor el que le da sentido a lo dramático, a lo cómico, a lo erótico o a lo violento, sin embargo, el valor real de las películas viene cuando éstas se convierten en vivencias, en una anécdota más, cuando se nos ubica en un contexto cercano, cuando sin haber salido de la sala somos testigos de historias que enaltecen o degradan al ser humano; desde una secuencia de amor sutil hasta un recuento de hechos agresivos y explícitos. Me detendré en estos últimos.

El séptimo arte se inspira de la realidad y la violencia ha sido retomada desde sus inicios, por ejemplo la primera película de ficción del cine mexicano “Duelo a pistola en el bosque de Chapultepec” de Gabriel Veyre (1896) es la representación de un caso real que escandalizó a las audiencias, dos diputados se enfrentan y uno de ellos es asesinado frente a la cámara, aunque es ficción, las imágenes resultan realistas y explícitas para la época.

Actualmente los hechos violentos de nuestra sociedad siguen inspirando a las temáticas del cine; en “El Infierno” de Luis Estrada (2010) se reinventa a la tortura, a la narco guerra, a la crueldad del México contemporáneo. Por lo tanto, los filmes no son violentos gratuitamente, son el espejo de lo que somos y de la forma en la que asumimos la ira, la frustración, la envidia o la venganza. Somos espectadores que alentamos el morbo con espectáculos fílmicos manchados de sangre. Aceptémoslo: nos gusta la pena ajena. Que muera, que sea torturado y que sufra el que está en la pantalla, al fin es un espectáculo cinematográfico. Por otro lado, continuamente se sataniza la influencia que ejerce el cine en las audiencias cuando éstas imitan actos que atentan contra la integridad de los demás, sin embargo, culpar a los directores o productores de fomentar actos violentos sería negar que somos gente que confronta sus valores y anti valores con la pantalla. Tal vez el cine puede inspirar, pero no determinar un acto cruel en la realidad. Por ello revivamos los siguientes filmes, analicemos, cuestionemos y confrontemos su contenido; sólo es un espectáculo manchado de unas cuantas gotas de sangre.

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Por Héctor Juárez Juárez @communicador