El canal Encuentro de la televisión argentina dio inicio a principios de este año a la segunda temporada de Impreso en Argentina, serie de divulgación en la que, a partir de trece textos del siglo XX claves en su literatura, logran episodios divertidos para un primer acercamiento del lector/televidente a las obras. En cada capítulo, el ilustrador Juan Sáenz Valiente y el escritor Pedro Mairal interpretándose a sí mismos en la serie, harán de textos como El Aleph, de Jorge Luis Borges; Rayuela, de Julio Cortazar; o El Juguete Rabioso, de Roberto Arlt su  versión en historieta.

Expertos cada cual en su materia, como equipo, los personajes de Sáenz Valiente y Mairal recrean la ficción de un espacio de trabajo, en el que comparten sus lecturas personales en función de una buena interpretación de las obras. Secuencias completas son dirigidas a observar el proceso de ilustración, las formas con las que Saénz Valiente transforma letras en imágenes; por su parte, Mairal, encargado del prólogo de la versión en narrativa gráfica, deberá indagar sobre el contexto y autoría del objeto a ilustrar. En el argumento de ficción de Impreso en Argentina se mezclan recursos de producción documental; así, el escritor Pedro Mairal entrevista a especialistas en el autor, la obra, la época, etcétera, en busca de los elementos que le ayuden a escribir una invitación al texto.

La esencia de la lectura afecta el ambiente de cada episodio; está claro que la selección de planos y miradas desean introducir al televidente en la textura de la obra literaria. Un ejemplo evidente está en el episodio sobre la novela de Adolfo Bioy Casares, La Invención de Morel. Escrita en 1940, ésta obra inaugura oficialmente la tradición de la literatura fantástica en Argentina como un nuevo género. Relata el diario personal de un fugitivo escondido en una isla perdida; el cual, descubre la llegada de un grupo de turistas que parecen no notar su presencia y que reproducen día a día las mismas actividades, los mismos diálogos. El episodio de Impreso en Argentina apuesta acertadamente al recurso visual de la repetición como articulador de su argumento y como punto de fuga en el texto.

Con el mismo acierto son representadas las obras de Enero, de Sara Gallardo; Misteriosa Buenos Aires, de Manuel Mujica Lainez; Cuentos de Amor de Locura y de Muerte, de Horacio Quiroga; La Furia, de Silvina Ocampo; El Entenado, de Juan José Saer; Adán Buenosayres, de Leopoldo Marechal; Los Pichiciegos, de Rodolfo Fogwill; El Túnel, de Ernesto Sábato; y Boquitas Pintadas, de Manuel Puig.

Los enlaces a Impreso en Argentina se encuentran en el blog de Pedro Mairal, los capítulos están en Megavideo, aunque también es posible descargarlos desde taringa.net. Es curioso que la primera temporada –sobre literatura argentina del siglo XIX bajo la misma idea y formato- hasta ahora no esté en la red; sin embargo, la segunda temporada es digna de verse, así como los proyectos personales del ilustrador Juan Sáenz Valiente y el escritor Pedro Mairal.

En twitter como ValaSailhin

¿Qué tienen en común los logos de UPS, NEXT y ABC, además de tener nombres cortos y una excelente abstracción resultado del gran uso de la semiótica? Bueno, pues que las tres son marcas emblemáticas en la historia de cada uno de sus rubros, en parte gracias a la fuerza y pregnancia de sus identidades, pero tales creaciones e identificación popular no hubiera sido posible sin la mano de uno de los padres del diseño: Paul Rand.

Paul Rand es un nombre que a un muy reducido sector de la población le es familiar, pero seguro su trabajo es conocido por todo el mundo, las tres empresas antes mencionadas son solo una muestra de la gran cantidad de aportes que Rand hizo a la comunicación gráfica mundial.

Rand fue uno de los pioneros en cuanto a la práctica del Diseño Gráfico tal y como se ejecuta hoy en día, sentó bases metodológicas y prácticas de la comunicación visual desde muy temprana edad. A principios de los años 30′s del siglo pasado se obsesionó con publicaciones especializadas en gráfica, revistas alemanas, autores como László Moholy-Nagy, Wassily Kandinsky ó Paul Klee y la escuela de la Bauhaus fueron sus principales influencias. Años mas tarde, en 1938, cuando se convertía en director creativo de Squire-Coronet, en Nueva York, PM, la revista gráfica más importante de la época lo catalogaría como la mayor influencia en el diseño americano, con tan solo 24 años de edad. A partir de ahí, la carrera de Paul Rand siempre fue en ascenso, creando identidades emblemáticas, fomentando una conciencia y responsabilidad del diseño, resultado de siempre ser sincero, analítico, y ofrecer lo único que cualquier problemática representa: soluciones, no hay más. Resultado de esa filosofía Rand hace un extenso uso de la semiótica, elimina todo lo que no sirva de una idea y deja solamente los elementos efectivos, que en un nivel gráfico y por consiguiente de comunicación hablen por sí solos y resuelvan el problema que presentan.

Todos deberíamos de tener un poco de Paul Rand

Desde sus inicios profesionales, Paul Rand defendió su labor como todo un profesional de la gráfica, como lo que somos, como diseñadores, personas especializados en ofrecer soluciones de comunicación. Fue difícil para Rand tratar con la mayoría de clientes que no consideraban la efectividad de un diseño que pensado, analizado y metodológicamente ejecutado resultaría mil veces más efectivo que una simple ilustración realizada por un impresor, Rand siempre fue muy duro con su posición “nadie me va a tratar como un impresor de Pitkin Avenue“.

Este video en el que Steve Jobs habla sobre Paul Rand es genial, además de tratarse del diseño que hizo para NEXT a principios de los 90′s, deja ver mucho de la manera de ser y de trabajar del propio Rand.

Me encanta la parte en la que Jobs le pide propuestas de logo y Rand contesta: “No, yo te voy a traer una solución! Tu quieres una solución y yo te voy a dar lo que a mi parecer es lo más apropiado y por lo que me vas a pagar, si quieres más propuestas hay muchas más personas para que les encargues una diferente a cada una“.

Como pionero en las prácticas del diseño como tal, Rand incursionó en distintos sectores que requerían soluciones de comunicación: empaque, cartel, ilustración, industrial, diseño editorial y hasta libros de metodologías y de filosofía creativa se cuentan en el acervo de su obra. Son estas bases las que hacen que incluso algunas de sus creaciones que un par de décadas cumplirán 100 años, parecieran tan frescas y tan aterrizadas a las épocas actuales, su gran influencia en ilustración, estructuras, uso tipográfico y conceptualización de ideas lo llevaron a estar en la cima del diseño mundial hasta 1996, año en el que falleció justo después de un emblemático discurso en el MIT de donde rescato algunas de las preguntas que le realizaron:

P: ¿Qué es Diseño?

R: Diseño es un método por medio del cual se ponen juntas forma y contenido. Diseño, visto como arte tiene múltiples definiciones, no hay solo una. El Diseño puede ser arte. El Diseño puede ser antiestético. El diseño es muy simple, eso lo hace tan complicado.

P: ¿Cuál es la diferencia entre buen y mal diseño?

R: Un mal diseño es irrelevante. Es superficial, pretencioso… básicamente como todas las cosas que se ven hoy en día.

P: ¿Cuales son las habilidades fundamentales de un Diseñador?

R: La habilidad fundamental es el talento. El talento es una cualidad muy rara. Todo es intuición, y no puedes enseñar la intuición.

P: Muchos de sus diseños han durado décadas. ¿Cuál es el secreto?

R: Mantenerlo simple. Ser honesto, a lo que me refiero es, ser completamente objetivo con tu trabajo. Trabajar duro cada día.

Rand ha sido gran influencia para la mayoría de nosotros como diseñadores gráficos, una muestra de la gran influencia de ha tenido es Lance Wyman, famoso por haber diseñado la iconografía e identidad de las olimpiadas de México ’68. Wyman decidió estudiar diseño de identidad cuando conoció a un ex alumno de Rand especializado en esa práctica.

DESIGN IS SO SIMPLE, THAT’S WHY IT IS SO COMPLICATED – Paul Rand

Desconcertante e impresionante son las 2 palabras que tengo para describir las esculturas humanas de Ron Mueck. Conocidas como “hiperrealistas”, sus esculturas son muestra de perfección al mas mínimo detalle.

“Hiperrealismo de Alto Impacto” es el nombre de la exposición que se encuentra en estas fechas en el Museo de San Ildefonso en el Distrito Federal, y les dejo algunas fotos de mi visita, esperando que los motive a ir, ya que es una de esas exposiciones que, aunque parecen ser de lo más comerciales, no se pueden perder.

La exposición cuenta con aproximadamente 12 piezas, lo que me dejó esperando más, sin embargo bien vale la pena asistir. La visita cierra con dos videos que muestran el proceso, uno de ellos en una pieza masiva donde se aprecia el trabajo en equipo y la dirección del artista, y otro de una pieza de tamaño similar al real, donde el escultor Australiano nos platica el por que de esa pieza y el proceso y tiempo que toma hacerla.

La exposición cuenta con algunas piezas famosas y otras no tan conocidas pero de igual valor. Les comparto sólo algunas fotos, ya que siendo tan pocas considero mejor que asistan al museo a conocerlas. Les recomiendo llegar alrededor de las 10 de la mañana ya que mas tarde la cola para accesar es larga y se puede volver tediosa la espera.

La exposición estará hasta el 5 de febrero de 2012, con los siguientes horarios: martes de 10 am a 7:30 pm y de miércoles a domingo de 10 am a 5:30 pm, con un costo de 45 pesos.

Ron Mueck en Facebook: https://www.facebook.com/pages/Ron-Mueck/22193729909

San Ildefonso en la red http://www.sanildefonso.org.mx/ y en Facebook: https://www.facebook.com/pages/Antiguo-Colegio-de-San-Ildefonso/99315289541

Yo soy pixteca y los veo en twitter como @pixteca y como la mitad de @lenandpix, saludos!

Cuando llega el mes de Septiembre todo es adorno tricolor en las calles: verde, blanco y rojo; colores que nos identifican como mexicanos como una nación. Resaltamos lo bella que es nuestra cultura, los diferentes ecosistemas que tenemos.

En las grandes urbes como en el DF el color verde se pierde entre lo gris de los edificios, entre los anuncios que abarcan entre 2 y 3 metros, para anunciar una crema que te quita las arrugas. Ese verde que muestra vida pues simplemente se pierde.

Pero ha surgido un proyecto traído por Nissan junto con Verde Vertical para recobrar ese verde, la iniciativa se llama Jardines Verticales.

¿Qué son los Jardines Verticales?

Jardines Verticales es una iniciativa, es innovación que propone una nueva forma de cuidar el medio ambiente, mejorar nuestra vida y optimizar el paisaje urbano a través del revestimiento de naturaleza con la creación de superficies verticales.”

Este proyecto va de la mano junto con Verde Vertical, el cual fue fundado en 2007 por Fernando Ortiz Monasterio Garza.

VERDEVERTICAL es un taller mexicano especializado en la experimentación, el diseño y la construcción de jardines verticales.”

VERDEVERTICAL propone mejorar el medio ambiente, la calidad de vida y el paisaje urbano, a través del revestimiento de naturaleza en las superficies verticales construidas. Así, tiene como visión lograr una convivencia vanguardista de los procesos urbanos con la naturaleza.”

Nissan y Verde Vertical con la intención de un México mas verde, nos trae la iniciativa Jardines Verticales. Pero ellos solos no pueden, necesitan de nuestro apoyo para que esta iniciativa se haga realidad, por eso los invito a que entren a la pagina de Jardines Verticales para que vean lo que esta iniciativa ofrece y como nosotros podemos ayudar.

También pueden entrar a la pagina de Verde Vertical para ver como desarrollan sus ideas y conceptos en cuanto a los Jardines Verticales.

Si queremos un México verde y con mucha vida, no dudemos en ayudar a nuestros compatriotas a lograrlo y recuerden: “La unión hace la fuerza”.

Que tengan un excelente fin de semana y ya saben, si quieren saber en que ando me pueden encontrar en twitter como @adrixzlo =^_^=

 
¿Hasta dónde puede llegar el ingenio y creatividad de las personas? ¿Cuántas horas tomara resolver un reto que parece casi imposible?  ¿Quiénes son esas personas elegidas para resolver ese reto? Todas estas preguntas y mas, se pueden ir contestando en el primer reality web que Lenovo a creado.

Este reality se estrenó el 23 de agosto y consta de 5 retos, que van desde hacer un skype con Messi hasta hacer un auto con cosas de un supermercado. El equipo de Los Doers esta conformado por 4 chavos latinoamericanos: Sebastián Benítez  (México) – Diseñador Industrial, Nicolás Plager (Argentina) – Programador, Ann Marie Chantal (Colombia) – Coolhunter y José Romero “Mox” (Perú) – Social Media Expert. El equipo solo cuenta con 72 horas para cumplir los retos y conforme el tiempo se acaba, la adrenalina se intensifica y los nervios están al limite por ver que el reto sea superado. Cada martes se estrena un capítulo nuevo.

 
Los invito a que vean el trailer y los primeros 3 capítulos:

 
Capítulo 1: La Próxima Ola

 
Capítulo 2: Inspiración sobre Ruedas

 
Capítulo 3: Por un Skype con Messi – Parte I

Asi que ya saben no se pierdan el próximo martes 13 de septiembre el descenlace del capítulo 3: Por un Skype con Messi.

Para seguir y ver lo que Los Doers andan haciendo pueden checarlo en: www.losdoers.tv.

Y ya saben me pueden encontrar en twitter como @adrixzlo =^_^=

Nos da mucho gusto invitarlos al Tercer Festival de arte y Diseño independiente, organizado por el Proyecto Cultural Incubus Visual, que reúne creativas propuestas de diseño, arte y moda de más de 50 talentosos mexicanos.

Se llevará a cabo los días 9,10 y 11 de septiembre en las instalaciones del Casino Metropolitano en Tacuba #15, col centro con un horario de 12:00 a 21:00 hrs

En esta ocasión el Festival reúne diversas propuestas artísticas alusivas al mes patrio desde una mirada reflexiva titulada IDENTIDADES Y COMPLEJIDADES MEXICANAS, entre las actividades del evento destaca la exposición fotográfica Ojos que ven corazón que siente, la obra de teatro Tepozcatl hijo del dios viento y la presencia del grupo musical Le diference, también contaremos con intervenciones artísticas y performance.

El evento es gratuito y dirigido a todo público, a continuación la agenda:

Horarios

Viernes

12:00 – 21:00 hrs Bazar venta de marcas independientes, ropa, accesorios, diseño de interiores, revistas y disqueras independientes

Inauguración de exposición fotográfica Ojos que ven corazón que siente

Sábado

17:00 hrs Performance Vida eterna del artista multidisciplinario Gustavo García

19:00 hrs obra de teatro Tepozcatl hijo del dios viento, por Waldo Facco

20:30 Presentación y firma de autógrafos de Le diference

Domingo

13:00 Intervención plástica del artista urbano Dronz

17:00 Premiación de la exposición fotográfica Ojos que ven corazón que siente

¡Estaremos tuiteando desde el Festival este fin de semana, asistan!

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La semana pasada se llevó acabo por cuarta vez el evento de Siguiente Escena, Festival Internacional Alternativo de Artes Escénicas Querétaro 2011.

Fue un evento lleno de matices distintos a lo que ya conocemos; como indica su nombre, el Arte Alternativo es toda aquella expresión que rompe con esas barreras de lo que ya conocemos. Nos ofrecen un estilo ecléctico y algunas veces nuevas formas de arte.

El evento se llevó a cabo del Lunes 15 de agosto a este domingo pasado 21 de agosto y todos los días podíamos encontrarnos con distintas propuestas, distintos artistas, ritmos y vertientes. Pudimos ver circo, danza, teatro, música y algunos cursos que apoyaron con el desarrollo de los que se dedican a esto, ya que siempre la diversidad y el intercambio cultural es enriquecedora. Tuve la oportunidad de ir diario; creo que solo me faltó ver dos eventos, pues se intercalaban con otros que quise ver, pero puedo decir que este año estuvo increíble, se notó la preparación de los artistas invitados, y todo el empeño y corazón que le pusieron a cada una de sus presentaciones. Pueden echarle un ojo al Flickr de César Fandiño , él pudo captar mucho de la escencia de este Festival.

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(Escena de ARTillerie, Danza Contemporánea Suiza)  Fotografía de César Fandiño

Con todo este evento también se inaguró una exposición fotográfica en la Galería Libertad que se encuentra en el centro de la Ciudad de Querétaro; y de esto precisamente quiero compartirles en esta entrada.

Damián Siqueiros es un artista mexicano, dedicado a la fotografía. Su preparación ha sido diversa, desde Licenciatura de Artes de la Universidad de Monterrey, hasta su maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos y realizó una estancia en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París.

Siento que lo que hace que su fotografía sea distinta y que sea una propuesta compuesta es la combinación de todos sus conocimientos en diseño de vestuario, escenografía, dirección escénica, iluminación y maquillaje. Llega a captar movimientos y poses llenos de sentimientos y libertad. Lo que más me gusta son los escenarios y los contrastes de colores sólidos que hace en cada toma. Están llenos de fuerza y eso me encanta. Las series que ha presentado en distintos países han sido un “Life as a Performance” y por ello los podemos ver suspendidos mientras danzan frente a su cámara.

En la exposición que tuvimos oportunidad de ver, nos presenta su trabajo llamado “La travesía de las Flores” , donde vemos a mujeres que vivieron rechazos o que fueron juzgadas por distintas circunstancias.

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Mi favorito fue el que representa a Lilith, en lo particular siempre me ha parecido interesante este mito. La Biblia Cristiana no comenta nada de ella, y en el libro de Isaías solo se encuentra una breve mención. Lilith , es la llamada primera pareja de Adán, como persona independiente, en contraste con Eva que fue tomada de una costilla de Adán.

En la exposición esto comentaron de ella: “El símbolo parecería una especie de estigma en algunos casos como el de Lilith, condenada a representar a la femme fatale; la encarnación de la lujuria, que provoca el descarrío de los hombres en vez de la mujer que rechaza el sometimiento y lucha y obtiene su libertad”

Si quieren saber más de él , visiten la página oficial de Damián Siqueiros.

Que tengan un buen inicio de semana !!!!

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

La semana pasada fue el turno de Cesar Nandez de participar y exponer en el Taller en Vida de 75°, del maestro Arturo Negrete, para el cual preparó éste cartel, el cual requirió de 8 tintas. El Taller en Vida es una excelente oportunidad para acercar a la gente al arte-oficio de la serigrafía. En el taller, se imprimen las obras de los artistas y los asistentes tienen la oportunidad de platicar con ellos, apreciar como se realizan los carteles e inclusive todo el que quiera, puede participar en la impresión, tomando el rasero e imprimiendo una de las tintas del cartel, todo con el apoyo de los colaboradores del Taller 75°.

Platicamos con Cesar Nandez sobre su participación en el Taller:

¿De que manera es que llegas a imprimir el cartel en el Taller en Vida del Taller 75 grados?
Me acerque al taller 75º del maestro Negrete porque vi a grandes exponentes de la gráfica mexicana contemporánea participar en este espacio, le envié un correo al maestro explicándole mi intención de participar y mi primer acercamiento en forma fue como conferencista en el dia del diseñador que organizo el buen amigo mecate en ese mismo espacio. Ahí descubrí que es un foro perfecto para convivir con camaradas y amigos del diseño. y empezamos a platicar sobre cuando y como seria mi taller en vida.

Muchos de los asistentes se acercan para participar en la impresión de los carteles, los cuales al final del taller, se ponen a la venta ya que se hayan secado las tintas.

Cesar preparó con anticipación su cartel, desde el diseño, hasta la separación de las tintas. En el taller se imprimen las primeras tintas uno o dos días antes, para que se pueda terminar el cartel el día del evento y se lo puedan llevar los asistentes.

Se exhibieron también algunos trabajos de Edgar, entre ellos las botellas que hizo para Coca-Cola para celebrar el Bicentenario.

Cesar también participó en la impresión de su cartel. Terminado el taller le preguntamos:

¿Cual fue tu impresión del Taller en Vida en que participaste, cumplió tus expectativas, y con que cosas positivas te quedas del taller?
Aprendí que la serigrafia enriquece mucho a la obra digital sobre todo cuando esta empieza en la punta de un bolígrafo, ya que le da un toque artesanal.

Claro que cumplió con las expectativas ya que me permitió conocer y convivir con personas con las que de otra manera jamas habría cruzado palabras,  y finalmente creo que taller en vida se vuelve un punto de encuentro con la tradición gráfica de este país e impulsa a talentos jóvenes a intentar formar un nuevo movimiento gráfico mexicano.

Parte de la filosofía del Taller en Vida de 75°, del maestro Arturo Negrete, es que todos debemos tener contacto con las obras, con el oficio y no tener miedo de ensuciarnos en el proceso.

Para enriquecer más este fotoreportaje, checa el proceso del diseño del cartel en el album del facebook de Cesar Nandez, en cada foto nos comenta sobre cada paso.

Todas las fotos tienen licencia Creative Commons y pueden verse acá. Yo soy Pixteca y puedes seguirme en twitter como @pixteca o como la mitad de @lenandpix. ¡Gracias!

La trayectoria literaria de Cecilia Galli, en los últimos dos años, ha despegado imparable. Aquellos que la conocimos con las crónicas, cuentos y poemas posteados en su blog, chicamigraña¡, chicamigraña¡  sabemos que la personalidad de esta escritora porteña es profunda, avasallante y, a la vez, divertida y fresca.

Luego de la publicación de sus dos primeros libros karaoke kiss (2010, Textos de Cartón) y Superherores (2010, Cara de Cuis editora), Cecilia Galli se aventuró en la escritura de su primera novela, La Isla. Su protagonista Rita Scoleri, inmersa en reflexiones caóticas, se sitúa en una Buenos Aires a punto de concluir el milenio. Rita reconoce la posibilidad del borrón y cuenta nueva pero también sabe de la inminencia de escribir una y otra vez la misma historia sobre cualquier pizarra en blanco.

Tal como lo escribe el poeta dominicano Frank Baez en la presentación de la novela para la revista mexicana Cuadrivio, a Rita “La vemos deambular por la noche porteña entre neuróticos, quienes, iguales a zombis, la persiguen, la cercan e intentan comerle el cerebro para convertirla en una de ellos. Pero Rita, envalentonada, sigue buscando. Lo único que teme es al futuro, a la llegada del nuevo milenio, cuando supuestamente el Y2K lo destruiría todo y ella se quedaría sola por siempre. Llega el milenio, y aunque no destruye nada, sin embargo sí trae un renacer, un nuevo orden en su vida.”

La Isla no es solamente una obra literaria altamente recomendable, también representa la oportunidad para adentrarnos en el universo de la creación, edición y distribución de obras digitales; así como la discusión en torno a las industria de la producción cultural, sus abusos y, ahora desusos, de las nuevas tecnologías. Así, La Isla, -cuyos primeros dos capítulos se encuentran publicados (en línea, gratuitamente) en el más reciente número de Cuadrivio-, está inscrita en el catálogo de Biblits, una librería digital dedicada a la venta y distribución de libros independientes en hispanoamérica.

En entrevista con Cecilia Galli, co-editora de la revista Ensō y parte del staff de la revista Hermano Cerdo, a propósito de su novela La Isla, a la venta desde hace un par de semanas, nos hablar sobre su experiencia en los procesos creativos análogos y digitales, la escritura en blog, así como la autogestión mediática en internet. Finalmente, los invito a pasar por Bilbits y comenzar a leer La Isla cuanto antes.

(En Twitter como ValaSailhin)

Entrevista.

chicamigraña¡, chicamigraña¡  La escritura literaria en blog.

C.Galli. Para mí el empezar a publicar en un blog fue satisfacer una necesidad muy puntual: había dejado de escribir textos literarios hacía diez años (durante los cuales me dediqué a escribir textos periodísticos únicamente) y un día se me vino una frase a la cabeza: “Salieron del café de toldos verdes y plantas de plástico. Hacía frío y estaban abrazados, pegados, apretados”. Intenté ignorarla, pero la frase seguía aplastándose contra mi frente desde adentro. Como un mantra que no podría despegarme de los dedos. La frase me atacaba en medio de la noche y después de una semana supe que tendría que escribirla, empezar a tironear de ella y ver qué salía detrás. Junto con la urgencia de escribir esa historia, sentí la necesidad de publicarla. Y el blog fue la herramienta instantánea que necesitaba. Si lo leía alguien o no, ya no dependía de mí. Yo tenía que sacarme todas las historias que tenía adentro.

La transformación de la escritura análoga.

C.Galli. Recomencé a escribir directamente en el blog. Si bien había escrito durante toda mi vida, la década de no-escritura fue un silencio y maceración de ideas importante, por lo que fue como si mi primera experiencia literaria fuera en un blog. Me sirvió para escribir mucho: había gente que entraba a diario y me propuse postear algo cada día. Lo que no fue difícil, ya que una vez abierta la represa fue imposible contener el caudal de cosas que salían a través de mi teclado.

Procesos creativos digitales. La escritura 2.0

C.Galli. Creo que desarrollar el proceso creativo con las herramientas y posibilidades de internet fue la mejor de las experiencias. Gracias a internet pude ponerme en contacto con escritores a los que admiro, conocerlos, compartir conversaciones y empezar a meterme en redes en las que ni había soñado estar. También conocí a Andrés Nieva, editor de Textos de Cartón, que publicó mis dos libros. Él vive en Córdoba (a 700 kilómetros de Buenos Aires, mi ciudad), y recién nos conocimos en persona después de que él hubiera publicado el segundo libro. Algo muy raro para mí, y que tiene que ver con esto, es que mis textos han aparecido en varias revistas mexicanas (Cuadrivio, Punto en Línea, Valderrama y Hermano Cerdo) pero en ninguna argentina. Otro punto importante es la llegada que internet te da a los lectores, a través de blogs, redes sociales, revistas digitales. Compartir es muy fácil: todo está siempre ahí para quien quiera encontrarlo.

La Isla. Literatura en digital

C.Galli. Tenía una novela terminada y no sabía qué hacer con ella. Lo lógico era enviarla a concursos o presentarla en editoriales. Pero sentía que no tenía la energía ni la paciencia para hacerlo. Que eso es sembrar a largo plazo y yo buscaba algo instantáneo: sacármela de encima. Soltarla y que volara sola, o se estrellara. Otra vez, como con los lectores del blog, eso ya no dependía de mí. Pienso que los textos son energía, que pongo muchísimo de mí en ellos, y que si no los publico, si no los muevo, la energía se estanca y se pudre, y mi producción baja.

Entonces decidí publicar mi novela online. Pero tenía el problema de la difusión: si era yo la única persona que la mostraba, no iba a llegar mucha gente a ella. Armé un plan de acción: contacté a Raúl Bravo Aduna, editor de Cuadrivio que ya había publicado un cuento mío. Le ofrecí los primeros capítulos con una reseña, y aceptó. Le pedimos a Frank Báez que escribiera la reseña introductoria, y también aceptó. Al mismo tiempo me contacté con la librería virtual Biblits, y acordamos que venderían la novela.

La difusión sigue siendo “a pulmón”, pero se siente muy bien tener compañeros en la trinchera. Si bien los libros de papel son un objeto de deseo, hay muchísimos lectores en internet, y mi objetivo es mostrar lo que hago, y seguir haciendo más cosas.

 El diseño editorial digital

C.Galli. Internet también me facilitó las cosas en cuanto al diseño: la tapa es obra del diseñador y fotógrafo Pablo Giménez Zapiola con quien colaboro en algunos proyectos. Pablo es argentino pero está radicado en Houston. A pesar de la distancia, y gracias a que nos conocemos bien por el trabajo compartido, diseñó una tapa en tiempo récord. La gente de Biblits, que está en México, diseñó el interior y digitalizó la novela.

Un japonés muy POP, así es como definiría a este fantástico artista asiático egresado de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio.

En los años 90´s se introduce al arte contemporáneo y es aquí cuando incrementa su fama debido al  lenguaje pictórico, recurre a motivos ligados a la cultura popular, el anime y el manga como corrientes originarias de su país.

La gran manipulación de diferentes formas artísticas que van desde la pintura, escultura y el diseño industrial hacen de el un artista multifacético.

Ha tenido colaboraciones con: Kanye West, Louis Vuitton, Casio G-Shock y Supreme Skate Decks y sus exposiciones en recintos como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres, hacen de el uno de los artistas más influyentes de los últimos tiempos.

Y como un dato interesante Mr. DOB es su alter ego el cual esta inspirado en “doraemon” y en “Sonic”

Algunas muestras de su trabajo: