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Durante la pasada ceremonia de los Oscar la Academia otorgó su premio estelar a la película francesa The Artist; así como el reconocimiento a mejor director, mejor actor, mejor banda sonora y mejor diseño de vestuario. En un mano a mano, sin duda difícil, The Artist se enfrentó con la superproducción en 3D de La invención de Hugo Cabret de Martin Scorsese. Ambas cintas construyeron un homenaje fílmico al cine; en ellas, de forma conmovedora y nostálgica, se proyecta en pantalla la representación de puntos concretos en la historia de la cinematografía. Puntos claves, determinantes que dieron pauta a nuevos lenguajes y recursos creativos.

Scorsese, por su parte, da vida al mago George Melies y orquesta un recorrido por los orígenes del cinematógrafo hasta la consolidación del cine de espectáculo y ficción. Sitúa al espectador en ese fin de siglo que conoció las imágenes en movimiento, que emprendió el proceso de comprensión de una realidad novedosa y seductora que le era propia y, a la vez, lejana. Melies dejó de producir hacia 1913 debido, entre otros factores, a los cambios que vinieron con el arribo de la industria fílmica de Hollywood. Para ese momento, el cine había trascendido la etiqueta de novedad científica y se concretaba como una maquinaria económica y cultural que interactuaba profundamente con la sociedad.

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Las películas, para entonces, formaban parte de la cotidianeidad. Mediante el ritual cinematográfico, los espectadores hacían suyos los rostros y figuras a cuadro, convertían a los actores y actrices en estrellas. El estrellato fílmico se afianza en las producciones del cine silente. Gran parte de su narrativa recaía sobre el rostro y la gestualidad de las estrellas, en comparsa con la música, la iluminación, etcétera. Tal como lo retrata Michel Hazanavicius, director de The Artist, hacia 1930 la transición del cine silente al sonoro era una realidad. La radical transformación obligó a modificar la comprensión que se tenía del cine. Los espectadores aprendieron a escuchar, así como poco después lo harían con la incorporación de los subtítulos en las cintas.  Pero no solamente los espectadores participaron del cambio, las estrellas -mitos consagrados o no- tuvieron que decidir entre ir hacia el sonido o  hacia la oscuridad lejos del cine.

Esto es lo que le ocurre a George Valentin (Jean Dujardin), protagonista de The Artist, quien después de ser un aclamado actor de cine silente va a la ruina económica y personal debido a su negativa de integrarse a la cinematografía que reinaría a partir de la segunda mitad del siglo XX.  Asimismo, casi como un espejo, se plasma la consagración mediática de Peppy Miller (Bérenice Bejo) como una estrella con voz. La fama apagada de Valentin y el ascenso de Miller coinciden en la historia de amor entre los protagonistas, como si con The Artist también se hubiera construido, no sólo la ruptura sino también, la reconciliación entre dos maneras de hacer cine al parecer incompatibles.

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Es verdad que ya en Sunset Boulevard (Wilder, 1950) se había narrado la historia de Norma Desmond, una actriz de cine mudo enloquecida por haber sido expulsada del estrellato tras la llegada del cine sonoro; o, en The Purple Rose of Cairo (W. Allen, 1985) cuando, recreando la época de la Gran Depresión, se sugería con ironía la vida posible que los actores tienen fuera de la pantalla pero dentro del estrellato. Sin embargo, The Artist tuvo el detalle de hacer una película silente sobre el cine silente, mezclando recursos creativos actuales con el lenguaje fílmico de aquella etapa y, sobre todo, lo hizo bien.  Michel Hazanavicius nos deja con The Artist una película visualmente hermosa, secuencias memorables con rostros silenciosos y sonrisas perfectas.

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Es curioso que la 84ª edición de la ceremonia de los Oscar haya hecho explícita la necesidad de homenajear la memoria fílmica al nominar y premiar principalmente a The Artist y a La invención de Hugo Cabret, cintas que se afanaron en capturar la esencia primera de la cinematografía. ¿Será, tal vez, que Hollywood comienza a ver con nostalgia las formas pasadas de producción, exhibición y distribución ante la emergente cultura digital?

Si es así, es posible que la industria cinematográfica esté cayendo en cuenta que deberá decidir, como lo hizo George Valentin entre aferrarse a las arcaicas formas comerciales del cine o, por fin, aceptar que la manera de realizar y consumir cine cambió desde hace varios años, que hemos adaptado el ritual cinematográfico al ritmo de nuestros recursos, con la misma emoción que tuvieron los primeros espectadores del cinematógrafo hace ya más de un siglo.

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Lucas Marangon es un personaje importante dentro de la escena del cómic que nació en Santa Fe, Argentina en 1971, pero a los 6 años por motivos políticos vino a la Ciudad de México, donde curso sus estudios elementales. Regresó a Argentina, estudió artes y se recibió como Diseñador Gráfico, antes de regresar a México trabajó como dibujante de historietas hasta que obtuvo su primer contrato con Dark Horse como dibujante de R.I.P.D , historia con la cual actualmente se filma un largometraje.

Lucas colaboró en varios títulos basados en franquicias populares como Star Wars, Aliens y Metalocalypse, hasta su debut como autor con la novela gráfica Hellcyon, de próximo lanzamiento.

A continuación nos cuenta como ha sido el desarrollo de su carrera y que nuevos proyectos tiene actualmente.

*¿Cómo te iniciaste en el ámbito de la ilustración y cuánto tiempo tienes dentro de ella?

Mi primera ilustración profesional fue para un periódico local en Argentina, en 1994. Fue una página de cómic a color que el editor de un suplemento dominical encontró atractiva y decidió publicar. Ése primer trabajo me dio exposición, que se tradujo en otros trabajos. Desde entonces, me he dedicado a engrosar mi portafolio y mantenerme en el medio.

* ¿Cuáles son tus mayores influencias y cómo se reflejan en tus ilustraciones o en tu estilo?

Es difícil llevar la cuenta mis influencias, sobre todo porque a cada rato surge algún artista que me resulta interesante en algún aspecto (anatomía, color, storytelling), y trato de incorporarlo a mi trabajo. Mis primeras influencias eran mucho más determinantes, pero no estoy seguro de que sean muy evidentes a esta altura. Me han dicho que Otomo se asoma en mi estilo, lo que considero todo un halago, pero pienso seguir evolucionando.

* ¿Cómo fue el cambio de zona geográfica para tu desarrollo laboral?

Cuando volví a México, Argentina estaba pasando por una crisis económica muy grave que diezmó la industria del cómic y similares. En aquellos tiempos Internet estaba en ciernes y no era un medio confiable (o accesible) para promocionarse o buscar trabajo, así que tomé la oportunidad de instalarme en México que conocía muy bien, y usarlo de plataforma para acceder a la industria norteamericana.

*¿Qué aspecto consideras que fue pieza clave para el desarrollo de tu trayectoria como dibujante de cómics, ( el talento, los contactos o amistades, la disciplina y Por Qué?

No hay que olvidar el factor suerte. En mi caso, mi poco o mucho éxito se debe a mi testarudez. Jamás he sabido autopromocionarme o cultivar contactos (lo digo como autocrítica), y la disciplina ha sido sólo la que me he impuesto para mejorar lo que no me gusta de mi trabajo. Un buen consejo siempre es “no seas arrogante, sé profesional y entrega a tiempo.” Eso es más confiable que todas las relaciones y hasta cierto punto, remplaza incluso la falta de talento.

*¿Cómo surgió tu relación laboral con Dark Horse y  a través de qué proyectos se ha consolidado, hasta llegar a lo que es hoy?

Después de instalarme en México, empecé a ahorrar para ir a San Diego, a la Comic-Con. Los dos primeros años consecutivos, aprendí lo que los editores necesitaban ver en un portafolio, mientras refinaba mi trabajo. Al tercer año obtuve mi primer contrato con Dark Horse. Hubiera aceptado una oportunidad en cualquier compañía, pero estaba feliz de trabajar para una editorial que tenía todas las licencias que me gustaban (Star Wars, Aliens, Terminator) y que además era conocida por promover el cómic de autor. Star Wars sobre todo, me dio la exposición que mi trabajo necesitaba, además de la oportunidad de debutar como guionista.

* ¿Con qué artistas que consideres importantes dentro del ámbito de la ilustración has  colaborado?

Trabajar como columnista en Star Wars Tales, que era una antología de autores, me dio la oportunidad de compartir créditos con escritores y dibujantes tan improbables, como Jan Duursema, Fabian Nicieza, Killian Plunkett, Leinil Francis Yu, Kia Asamiya, Tony Millionnaire y muchos más, pero lo más curioso y gratificante fue ver mi nombre junto al de Moebius, en la revista de un amigo mutuo.

*¿Además de México en qué otros lugares es conocido tu trabajo, y por medio de qué proyectos?

De nuevo, Star Wars es la licencia que mayor exposición me ha dado, más precisamente la saga de Tag & Bink, que se ha publicado en varios idiomas, incluido el checo.

* En Abril está por salir tu proyecto “Hellcyon,” ¿Qué tan difícil es publicar en EUA, y cómo fue este proceso?

Publicar un cómic de autor no es difícil en los EU. Si el libro es de calidad y está terminado, las editoriales te los sacan de las manos a cambio de posibles regalías. Lo difícil es producir una novela gráfica con tu propio tiempo y dinero, y más difícil aún es que una editorial te pague un adelanto para que lo hagas. Pero una obra publicada, siempre es una pieza importante en tu portafolios. En mi caso, Dark Horse sabía que estaba trabajando en un guión, y aunque estaban dispuestos a darme un adelanto, no se comparaba a lo que ganaba dibujando cómics por encargo. Cuando el trabajo empezó a escasear, tomé la oportunidad.

* ¿Qué opinas de la industria del cómic en México, cómo te has involucrado en ella y cuáles han sido los resultados?

Cuando llegué a México, lo primero que busqué, naturalmente, fue hacer cómics. Entonces sólo los “Sensacionales” (las historietas eróticas de bolsillo), dejaban algún dinero. La cultura del cómic en México siempre ha sido algo marginal, con pocos artistas y escritores dispuestos a remar a contracorriente para poder producir cómic serio en un país en donde no existe una industria editorial preparada para ello. Mi acercamiento con ésa “industria,” si se le puede llamar así, ha sido siempre como colaborador en proyectos de amigos que tratan de encontrarle la vuelta económica al cómic de autor con resultados dudosos o nulos. Creo que hay que seguir buscando maneras de acercar los cómics de autor al público, pero educando al mismo tiempo sobre la importancia de los cómics como medio cultural, algo que en Europa, por ejemplo, se da por sentado.

* Del Primer cómic en el que participaste en Dark Horse “RIPD”  existen rumores de qué se llevara al cine, puedes contarnos algo al respecto?

No es un rumor. La película está rodándose en Boston con las actuaciones de Ryan Reynolds, Jeff Bridges y Kevin Bacon. Naturalmente, habiendo sido contratado como artista y siendo la industria del cómic y el cine el los EU como es, no espero un centavo de todo eso. Pero mi crédito va a estar en la pantalla, lo que se suma a mi portafolios, y no deja de ser una experiencia gratificante, ya que fueron los guionistas de Furia de Titanes quienes abogaron por el proyecto en Universal.

* ¿Cuál es el proceso que llevas a cabo al momento de hacer una ilustración?

Siempre empiezo por leer el material de origen, para definir lo que la ilustración debe decir y el clima que debe transmitir. Entonces hago pequeños bocetos o “thumbnails”, teniendo en mente los elementos que creo que deberían estar presentes: personajes, paisajes, props. En esta etapa empiezo a componer. Una vez que encuentro una composición que me convence, llevo el boceto a la computadora y entinto (si es una ilustración basada en un cómic) y coloreo la pieza. En esta etapa defino la paleta, que se relaciona directamente con la atmósfera y el concepto de la ilustración. Rara vez hago bocetos para definir la paleta que voy a usar, pero es válido y necesario si se tiene una ligera duda de cómo los colores deberían afectar la lectura de la pieza.

*Cuéntanos más sobre tu proyecto Hellcyon ¿Qué pueden esperar los lectores regulares  de cómics?  ¿Y qué ofrece para el lector ocasional?

Cuando encaré Hellcyon, que es una historia de aventuras con mucho contenido político, empecé por el contexto. Quería asegurarme de que hubiera un marco definido que determinara a los personales y sus decisiones y no al revés. Es un arma de doble filo, porque podía terminar en un discurso social insufrible, así que me aseguré de incluir escenas de acción con exoesqueletos (soy muy fan de los mechas y me divierto muchísimo diseñándolos y dibujándolos), y escenas de personajes en las que el lector pudiera identificarse con ellos a nivel humano. Así que creo que Hellcyon ofrece algo para todos los gustos.

Si estás interesado en saber más acerca del trabajo de Lucas visita su página en Facebook http://www.facebook.com/LucasMarangon.Art

Agradezco a Lucas Maragon por las facilidades  para la realización de esta entrevista

Soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

La nominación al Oscar en la categoría de Mejor Edición de Sonido para Drive (2011) me parece una excelente idea; también que hayan por fin realizado una película en la que el romance/amor verdadero se mezcle con autos, crímenes y violencia en un ambiente retro y oscuro a la vez. Es decir, finalmente las parejas tradicionales basadas en el cliché podrán ir al cine sin tener que pelear ni negociar. Lo lamento un tanto por los varones porque con sólo tres secuencias de persecución y hora y media de miradas manipuladas por Cupido, creo que puede no ser justo.

Drive no es Rápido y Furioso, ni una clásica de Tarantino, ni siquiera es una Chick flick recalcitrante; no, es una película con el súper amado Ryan Gosling y Carey Mulligan, tan de moda en Tumblr, que relata la historia de un prodigioso conductor de autos (Gosling) que hace de doble para cine, de mecánico en un taller y de taxista en robos donde hace gala de su talento al escapar de patrullas y helicópteros de vigilancia.

El conductor no tiene nombre, casi es mudo, y eso a la crítica parece encantarle porque del personaje escriben que es un anti héroe cuyo mutismo y figura estoica elimina cualquier rasgo identitario. ¿Quién es ese conductor? se preguntan, y se responden con un No es importante, mira su rostro, ahí lo dice todo. Lo cierto es que es tipo rudo que, como todo tipo rudo, su debilidad es el amor que encuentra en la lánguida y vulnerable Carey Mulligan y su pequeño hijo. Capaz de exponer su vida para protegerlos del marido ex convicto que vuelve a casa con más líos y peligros, decide ayudarlo en un robo para que éste pueda saldar una deuda con la mafia.

Las cosas obviamente saldrán mal ocasionando mucha sangre en la chaqueta del conductor. A cuadro están también Bryan Cranston (Malcom in the middle, Breaking Bad) y la guapísima Christina Hendricks (Mad Men), cada uno en personajes aburridos y prescindibles en la cinta. De igual forma, poco importa la historia sobre las carreras de autos que sólo sirve de pretexto para integrar a la mafia, o el robo fallido incomprensible que es el eslabón para que el conductor cambie su vida violentamente y se convierta en héroe, o su aparente éxito como doble en el cine, o su clandestino oficio nocturno, o el rol de la mafia respecto al poder… ¿qué importa, entonces, en Drive?, ¿cuál es, finalmente, la historia que cuenta?

En lo personal, su director Nicolas Winding Refn, quien ha reconocido la enorme influencia del trabajo de Alejandro Jodorowski en su obra, no me parece pretencioso como señalan sus detractores; por lo menos no en el sentido despectivo; creo que proyectos pretenciosos han logrado resultados innovadores y creativos. Drive ha tenido excelente respuesta con las audiencias, lo que significa que como espectáculo funciona; en ese sentido, es valioso porque el cine también es entretenimiento y no sólo sesudos y prolongados análisis de plano por plano. Los muchos reconocimientos que ha tenido invitan a verla, a indagar en los gustos y preferencias que  encumbran a la película y a sus actores; al igual que las posturas polémicas de amarla u odiarla. Deseo que todos la vean y que también la amen para que así no sientan que perdieron un poquito de sus vidas frente a la pantalla.

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Con once nominaciones al Oscar, La invención de Hugo es la gran favorita para llevarse la noche de premiación. Pese a que no entiendo del todo cuál es el sistema de elección o los parámetros que atienden los jueces, no encuentro cómo podrían no ahogar en aplausos a Martin Scorsese aunque sea un ratito. Sin duda es cierto que la experiencia en formato 3D magnifica la videncia, aunque Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton nos mostró ya que la combinación del 3D en un relato fantástico y un director consagrado no es garantía de calidad ni de éxito, que se necesita algo más.

Por su parte, La invención de Hugo, basada en el libro homónimo de Brian Selznick, es una bellísima historia infantil de aventuras, en la que la misión es resolver un misterio y meterse en líos en el camino. Suena común, ¿no?, sin embargo la película de Scorsese se va convirtiendo en un festín cuando aparece a cuadro el esqueleto metálico de un autómata descompuesto al lado de Hugo Cabret y su padre, un experto relojero que deseará conocer su funcionamiento secreto y repararlo. La figura del autómata recuerda a las máquinas creadas en el siglo XVIII por Pierre Jaquet-Droz y, casi en silencio, hace hincapié sobre la fascinación que estos artilugios han provocado por la facultad para cuestionar la naturaleza animada y los límites del hombre para intervenir en la creación y reproducción de la vida.

Así, Hugo sabe que la maquinaria averiada del autómata guarda un secreto, como una caja de música que se niega a revelar el origen de sus notas porque le gusta creer que es un milagro; por ello, Hugo quedará encantado por el engranaje que observa día a día y no podrá escapar de la obsesión y delirio que los autómatas siempre han incitado en los espíritus creadores, en aquellos que también, a finales del siglo XIX, sentaron las bases para la aparición del espectáculo de los sueño: el cine.

Aquí el festín de Scorsese traslapa la atención del universo del autómata a la vida y obra de un pionero en la magia cinematográfica, el abuelo George Melies. La crítica ha señalado las imprecisiones históricas respecto a la biografía de Melies, exigiendo a su director que si la película se ideó como una clase de cine ésta, finalmente, fuera impecable. Afortunadamente tenemos wikipedia y enciclopedias de cine a nuestra disposición para cultivarnos el conocimiento con fechas exactas y acontecimiento comprobados; pero, ¿realmente es importantísimo para la película tener una imagen “verdadera” de uno de los más grandes ilusionistas y constructores de juguetes?

En lo personal, en todas las referencias a George Melies siempre me resulta natural que la imagen de la luna con un cohete en el ojo derecho aparezca como foto biográfica. Eso me parece que es una imprecisión histórica pero ilustra fidedignamente a George Melies. En conjunto, La invención de Hugo vale la entrada al cine para verla en 3D, aunque si prefieren estar en la comodidad de su hogar les deseo suerte con la descarga que al parecer está complicada. No estaría de más que si alguno tiene éxito en su búsqueda tenga la cordialidad de compartir el link, recordemos que son tiempos difíciles en Internet y que los sobrellevaremos compartiendo.

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El pasado 18 de enero, a propósito de las protestas contra las leyes SOPA (Stop Online Piracy Act) y PIPA (Protect IP Act) – así como todas sus símiles en el mundo– varios sitios en Internet se unieron a la operación blackout. Así, mediante este apagón se dio una probadita de cómo sería la red si la mafia de los contenidos logrará que las leyes que favorecen la propiedad intelectual privada y anónima fueran votadas y aprobadas. No deja de sorprender y emocionar la cantidad de información creada y compartida para dar a conocer la peligrosidad y dimensiones de SOPA/PIPA, basta con googlearles para tener acceso a videos, audios, post, tweets que aluden y cuestionan lo que es ya una realidad: la guerra declarada contra las ideas por parte de las grandes corporaciones.

Es por eso que el documental RIP: A Remix Manifesto (Brett Gaylor) sigue tan vigente como en 2008, año en el que fue producido y exhibido bajo la figura de distribución y acceso libre, opensource. Filmado y editado en un periodo de seis años, RIP: A Remix Manifesto no sólo es una película que da gozo estético sino que con la seriedad y profesionalismo, del tipo que solamente el humor y la frescura son capaces de contener, nos introduce en el universo social reconstruido luego de que la tecnología permitiera a los consumidores compartir masivamente información y, sobre todo, la posibilidad de hacer de esa información algo más.

La aparente pasividad de los devoradores mediáticos se ve minada cuando la remezcla de contenidos se convierte en una realidad al alcance de cualquiera con acceso a una computadora e internet. Nuevos procesos creativos revolucionaron al arte, al periodismo, a la comunicación, a las relaciones sociales y culturales; modificaron el estatuto de receptor en creador y en distribuidor. Esto significó, en términos prácticos la inoperancia de la industria cultural y su innecesario rol como intermediario entre el contenido y el público. Las ideas estaban al alcance de maneras nunca antes vistas y de formas nunca antes vistas también fomentaron la creatividad, el poder cambiaba de manos ante la sorpresa de todos.

Brett Gaylor usa en RIP: A Remix Manifesto como hilo narrativo al músico norteamericano Girl Talk, ícono de la cultura del mash-up y de la ilegalidad con respecto a la cultura de copyright, al hacer uso no autorizado de contenido musical protegido por derechos de autor en sus canciones. Asimismo, la película logra recoger los testimonios de batalla de importantes activistas y luchadores por la protección del dominio público y libre intercambio de las ideas. Acompañado por Lawrence Lessig, abogado y fundador de las licencias creativas CC (Creative Commons) -que buscan facilitar un modelo legal en el que el autor defina los derechos que le parezcan apropiados para su obra-; así como por Dan O’Oneill, quien en la década de los sesenta se enfrascó en una afrenta legal con la empresa Walt Disney por rediseñar a Mickey Mouse como un traficante de drogas; Cory Doctorow, escritor de ciencia ficción y periodista pro liberación de la cultura; y el músico brasileño y Ministro de Cultura de Brasil durante algún tiempo, Gilberto Gil, se comparten experiencias en la construcción de una sociedad basada en la libertad de compartir. En conjunto, el documental concreta un manifiesto que dice más o menos así:

1. La cultura siempre se construye del pasado.
2. El pasado siempre intenta controlar el futuro.
3. Nuestro futuro está perdiendo su libertad.
4. Para construir sociedades libres debemos limitar el control del pasado.

Lleno de referencias para seguir el desarrollo de la lucha contra leyes como SOPA y PIPA, RIP: A Remix Manifesto es una obra que habita lo que cree, es también una aportación importante al entendimiento de las implicaciones económicas de las grandes corporaciones y de lo que no dejaran ir con facilidad: el control de las ideas, de los contenidos. Es, igualmente, una inyección de entusiasmo porque expone cómo el futuro, internet y sus consumidores-creadores entendemos imposible la pérdida de la neutralidad de la red. Hemos comenzado a convencernos, poco a poco, que el poder no radica ya totalmente en la industria sino que una rebanada, cada vez mayor, ha sido dispuesta en el plato del usuario y que tampoco la vamos a dejar ir con facilidad.

RIP: A Remix Manifesto está subidísima y subtitulada en youtube y es legal descargarla desde su sitio y otros sitios.

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El festival de Cannes de este año fue con seguridad para Lars Von Trier muy especial; por un lado estrenaba con éxito su reciente filme Melancolía y, por el otro, era señalado como persona non grata por declarar con ironía algún tipo de simpatía hacia Hitler. Obviamente, el desgarre de vestiduras no se hizo esperar, señalado como pro nazi Von Trier solamente tendría que añadir ese adjetivo a los extensos listados a favor y en contra que se hacen alrededor de su controversial figura y filmografía. Por semanas, las notas trataban la ofensa de Von Trier y la crítica de Melancolía como si se implicaran la una a la otra, como si formaran parte de un tejido, dando al filme un tono de opacada incorrección que dista mucho de tener. Todavía, supongo, con el amargo y agresivo recuerdo que fue para muchos Anticristo (2009), y aunadas las declaraciones de su director, no es difícil creer que Melancolía fuera esperada por el público como la última parte de un díptico funesto del fin del mundo.

El prólogo del filme es una serie de hermosas imágenes ralentizadas en las que sin diálogo se anuncia una caminata inevitable al final de los tiempos. Como señal profética del apocalipsis aparece a cuadro Melancolía, un planeta que había estado escondido tras el sol, cuya trayectoria va directo a golpear fatídicamente a la Tierra. Compuesta en dos partes, la premiada Melancolía captura los momentos álgidos de dos hermanas Justine y Claire; en la primera parte, la pomposa boda de Justine (Kirsten Dunts) acapara toda la atención por su belleza y suntuosidad; sin embargo, el banquete mostrará un tipo de descomposición familiar que recuerda a La Celebración (Thomás Vinterberg, 1998) y no es sorpresa, ya que ésta forma parte de los filmes que se realizaron con las especificaciones del movimiento fílmico Dogma 95, del que Lars Von Trier es co-fundador. Pero será la fractura psicológica de Justine durante su boda lo que brillará junto a la cada vez más clara y cercana luz del planeta Melancolía.

En el segundo capítulo, Claire (Charlotte Gainsbourg) muestra un lado oculto hasta entonces. Luego de que en el episodio de Justine ejecutara con maestría el rol protector, de hermana mayor de una discapacitada emocional, se sumerge en el más existencial y humano de los temores: el del fin del mundo. Obsesionada por la cercana presencia de Melancolía, va olvidando su entorno para enfocarse en sus propios miedos. Su rostro pasa de absoluta abnegación a total desencaje, Claire ante Melancolía se encuentra vulnerable, desesperanzada e impotente; al contrario de Justine, es incapaz de captar la belleza en la certeza del fin.

Lars Von Trier es un catastrofista desbordado, un personaje que ronronea en sus fatalidades psicológicas, que se permite –porque puede, quiere y le viene en gana- la arrogancia y presunción tan buscada por la prensa sensacionalista, fans y detractores por igual; subvierte los temas y las formas como quien con necedad dice sonriendo que el cielo es rojo solamente por molestar, esperando que algún purista brinque y saque espuma de la boca. En lo personal, Anticristo me llevó tiempo digerir y reconciliar con mis propios prejuicios y posturas; el caso Melancolía es diferente porque no hace daño, no incomoda, no hace cosquillas, cuando mucho podría aburrir si no se tiene inclinación por la miseria humana y los desastres anímicos.

Melancolía es un dulce para las almas fatalistas, para la generación que afirma que habrá de ver el fin del mundo, que siempre verá en HD y 3D las películas sobre los últimos días del planeta, los que se van a casa al salir del cine pensando “¡qué mal pero ojalá lo vea, qué evento, me voy a abrir un blog!” Melancolía podría prescindir de varios de sus callejones preciosistas; podría, pero para qué prescindir de lo que decora y no afecta; lo que sí no es opción es no ver es el final del filme, me uno a quienes consideran que sólo por eso es imprescindible, lo demás va a la cuenta de cada cual.

Melancolía, como casi todo, está online y para descarga subtitulada.

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Miranda July, tal como lo hizo en su primera película Me, and you and everyone we know (2005) escribe, dirige y protagoniza The Future (2011) su segundo largometraje; en él explora la crisis de una pareja entrada en los treinta como una época de cambios, de introspección, de resignificación del espacio y del tiempo. Sophie (Miranda July) y Jason (Hamish Linklater) se encuentran incrédulos frente a un calendario que les arroja tregua de un mes para dejar la vida como la conocen; por lo menos, es lo que suponen sucederá cuando recojan a Paw Paw, el gato callejero herido que pronto adoptaran.

Desde la jaula de una veterinaria, Paw Paw narra con su voz y la ayuda de sus patas delanteras su propia historia. Reflexiona, mientras entiende cómo funcionan las horas de un reloj, sobre la espera como su nuevo estado, sobre la manera en que la oscuridad y la calle se quedaron atrás cuando Sophie y Jason dijeron que volverían por él. Sin embargo, Paw Paw desconoce todavía que ellos estarán luchando por no olvidarse de sí mismos, por lanzarse señales el uno al otro que les impida diluirse en el tedio, la apatía y el cansancio.

Con su particular comprensión de la belleza, Miranda July construye un relato emocionante por la tensión que genera, por la inminencia de la pérdida, por la claridad con la que captura la incertidumbre del futuro. Ese futuro que es el propio, esa madeja de estambre que perseguimos dormidos y despiertos sin alcanzar jamás. Estar a la mitad del comienzo con los sueños como monedas sueltas, dice Jason, o el proyecto inconcluso como forma de vida, piensa Sophie, o ser gato de nadie y seguir esperando, concluye Paw Paw.

Pese a que los créditos sean color rosa, The Future contiene la dosis necesaria en que Miranda July se retrata oscura, pecaminosa y culpable mientras Master of none (Beach House) suena una y otra vez. He de confesar que me encanta la idea de una Miranda July convertida en la loca de los gatos, gritando en una ventana con medio cuerpo de fuera; lo que me preocupa es verla convertida en la nueva Woody Allen –medidas proporciones, por supuesto- con una cantidad considerable de películas sobre sí misma, me preocupa sobre todo que se agote temáticamente en ello, tal como le sucedió a Allen.

A lo largo de un año, esta cinta sólo había sido una promesa en las páginas de descargas pero la semana pasada en Cuevana terminó la espera y fue colgada en su sitio subtitulada al español. Para muestra basta un click por lo regular, por lo que no deberían dudar en ver la nueva película de Miranda July: The Future.

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En diciembre del 2008, la prensa mexicana informaba sobre la detención de ocho personas con vínculos al cartel de Juárez; siete hombres y una mujer: Laura Elena Zúñiga, Miss Sinaloa. La noticia estuvo siempre acompañada de imágenes suyas, en la sala de prensa de la Procuraduría, con la mirada viendo baja hacia sus pies, desencajada, y algunas otras del certamen donde fue coronada. El antes y el después fascinó a la audiencia; así como todavía lo hace la cercanía de bellezas reconocidas con el poder y la riqueza: deportistas, políticos y narcotraficantes. La historia de la Miss Sinaloa se diluyó entre las noticias que vinieron, se perdió en la intensificación de la violencia en la guerra que se lucha en México; y, ahora, dos años después, regresa como figura de inspiración en la creación de Miss Bala (2011), cinta dirigida por Gerardo Naranjo.

Miss Bala es una joven cuya habitación está decorada con afiches de Lupita Jones, tiene veintitrés años y desea representar a la belleza de Baja California en un certamen de belleza. El sueño lo comparte con su amiga Azucena Ramos, quien además busca conectes entre agentes policiacos para ganar el concurso que la llevaran hasta el VIP de un baile en la noche de Tijuana. Laura Guerrero –Miss Bala-  en una suerte de broma premonitoria, dice que el premio para la reina es cogerse a un vato rico; ahora sabemos que sus expectativas estaban elevadas, porque con una velocidad vertiginosa su historia se transformaría en un thriller confuso y angustiante. Cuando Miss Bala se topa con el líder de un grupo paramilitar en el baño del baile, y éste “simpatiza” con ella, inicia la caída libre en medio de un tiroteo.

Ficcionar cinematográficamente sobre la marginalidad, la Gran Ciudad, la corrupción y, ahora, el narco ha sido una constante en la producción mexicana de las últimas décadas. En la constante, es posible distinguir la tendencia a la caricatura y estereotipo por medio de la exageración, el sarcasmo, el ridículo y el doble sentido. En la galería mental del crimen, la violencia, el soborno, la política y la ilegalidad  que nos ha dado la industria, a partir del Nuevo Cine Mexicano, figuran siempre las películas de Luis Estrada; por lo que no me sorprende que la crítica esté intentando encontrar las diferencias profundas entre El Infierno y Miss Bala; sin embargo, aunque me parece válido y predecible que se haga ese análisis, creo que más que enormes diferencias encontraran buenas ausencias.

Miss Bala nos ahorra la mayor parte de la película los diálogos, siempre pobres, con los que las anteriores representaciones mexicanas de la realidad política y social nos someten; también evita –con un cuidado evidente- echarnos a la cara y al “sentimiento” a otro villano más para odiar y reír. No vemos a cuadro la simpatía del narco ni del corrupto, tampoco la sonrisa de Damián Alcázar llevándonos de la mano por la tragicomedia del melodrama de nuestro México. Tal vez, lo más obviamente satirizado sea el retrato del universo de los certámenes de belleza; la sonrisa, la apariencia, el proceso de preguntas-respuestas que tanto material han dado para ridiculizar a las mujeres que participan en ellos. Por lo demás, la historia misma da la impresión de estar desenfocada, de no tener tiempo para detenerse en ningún punto, de no querer estar, de no desear mostrar nada más que el miedo de su protagonista -que hará de estandarte de las víctimas de esta guerra-; entonces, Miss Bala vista desde el microscopio es la minúscula célula de algo enorme; es el especial de detrás de cámaras del crimen, construido siguiendo el rastro de una mujer por un par de días.

La película de Gerardo Naranjo no tropieza en algunos baches del cine mexicano, los rodea con gracia; aún así, no pierde el toque intelectualizado, de regodearse en querer ese cine para pensar, de buscar ese cine de reflexión tan reincidente los últimos veinte años. Lo apremiante del tema del miedo, de la inseguridad social; es decir, la actualidad tópica de Miss Bala, con suerte nos abrirá camino a otro tipo de representaciones –ojalá menos melodramáticas y más asertivas- y, con ello, a una mejor compresión de nuestra realidad.

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Acá el trailer. 

El documental que pretendía realizar el activista Timothy Treadwell, a propósito de las largas temporadas que durante trece años pasó en una reserva natural en Alaska, conviviendo con osos grizzly, dio origen a más de 100 horas de grabación; las cuales llegaron, finalmente, a las manos de Werner Herzog, quien en 2005 estrenaba exitosamente en el Festival de Sundance Grizzly Man. El material audiovisual que produjo Timothy Treadwell adquirió valor renovado luego de que en el año 2003 muriera trágicamente –en compañía de su novia-, justo como muchos y él mismo habían vaticinado, en las fauces de un oso grizzly.

Su actividad como ecologista fue siempre polémica y transgresora, por lo menos lo suficiente para convertirlo en una figura mediática. Sin embargo, no es el hábitat ni la naturaleza salvaje de los osos en sí misma lo que da cuerda a Herzog sino, tal vez, la intervención insistente de un antihéroe risible y tierno, de un protector autodestructivo, de un amante dolorosamente obsesionado con su objeto de deseo. Al ver el documental, es difícil deshacerse de la sensación de burla, de la posibilidad de que la aparición de Treadwell a cuadro sea parte de una broma de cámara escondida que les están jugando a los osos.

La premisa es el desequilibrio por intervención, Treadwell altera la dinámica entre el mundo animal y el humano en un afán puro por salvaguardarlo; y, por otra parte, Herzog conscientemente media entre los varios personajes de Treadwell; así, por medio de entrevistas a amigos recrea a un ser casi mítico, a un hombre que de a poco se metamorfoseaba

en oso; el testimonio de especialistas, médicos y socorristas que recuperaron lo que quedó de su cuerpo encuentran en la heroicidad nada más que necedad y locura. Las imágenes no niegan el vínculo misterioso entre Treadwell y los animales, pero como narrador Herzog –en voz en off- confiesa no haber encontrado ningún indicio de aquello mágico que éste cree percibir.

En un diálogo no presencial Herzog vislumbra también al Treadwell documentalista, al creador perfeccionista de planos, al director que repite una y otra vez escenas, al motivo detrás de la cámara. Confronta métodos, lo observa y lo encuentra profundamente bello, oscuro y valiente; le reconoce cualidades que ni el ser mítico ni el outsider contienen.

Grizzly Man es el método propio de Herzog, es su representación sobre la observación documental, sobre el proceso en la creación de un personaje pre edificado, de carne y hueso, casi real. Es el retrato de Timothy Treadwell; probablemente no el retrato que tenía en mente cuando despotricaba contra el sistema o cuando se confesaba frente a la cámara arreglándose el cabello; pero es un buen retrato y, sobre todo, es un excelente pretexto para reflexionar sobre el cine documental, sus métodos, sus valores etnográficos y artísticos estrechamente vinculados a la construcción de la realidad.

Así, les recomiendo ampliamente Grizzly Man, tanto como les recomiendo ignorar las imágenes de su autopsia o del supuesto audio que circula en Internet relativo al ataque del oso que lo mató; siempre que no sean fans del gore o de la revista Alarma, no es una experiencia agradable. Qué la disfruten.

en Twitter como ValaSailhin

Trailer acá:

El final de la saga de Harry Potter se acerca. Como algunos sabrán, Londrés y Nueva York ya han tenido la premiere de esta segunda parte, pero se acerca cada vez más rápido el turno para México. Este jueves 14 de julio tenemos el preestreno, y para muchos de nosotros que hemos seguido los libros y las películas tenemos grandes espectativas de este gran final.

Hace 3 años se publicó el libro y hemos tenido una larga espera, y todo parece indicar que valdrá la pena. 

En esta ocasión el director de arte Stuart Craig tuvo un gran reto, ya que en una escena presenciaremos la destrucción parcial del castillo de Hogwarts. J. K. Rowling y Stuart Craig han trabajado a la par en todos los diseños de los sets para las ocho películas de Harry Potter y esta vez no fue la excepción. 

Quiero mostrarles algunos diseños de interiores que se realizaron para los sets de esta película y algunos que se me han hecho excelentes en otras películas anteriores.

Siempre se han caracterizado por los detalles, sobre todo el toque medieval y gótico. Podemos verlos en los estilos de los arcos en terminación de punta, los muebles y los detalles de las patas. Los marcos para las forografías, lo alto de los techos y también esos colores que usan para dar un ambiente cálido.

Para las filmaciones se han apoyado en distintas locaciones del siglo XII, XIV y XV ; entre ellos está  La Catedral de Durham, El Castillo Alnwick , La Christ Church de Oxford, La catedral de Gloucester, etc.

Christ Church de Oxford

La Catedral de Durham

El Castillo Alnwick

Edificio en Londrés que seleccionaron para ser el Caldero Chorreante

Otros escenarios que me han encantado, que siento que lograron transmitirnos esa energía y magia de los libros han sido La Torre de Astronomía y las escaleras movibles que salen en la película de La Piedra Filosofal. Sobre todo la Torre de Astronomía ya que diseñaron muchos artefactos, muchos de ellos fueron basándose en máquinas de Leonardo Da Vinci.

  Planeación de la Torre de Astronomía

 Torre de Astronomía

Escaleras de la Torre de Astronomía – Catedral de St. Paul’s

Planeación de escaleras movibles.

Ilustración de escaleras movibles.

 Si quieren ver algunos otros más sets que se realizaron, visiten la página de la revista AD, ya que tuvieron acceso a algunas imágenes antes que nadie. O den click aquí y los lleva directo.  

Espero quedemos satisfechos con esta última película. Finalmente se que como siempre no le llegarán a la calidad de un libro, pero debemos aceptar que han llegado a existir muy buenas adaptaciones. Ya veremos qué tal y porfavor comparte tus comentarios, que este fenómeno ya está haciendo historia.

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^