Un diseñador emplea sus habilidades para comunicar, convencer, construir, expresar, pero qué  más hace?…

Bueno, un diseñador conecta con una idea, la materializa pero además la experimenta.

Un diseñador sabe observar, esta atento a su entorno, escucha a diferencia de oír.

Un diseñador trata con un cliente (o jefe), en algunos casos con el usuario. Se pone en sus zapatos, muchas veces es impredecible, otras se comprende fácil porque se genera confianza.

Un diseñador generalmente se desvela, ocasionalmente descansa, pero siempre mantiene sus ideas haciendo eco en todo lo que hace.

Un diseñador va al super, busca marcas, se vuelve usuario, se vuelve consumidor.

Un diseñador se inspira oyendo música, a veces leyendo, escribiendo o jugando video juegos. Es un buscador incansable de imágenes, a veces las fotografía, a veces las dibuja.

Un diseñador busca servir, aunque tristemente un día puede que descubra que le robaron su trabajo, sin embargo eso no lo detiene, le da fuerza, organiza y gestiona mejor sus recursos.

Un diseñador en ocasiones recibe mucho reconocimiento por su trabajo, se vuelve famoso y/o ególatra, pero muchas veces vive en su realidad y sabe que a su trabajo le falta “algo”, siempre busca mejorar.

Un diseñador aprende a trabajar en equipo, aunque también le gusta trabajar solo, busca su propio espacio.

Un diseñador proyecta, se fija metas, acciona, busca consejos… es un suertudo si tiene una guía, un maestro a quién preguntar.

Un diseñador dialoga con otros diseñadores, socializa, aprende del trabajo de otros, se retroalimenta.

Un diseñador comparte, trata de ayudar a otros colegas. A veces participa en causas sociales, mantiene la iniciativa.

Un diseñador busca empatía, pues no debe ser inflexible. Al final, un diseñador  adopta un estilo de vida, pero sobre todo se apasiona por lo que hace.

Me despido bandita, qué más hace un diseñador? soy Erika y ustedes me inspiran, Si navegan por TwitterLand me encuentran como @dgraphicstyle, será un gusto leerlos, nos vemos la próxima.

Raúl Treviño es uno de los artistas gráficos  más destacados de México que ha estado por más de 10 años dentro de la industria del cómic y la ilustración; Nació en Monterrey  en 1977.

Es escritor e ilustrador, su estilo es una combinación de caricatura, manga y occidental, que logra diferenciarlo rápidamente del resto de los ilustradores.

La oportunidad que le abrió las puertas  fue en el año del 2003 con el Primer Concurso Internacional de Norma Editorial  (España) “El Mar y yo” entre más de 500 artistas a nivel internacional, ganó con su historia y comenzó su carrera dentro del mundo del cómic y la ilustración.

En el 2004 publicó su primera obra de autor que escribió e ilustró llamada “La Danza de la Conquista” que es una trilogía de género de aventuras y acción inspirada en la época prehispánica, una nueva y original serie que nos traslada a la América Central del siglo XV, y nos sumerge en una historia que combina hechos históricos de la mitología maya con elementos fantásticos.

Ha trabajado en Marvel Comics DC y Dark Horse como colorista e ilustrador, también participó  coloreando  la guía de estilos de la película “Linterna Verde”, en la división de productos y licencias de DC Cómics.

Ha colaborado con importantes empresas  internacionales como EA Entertainment, Les Humanoïndes Associés, Glénat y Norma Editorial.

Dentro de sus influencias menciona a Inoue Takehiko, Kenichi Sonoda, Jamie Hewlett, Tatsuyuki Tanaka, entre otros.

Actualmente es escritor e ilustrador de su webcómic llamado “Nómadas del Yermo” una historia  situada en un mundo post-apocalíptico devastado y lleno de  peligro, desde mutantes, bandas hot-rod, peligros radiactivos, modismos mexicanos , esta historia esta llena acción, aventura y comedia.

En este momento esta solicitando el apoyo para recaudar fondos para colorear 250 páginas de su webcómic “Nómadas del Yermo” y tratar de colocarlo en alguna editorial, por medio de una página http://es.ulule.com/les-arsouilles/ que apoya su proyecto.

Lo que más apreció de la obra de Raúl Treviño es su versatilidad ya que aunque siempre aporta algún elemento mexicano a sus historias no se limita y recupera influencias de otros géneros, logrando un estilo único.

Además de ser ilustrador, Raúl Treviño también es vlogger y tiene un canal en youtube donde comparte sus experiencias y como es la vida cotidiana en Japón ya que actualmente reside allá.

Si quieres conocer más de su trabajo visita sus sites.

Youtube: http://www.youtube.com/user/rulotrevino

Twitter: http://www.twitter.com/raul_trevino/

Webcómic: http://www.coolchickens.com/es/

Deviantart: http://raultrevino.deviantart.com

Sitio Web Personal: http://www.trevinoart.com/

Soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

Próximamente se llevará acabo la Exposición Individual en Casa Hilvana de LOPEX, un artista al cual hay que seguirle la pista, en el blog les estaremos informando sobre Medium Deliria, muy pronto.

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Jericó Santander es un artista gráfico surrealista que nace en 1985, en Islas Canarias, España.  En su sitio web nos cuenta que su pasión por el arte comienza cuando él era todavía un niño.

Siempre con su cabeza en las nubes en la escuela, él solía dibujar en sus libros en vez de prestar atención a sus profesores. Gracias a su primo, descubrió la computadora y el Internet. Unos años más tarde, él consiguió su primera computadora y comenzó a trabajar sobre diseños gráficos y sitios web solamente por diversión. En el 2005 terminó la carrera en artes y decidió mudarse a Madrid.

Durante sus dos años en Madrid, él estudió en una academia de ilustración trabajando como diseñador gráfico a tiempo completo en una agencia pequeña pero simpática. En estos dos años, lejos de su pequeña isla él sobre todo ha estado experimentando con el arte digital.

Jericó tiene peculiares visiones sobre la unión de las ideas surrealistas y con las ejecuciones digitales ayudaron a dar una gran dosis de color y vida. La primera vez que se adentró en el mundo del arte digital fue hace unos cuatro años y gracias a Internet, descubrió comunidades como Deviantart y Depthcore.

En muy poco tiempo la razón de la creación de estas imágenes ha cambiado de ser sólo un hobby, su pasión es ahora también su carrera. Jericó se encuentra trabajando independientemente en Salamanca, España para agencias como Vitroroberston, Buck y Brand New School.

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Muy creativo el trabajo de Jerico Santander, tal vez te quedaste con ganas de ver mas ilustraciones y con gusto te comparto como siempre los enlaces:

Sitio web

Behance 

Su blogger de confianza, dudas y aclaraciones me encuentran en Twitter como @Hosber_

Con once nominaciones al Oscar, La invención de Hugo es la gran favorita para llevarse la noche de premiación. Pese a que no entiendo del todo cuál es el sistema de elección o los parámetros que atienden los jueces, no encuentro cómo podrían no ahogar en aplausos a Martin Scorsese aunque sea un ratito. Sin duda es cierto que la experiencia en formato 3D magnifica la videncia, aunque Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton nos mostró ya que la combinación del 3D en un relato fantástico y un director consagrado no es garantía de calidad ni de éxito, que se necesita algo más.

Por su parte, La invención de Hugo, basada en el libro homónimo de Brian Selznick, es una bellísima historia infantil de aventuras, en la que la misión es resolver un misterio y meterse en líos en el camino. Suena común, ¿no?, sin embargo la película de Scorsese se va convirtiendo en un festín cuando aparece a cuadro el esqueleto metálico de un autómata descompuesto al lado de Hugo Cabret y su padre, un experto relojero que deseará conocer su funcionamiento secreto y repararlo. La figura del autómata recuerda a las máquinas creadas en el siglo XVIII por Pierre Jaquet-Droz y, casi en silencio, hace hincapié sobre la fascinación que estos artilugios han provocado por la facultad para cuestionar la naturaleza animada y los límites del hombre para intervenir en la creación y reproducción de la vida.

Así, Hugo sabe que la maquinaria averiada del autómata guarda un secreto, como una caja de música que se niega a revelar el origen de sus notas porque le gusta creer que es un milagro; por ello, Hugo quedará encantado por el engranaje que observa día a día y no podrá escapar de la obsesión y delirio que los autómatas siempre han incitado en los espíritus creadores, en aquellos que también, a finales del siglo XIX, sentaron las bases para la aparición del espectáculo de los sueño: el cine.

Aquí el festín de Scorsese traslapa la atención del universo del autómata a la vida y obra de un pionero en la magia cinematográfica, el abuelo George Melies. La crítica ha señalado las imprecisiones históricas respecto a la biografía de Melies, exigiendo a su director que si la película se ideó como una clase de cine ésta, finalmente, fuera impecable. Afortunadamente tenemos wikipedia y enciclopedias de cine a nuestra disposición para cultivarnos el conocimiento con fechas exactas y acontecimiento comprobados; pero, ¿realmente es importantísimo para la película tener una imagen “verdadera” de uno de los más grandes ilusionistas y constructores de juguetes?

En lo personal, en todas las referencias a George Melies siempre me resulta natural que la imagen de la luna con un cohete en el ojo derecho aparezca como foto biográfica. Eso me parece que es una imprecisión histórica pero ilustra fidedignamente a George Melies. En conjunto, La invención de Hugo vale la entrada al cine para verla en 3D, aunque si prefieren estar en la comodidad de su hogar les deseo suerte con la descarga que al parecer está complicada. No estaría de más que si alguno tiene éxito en su búsqueda tenga la cordialidad de compartir el link, recordemos que son tiempos difíciles en Internet y que los sobrellevaremos compartiendo.

En twitter como ValaSailhin

Acá el trailer

Famosa por su estilo kawaii, por customizar, playeras, prints, portadas de discos de vinil, audífonos, armazones de lentes, etc… sus herramientas los plumones, acrílicos eso es Bobsmade una chica alemana que incursiona en el ambiente del diseño grafico, en particular su trabajo se basa en ilustración, con una facilidad de poder personalizar (en 7 horas) unos tenis entre muchas cosas mas; ¡Increíble! ¿no?, podemos observar en su trabajo una amplia gama de colores pastel, limón, magenta, amarillo, negro, azules por mencionar algunos.

Denotando alegría en todos sus aspectos de composición, Bobsmade busca encontrar una inspiración, una apariencia orgánica y un diseño magnifico, ya que todo es realizado con sus propias manos; por consiguiente, adquirir una pieza de esta famosa ilustradora sabrás que no volverás a ver por ahí caminando, a la venta o en alguna tienda; ¡Maravilloso! ¿Cierto?. Otra de las cosas interesantes es que transforma tus ideas, lo que te gusta, lo que piensas con solo decirle que tienes en mente, lo lleva y lo plasma en toda esa variedad de artículos cotidianos.

Grande admirador y fan de su trabajo de hace un rato… les dejo unos links donde pueden checar mas a detalle todo lo que crea y transforma esta talentosa artista www.bobsmade.com y su facebook http://www.facebook.com/Bobsmade?sk=info . Se despide de ustedes @mabher en twitter donde me pueden encontrar para cualquier duda, comentario o sugerencia.

A finales del año pasado en la Galería Libertad en Querétaro, se presentó una exposición que se llamaba Rizoma. Fue de esas exposiciones que son diferentes a cualquier otra. De momento que entrabas se sentía una frescura, como si en el ambiente hubiera vida; también el olor cambiaba, haciéndonos pensar que entrábamos a un espacio libre con vegetación.

Inmediatamente lo que salta a la vista es lo verde de lo expuesto, la VIDA que proyecta. Son plantas que nacen de esos objetos que muchas veces se vuelven basura. Raúl Resendiz, el creador de esta idea, siento que nos quiso expresar la preocupación del urbanismo, donde todo se ha vuelto gris, frio y sin vida y sobre todo la inquietud de la reutilización.

Día a día se vuelve más preocupante el problema de basura en las grandes ciudades. Un gran ejemplo es lo que vivó la Ciudad de México a finales de año, cuando la basura la veias en la calle , pues ya no hay donde ponerla.

En esta exposición vemos una opción muy buena de como reutilizar algunas cosas que deshechamos y volverlos un hogar de vida, usando en conjunto elementos biodegradables. También siento que el resultado fue combinar esos dos mundos, el de la naturaleza, y el de la industria; que ninguno de ellos esté peleado uno con el otro.

Todo esto se vuelve un arte de cambios constantes donde podemos verlo transformándose conforme vayan creciendo las plantas. Me gustó mucho.

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

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Hoy quiero presentar a una verdadera maestra del arte, la primera vez que pude apreciar su trabajo fue en una revista Vogue cuando iba apenas en primaria, desde ese momento quede enamorado de su trabajo, el trabajo de Beatriz Ferreira Milhazes.

Río de Janeiro, la vio nacer en 1961, es pintora, grabadora, ilustradora y profesora. Se inicia en las artes plásticas en 1980, cuando ingresa en la escuela de Artes Visuales del Parque Lage, donde después imparte clases y coordina actividades culturales.

Además de la pintura, se dedica también al grabado y a la ilustración. Desde 1995 hasta 1996 cursa grabado en metal y al linóleo en el taller 78, con Solange Oliveira y Valério Rodrigues.

En 1997 ilustra el libro As Mil e Uma Noites à Luz do Dia: Sherazade Conta Histórias Árabes (Las Mil y Una Noches a la Luz del Día: Sherazade Cuenta Historias Árabes), de Katia Canton.

Beatriz Milhazes trabaja en el más puro estilo estético de los patrones y el movimiento de la decoración. Influenciada por su tierra natal de Brasil, su uso vibrante y audaz del color y los patrones de crear una obra que es de lo más divertido, libre y psicodélica, ya que es geométrico, organizado y rítmico.

El patrón y el movimiento de la decoración no era originalmente popular en el mundo del arte, debido a los movimientos de la falta de declaraciones políticas y posiciones, “el arte por el arte” “Aunque lúdica e innovadora, especialmente en el uso de materiales, diseño y decoración que no lograron un gran impacto en el mundo del arte.

Su arte fue despedido como frívolo, con su  obra de un carácter meramente decorativo y por lo tanto no merecía una atención y seria crítica. Lo que antes no se consideraba ahora vale la pena hablar ya que ha ganado visibilidad global desde sus inicios en los años 70 y 80.

Milhazes  Participa en las exposiciones de la Generación 80 un grupo de artistas que busca reanudar la pintura en contraposición a la vertiente conceptual de los años 1970 y tiene como característica la investigación de nuevas técnicas y materiales.

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La obra de Beatriz Milhazes hace referencias al barroco, a los trabajos de Tarsila do Amaral (1886-1973) y de Burle Marx (1909-1994), a estándares ornamentales y al art deco. Entre 1997 y 1998 es artista visitante en algunas universidades de los Estados Unidos. A partir de la década de 1990 destaca en exposiciones internacionales en los Estados Unidos y Europa, y sus obras integran fondos de museos como el Museum of Modern Art – MoMA, Solomon R. Guggenheim Museum y The Metropolitan Museum of Art, en Nueva York.

Inspiraciones:

Muchas de estas explosiones de color se originan en su estudio pequeño y compacto, donde se ha basado desde 1987. Está situado justo al lado de frondosos jardines de Río botánicos e inevitablemente, las formas y los patrones de las flores  remolinos delicados y las formas como hojas  han encontrado su manera en sus pinturas.

También ha “tomado ventaja de la atmósfera de la ciudad”, con su rica mezcla urbana incorporando chitão (la tela barata, Brasil colores), joyas, bordados y arte popular.

Su inspiración pictórica viene del siglo XVII del artista holandés Albert Eckhout, que viajó por el Brasil colonial, y la brasileña Tarsila do Amaral, así como Mondrian, Matisse y Bridget Riley.

Proceso Creativo:

La evidencia de sus términos de referencia se puede encontrar pegados en las paredes de su estudio,  fragmentos de revistas, tarjetas postales y las piezas de ropa, así como algunos de sus propios dibujos. Ella comienza con una idea de los colores y las imágenes, pero “no hay nada claro hasta el final”. Y quizás sorprendentemente Milhazes es muy disciplinada en su rutina creativa.

El movimiento de la decoración y el patrón no está completamente separada de la sociedad y el mundo que lo rodea. Siento que el arte y los artistas implicados, tienen una postura muy positiva que no habla de la política creada y lemas de la mente, sino desde el amor y el aprecio por la belleza que nos rodea. Y esta filosofía de centrarse más en los placeres de la vida, en lugar de sus dificultades, es muy evidente en las formas, colores y diseños de cada una de las piezas Milhazes.

Milhazes embellece superficies brillantes con dibujos de formas aún más florales, aquí la mayoría de corte de piezas brillantes de papel holográfico. Mientras que algunos espectadores pueden palidecer ante la sobrecarga sensorial, y prefieren la relativa austeridad de un clásico collage cubista, por mi parte, aprecio indulgencia decorativos de Milhazes. Al igual que las flores y los chocolates que en parte les inspiran, sus obras siguen siendo fuente de placer sin límites.

Una explosión de adorno es sin duda evidente en Mariposa, donde un suelo de color rosa y la carne en tonos compatible con docenas de flores, como una dalia deslumbrante cuyo profundo violeta núcleo disminuye gradualmente a pétalos de lavanda. Estos fuegos artificiales florales están anclados a la derecha por una filigrana oscura de las curvas de francés que transforma toda la composición en un broche magnífico.

Beatriz Milhazes  

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Creo que en la actualidad deberíamos enfocarnos más en nuestros principios como diseñadores para poderlos reformular, y no me refiero a cuestiones de ética, sino a la percepción que tenemos y debemos desarrollar de nuestra profesión. Acá les dejo  unos aspectos que pueden servir como una base para configurar una visión diferente en nuestra disciplina:

• Brinda una experiencia. La experiencia ya sea en un sitio web, en un espacio o interpretando un mensaje, es importante para el usuario. Centremos nuestros objetivos en dejar una marca, en contar una historia, sobre todo para darle autonomía a la audiencia sobre la interacción de los objetos. Incluso nuestro propio proceso de diseño debe ser una experiencia, un aprendizaje diario que puede traer nuevos conocimientos a nuestra disciplina.

• Domina el mensaje. Debemos fijarnos en el impacto que podemos tener en la audiencia, y más que dominar la parte técnica del diseño es necesario integrar la parte perceptual para generar motivación, es decir, integrar el diseño con el enfoque del usuario, para moverlo a… o convencerlo de…, conforme objetivamos sus necesidades.

• Inspírate para inspirar. Si no te inspiras, si no investigas, si no conectas con tu entorno, si no conoces, difícilmente llegará esa solución viable de algún proyecto encomendado. Es importante entender que la inspiración y la creatividad son dos aspectos que se complementan, una puede dar origen a la otra. La inspiración digamos que es una fuente más personal, y la creatividad es lo que finalmente proyectamos (hacemos tangible). El origen de estos conceptos nacen de nuestro propio bagaje, de todo lo que conocemos, es lo que transmitimos y damos forma. Entonces… la inspiración viene de unir y de entender nuestras propias ideas, el objetivo al igual que el punto anterior, es mover (inspirar) a la audiencia, integrarla a su propio entorno y cultura. Aquí lo importante es que siempre estemos buscando nuestra propia fuente.

• Forma nuevas estructuras. Ahora la preocupación es sobre la innovación, he visto preguntas y percepciones como “¿se terminó la creatividad?…” “este poster se parece a…”  al final esto representa un foco de alerta y muy cierto. Buscar inspirarnos debiera traer como consecuencia algo nuevo, algo innovador, muchas veces no sucede, otras sí (pero solo por un rato). Creo que el punto es diferenciarnos, darnos cuenta que debemos ofrecer algo más ya sea como diseñadores, empresas o marcas, y es necesario entender que la audiencia no busca más de lo mismo, busca soluciones a problemas que muchas veces no percibe, y ahí es donde la creatividad y la innovación debe actuar, o por lo menos es una forma de comenzar a buscar y generar nuevas estructuras.

Les toca bandita, ustedes qué opinan? pienso que unir estos puntos puede ser muy útil para revalorarnos y llegar a reformular el diseño… mejorarlo. Me despido, soy Erika  si navegan en Twitter me encuentran como @dgraphicstyle, será un gusto leerlos, nos vemos la próxima.

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Proveniente  de Tampa Bay  Florida, Pale Horse es un estudio y también es el apodo de Chris Parks, artista visual e lustrador autodidacta, con una licenciatura en comunicación gráfica e interactivo de la Ringling College of Art & Design, el trabajo de Chris es una asombrosa mezcla de ilustraciones audaces, coloridas y un diseño muy detallado, combinado con el alto nivel de tipografía y diseño gráfico. Con más de 11 años en la industria, Chris comenzó su carrera creando portadas para bandas de punk, metal,  indie, surf y marcas de skate.

Desde la apertura de las puertas de su propio estudio en 2006, Chris ha tenido la oportunidad de crear las ilustraciones y la tipografía para una amplia gama de clientes como: Hasbro, DC Comics, Kid Robot, Sanrio, la WWE, la revista Wired, la revista Complex, World of Warcraft , Harley Davidson, Puño de Hierro, Red Bull, PBR, Indomina, Artes Digitales, ComputerArts y guitarras Dean.

Además del trabajo del cliente, Chris también crea prendas de vestir y productos de su propia línea y participa en diversas exposiciones en galerías a lo largo de los EE.UU., Europa y Asia.

A continuación parte de su trabajo:

Cuando yo estaba en Zhangzhou China el año pasado escuché una historia sobre la gente en las aldeas rurales de apuestas en las peleas entre gatos y serpientes. (Al igual que en las peleas de gallos ilegales) Estas representaciones inquietante se supone que representan las batallas épicas entre el dragón mitológico chino y el tigre valiente, antiguo. Pensé que esta historia sería una pieza interesante y tomó algunas libertades para mostrar una cobra rey para dar un paso más. 

Como fanático de las películas de kung-fu desde hace mucho tiempo, la creación de la edición limitada y serigrafiado de cartel para el lanzamiento americano de “Detective Dee & el misterio de la llama fantasma” fue un verdadero trabajo de amor!.

“Mushroom Cult” fue creado para el “Sh serio! T” Muestra de Arte y fue inspirado por la revelación de Juan Allegro sobre el papel de un hongo sagrado en las religiones antiguas, así como el documental “The Pharmacratic Inquisition”  resina sobre madera.

Guitarra mariachi jugador de entre los muertos y en busca de venganza! 

“Dios Ganeshador” 

En su sitio web podemos ver un sinfín de ilustraciones y todas del mismo nivel, si te quedaste con ganas de ver más de su trabajo te comparto como siempre los enlaces.

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