Recientemente se llevo a cabo la primera edición  del festival  “All City Canvas” en la Ciudad de México, se trató de un festival de Arte Urbano donde artistas 8 artistas que originalmente eran 9 intervenían muros en la ciudad y donde era posible poder ver el desarrollo creativo de su obra paso a paso.

Quise retomar al All City Canvas porque fue ahí donde Aryz había sido invitado a intervenir uno de los muros del Hotel Madrid, sin embargo fueron varios los inconvenientes de su “participación” en el festival, primero hubo un retraso de varios días para que comenzará a pintar debido a que la grua que tenía asignada no cumplía con las funciones que el artista español necesitaba, y después cuando ya todos los que nos encontrábamos entusiasmados porque Aryz había comenzado a pintar se informó que, se cancelaría su participación dentro del Festival por razones externas tales como la seguridad del artista.

Creo que el All City Canvas sin duda fue un precedente importante en la Ciudad de México, sin embargo debido a que esta fue su primera edición contó con algunos errores en cuanto a organización. En lo personal fue muy decepcionante saber que Aryz se encontraba despitando lo que había comenzado a trabajar, ya que era uno de los artistas más esperados dentro del cartel.

El cartel del festival se encontraba conformado por artistas internacionales y mexicanos lo que logro que la oferta artística fuera sumamente rica, sin embargo fue decepcionante la reducción de este.

Regresando a Aryz para los que no lo conozcan o quieran saber más de él, se trata de un artista urbano, nacido en Barcelona, España.

Aryz cuenta con un estilo impresionante influenciado por la temática surrealista y el color del arte pop. La mayoría  sus obras son en gran formato como muros de fábricas abandonadas o  grandes edificios donde imprime especial atención a los detalles mediante la caracterización de personajes y elementos orgánicos.

Este artista afirma que el principal motivo por el cual pinta es por diversión y aunque su objetivo primordial no es agradarle a la toda la gente cuando lo hace siente mayor satisfacción de su trabajo.

Cuando comenzó a pintar sólo utilizaba pintura en aerosol pero debido a una lesión en el dedo por presionar de manera incorrecta las válvulas de las latas, se vio en la necesidad de  utilizar pinceles, lo que terminó con su trabajo en equipo con sus compañeros que sólo pintaban con aerosol y dio paso a una importante etapa en la cual ya sólo pintaba lo que a él le gustaba, haciendo más personajes y muros cada vez más grandes.

Aryz trabaja con acrílicos y aerosoles, además de combinar técnicas, él  considera que cada obra es  un reto nuevo, donde imprime toda la inspiración que encuentra en lo que mira a su alrededor.

Aunque es un artista muy joven ha pintado en diferentes lugares alrededor del mundo como Estados Unidos, Polonia, Italia, Filandia, España, entre muchos otros donde es conocido por lo impactante de sus obras.

Si te gusto el trabajo de Aryz y quieres conocer más de tu obra visita su site http://www.aryz.es/

Yo soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

Si eres diseñador seguramente te has enfrentado con alguno de estos escenarios:

• Usas los programas parcialmente porque tu actividad así lo requiere

• Tienes un nuevo trabajo o proyecto que te obliga a retomar programas que hace mucho no utilizas.

• Haces un proyecto, sabes que pudiste haberlo hecho más rápido, pero no sabías cómo.

• Llevas tiempo usando un programa, los has actualizado constantemente, pero no sabes a ciencia cierta qué cambios ha tenido que te pueden ayudar a mejorar tu desempeño.

• Tu desempeño te ha orillado a tener relación con áreas de diseño que requieren un mayor nivel de profundidad en conocimiento y teoría, pero no cuentas con el tiempo necesario para tomar un curso o diplomado.

Si te sientes identificado en alguna de estas afirmaciones, te invitamos a conocer Upgrade, una serie de conferencias temáticas que te ayudarán a resolver muchos de estos cuestionamiento. Upgrade, en su primera edición se enfoca a diseñadores editoriales: aquellos que usan InDesign, que deben valorar y aplicar fotografía, que tienen relación directa con áreas afines —como mercadotecnia o publicidad— ya sea como diseñador in-house o independiente o bien que desees eficientar tus flujos de trabajo con tus clientes. Esto será el viernes 8 de junio a partir de las 9 de la mañana en Sur de la Ciudad de México.

Upgrade te ofrece práctica y teoría en un solo día a través de casos práctivos, retará tu creatividad y te ofrecerá soluciones para tu día a día en el diseño con expositores talentosos, calificados y con plena experiencia en su área de especialización. Buscamos motivarte para mejorar tu desempeño, toma de decisiones y administrar tu tiempo.

Te invitamos a conocernos, toma nota y siguenos la pista en twitter @_dmas y en Facebook dmasmx, donde además te estaremos presentando los próximos Upgrades que tenemos planeados.

Encuentra los costos, expositores y programa en d-mas.mx/upgrade.

Esperamos verte por ahí.

Los creativos pueden estar integrados al área de diseño, al marketing, al campo del arte en general, pero… hoy también nos unimos a los medios sociales..

Los medios sociales llámese “aplicaciones”, redes, foros, blogs, etc. tienen la función de conectarnos, permiten una respuesta directa del usuario que para nosotros es una manera de analizar su reacción. Digamos que nos ayuda a identificar ciertas características, conductas o habilidades que nos guían para resolver las necesidades de un proyecto creativo o de diseño.

Ahora bien, además de entenderlos como una plataforma de diálogo, ¿cómo son los medios sociales?… pues de inicio la interacción siempre está en constante cambio, siempre se está reinventando y en asiduo movimiento.

Para la empresas o para las marcas es un “motor” que configura una imagen y a manera de plus facilita compartir información relevante, abre un canal o un medio de comunicación para que emisor y receptor se perciban como individuos no como “elementos” de una conexión virtual… justo aquí es donde se construye la experiencia del usuario y la experiencia de la marca (claro!, la personalización forma parte de esa experiencia) Como estratega, el creativo hace posible esa identificación entre marca y usuario, busca “desvirtualizar” la percepción en los medios sociales al dirigir una apreciación más humana en la interacción, es decir, nuestra función es entretejer, generar una participación activa, de valor, mucho más significativa y cada vez más inteligente entre ambas partes: los emisores y receptores.

Todas la herrameintas, que también se diseñan para optimizar y monitorear los medios sociales, son un “engranaje” que podemos utilizar para clarificar los objetivos de las marcas (ya sean personales o de empresa), el punto es direccionarlos. Con esa gama de herrameintas construímos un panorama, útil para medir y conocer a la audiencia, para conocer su contexto, sus hábitos, etc. son esas “señales” que debemos tomar en cuanta como nuestra prioridad para “diagnosticar” al usuario… digamos que conforme el tiempo va caminando, nuestra siguiente función es crear e integrar una comunidad entre las personas que contemplen los mismos intereses, los mismos valores, habilidades o gustos… pienso que lo interesante es que como creativos las alternativas para configurar un “mundo virtual” dentro de un “mundo real” son infinitas, y los medios sociales son el canal ideal para lograrlo.

El objetivo es la comunicación y el impacto (+positivo) que causemos, recordemos que el usuario debe percibir cierta continuidad por lo tanto se debe invertir tiempo, un canal de social media tarda en alimentarse y retroalimentarse… tarda tiempo en crecer, en ese sentido debemos ser pacientes. Si no lo tomamos en cuenta e ignoramos su alcance, no pasa nada, exactamente NADA y tampoco pasará nada con las marcas. Es cuestión de adaptarse a este mundo “raro”.

Me despido bandita, ustedes qué opinan? Soy Erika, me pueden encontrar en TuiterLand como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima.

Definitivamente este artista-escultor britanico nacido en el año de 1966 en Hexham Northumberland cuyos estudios empezaron en Norwich School of Art & Design para despues obtener una Licenciatura en Bellas Artes en la escuela de Fine Art at the Bath College of Higher Education para despues hacer una maestría en la Universidad de Goldsmith, Glenn Brown hace referencia en sus obras de otros artistas cambiando o transformando su color, posición o tamaño mediante pinceladas finas. Algunas de las imagenes que trabaja son de famosos como Guido Reni , Diego Velázquez , Anthony Van Dyck , Rembrandt, Fragonard Jean Honoré, Eugène Delacroi , John Martin, Gustave Courbe , Adolph Menzel, Pierre-Auguste Renoir, Vincent Van Gogh, Chaim Soutine y Salvador Dalí.

Brown definitivamente las alteraciones de las imagenes son conforme a sus necesidades dandole un toque de illusion; sus fuentes de inspiración sugieren cosas que normalmente no se ven, un ejemplo de ello son las rocas flotando en lo lejano de las galaxias o un plato de flores en una habitación, o un niño en un traje de disfraces. Como se puede notar en sus pinturas la tecnica que utiliza a travez de giros, torbellinos y trazos lisos en la superficie. El resultado de esto da como finalidad cabezas amorfas, inflamadas, colores no naturales de la piel, sugerencias de suciedad que emanan de cada personaje callendo en lo morboso y para algunos vulgar; realmente fuera de lo normal lo que hace este excelente artista. Su trabajo lo ha llevado a mostrar sus obras y exhibirlas en Domaine de Kerguéhennec, Centre d’Art Contemporain, Serpentine Gallery, Kunsthistorisches Museum y Ludwig Múzeum y algunas exposiciones en grupo en The Saatchi Gallery, Centre Georges Pompidou, Venice Biennale, Italian Pavillion, Museum of Contemporary Art, Gwangju Biennale y Kunsthalle, citando algunas; a continuación les muestro algo de su trabajo. No tiene pagina personal pero en estos links pueden obserevar mas de lo que realiza http://www.gagosian.com/artists/glenn-brown y este video de una exhibicion http://www.youtube.com/watch?v=1POuMECG_tw

Como veran Glenn Brown incursiona en el ambiente de la pintura con gran dinamismo, versatilidad, experiencia, práctica que le ha dado su preparacion academica y constancia. ¿Que les parece?, ¿Que opinan?. Me despido de ustedes soy @mabher en twitter donde me pueden encontrar.

A finales del año pasado, Heineken® convocó através de su página de Facebook a diseñadores del mundo a crear su imagen del 140 Anivesario en el concurso “The Heineken Limited Edition Design Challenge”.  Fue un concurso donde pretendian que virtualmente pudieran hacer equipo dos distintos diseñadores. Entre ellos se encontraban Rodolfo Kusulas, mexicano estudiante de Diseño Industrial en el Tecnológico de Monterrey  y el inglés Lee Dunford , diseñador de empaques y que reside en Australia actualmente.

El 29 de marzo en la ciudad de Ámsterdam dieron el comunicado de los ganadores y anunciaron que entre 30 mil competidores de aproximádamente 100 países distintos, ellos eran los ganadores del concurso. Ellos están muy felices y entusiasmados por el resultado; “Es absolutamente increíble pensar que mi diseño será realizado”, comentó Lee Dunford ;y por otro lado lo que comentó Rodolfo: “Pensar que mi nombre estará en una botella que será distribuida en todo el mundo es simplemente increíble. Se me pone la piel chinita sólo de pensarlo. Ni siquiera puedo expresar lo emocionado que estoy”

A finales de este año su diseño estará por todo el mundo; se realizarán 1 millón de botellas que además llevarán sus nombres, y no solo eso, pues sumándole a esta gran emoción que debe ser para ellos poder participar en esta celebración y que su diseño lo conocerán millones de personas, también ganaron un viaje todo pagado a la Heineken® Star Final 2012 en Cape Town, Sudáfrica para el próximo año.

Rodolfo explicó un poco más acerca de la creación de su diseño, pues lo que el concurso invitaba a hacer, era realizar una botella donde se reflejarán como iba a ser la comuniciación entre las personas dentro de 140 años. “Me puse a pensar que en 140 años, por la tecnología, vamos a estar todos conectados de manera invisible, no lo vamos a sentir, las distancias se van a acortar, cada vez vamos a estar unidos los unos a los otros; vamos a volver a ser un mundo sólido, un Pangea y así surgió la idea de unirlos continentes bajo la estrella símbolo de Heineken”.

Muchas felicidades a Rodolfo, es muy inspirador que el diseño mexicano se esté haciendo espacio cada vez más grande alrededor del mundo, y que en esta ocasión con un producto tan mundial y comercial se haga más claro que queremos y tenemos las herramientas para hacerlo y como dice el mismo Rodolfo “hay que arriesgarse”

Les dejó un video donde muestran un poquito más de lo que se trató el concurso >>> 140 Aniversario de Heineken

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

Los diseñadores nos valemos de ciertos objetos, que representan herramientas muy útiles en nuestro trabajo, sobre todo en el proceso creativo….

Sketchbook, Notebook. Aquí es donde se boceta de manera cotidiana, o en donde escribimos nuestras ideas. Si dejáramos a un lado la costumbre de utilizar estos nobles “papel y lápiz”, se complicaría nuestro proceso creativo, ya que todo surge de nuestra mente para proyectarse primero con estas herramientas. Todo empieza a tomar forma desde esas páginas hasta que se materializa.

Smartphone. Sin una marca en particular… además de todas las aplicaciones que se pueden bajar, donde nos podemos apoyar más los creativos es en las funciones multimedia, es decir, la cámara integrada de fotografía y vídeo. En este sentido, mucho más allá de la utilidad como el “objeto que nos comunica” o “mueve información”, estas funciones nos ayudan a agudizar nuestra perspectiva para detectar el momento en que una imagen frente a nosotros… se puede convertir en una fotografía, o en un mensaje. Nos mantiene “alertas” (conectados).

Tablets. Aunque al principio fueron desarrolladas con un propósito (gadget para leer e-books)… con mucho éxito se fueron diseñando más aplicaciones, veamos… con este dispositivo no solo se puede “mover información”, escuchar música, jugar o tomar fotografías, también se puede Ilustrar, bocetar, hacer presentaciones, etc. Se ha ido adaptado como una herramienta diaria en el proceso de diseño, es muy versátil… hay muchos modelos, marcas, stylus, accesorios, pero lo importante es experimentar y aprovechar toda la gama de funciones.

Audífonos. Los audífonos nos transportan, nos conectan a la música o a los archivos de audio, son muy útiles, tal como si fueran alguna fuente de inspiración, inclusive hasta para concentrarnos son necesarios. Es un artefacto que en realidad no debe faltar.

USB. Universal Serial Bus… Desde hace mucho tiempo que nos ayudan a transportar archivos de un ordenar da otro, a “salvar” archivos de esos megaimportantes y megapesados. Antes eran los diskettes (hoy obsoletos, se conservan de recuerdo si a caso) después fueron los “Zips” y finalmente el usb. Actualmente tenemos más alternativas como los discos externos con un centenar de gigas o los servidores (como dropbox) en Internet… acá lo importante es que el usb o los discos externos, nos ayudan a organizar nuestros backups, nos facilitan la vida y los podemos traer con nostros todo el tiempo.

Un buen libro.  De diseño especialmente, obviamente puede ser cualquier otra área, acá se trata de conocer, de saber, de viajar, a través de un buen libro. Siempre nos mantiene integrados con la teoría o con las historias que cuentan otras personas… y eso es indispensable para nosotros los diseñadores.

Me despido bandita, ustedes qué opinan? cuáles son sus objetos preferidos?. Soy Erika, me pueden encontrar en Twitter como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima.

La ilustración mexicana cuenta muchos talentos jóvenes, y  muchos de ellos no son tan conocidos, sin embargo gracias a páginas como Deviantart donde los artistas comparten su trabajo es posible conocer su propuesta gráfica; así fue como un día encontré la galería de Hola Coyote, una chica mexicana con un estilo diferente y divertido. Así fue como la contacte para una entrevista y esto fue lo que nos comentó acerca de su trabajo.

¿Cúal es tu edad y qué estudiaste?

Estoy terminando la carrera en Diseño Gráfico y tengo 22 años.

¿De dónde viene tu seudónimo (HolaCoyote)?

Hola coyote viene de dos palabras que me gusta como suenan juntas. Quería un nombre que pudiera poner en una ilustración llena de flores y combinara bien, y resultó. Aparte de eso siempre me han gustado los caninos, me declaro fan.

¿Cuáles son las principales influencias dentro de tu trabajo?

Todo me inspira. Creo que lo más notorio es el arte popular: tapetes, telas, collares, artesanías. También me gusta fijarme en cómo se viste la gente, porque es lo que más dibujo: caras, personas.

¿Cómo definirías tu estilo y por qué?

No lo definiría. Siento que cada día quiero hacer algo diferente, soy muy cambiante con respecto a cómo quiero que se vean mis ilustraciones.

¿Cuál es el proceso creativo que llevas a cabo para la elaboración de una ilustración?

Depende mucho de para qué sea la ilustración. Generalmente pienso durante día y noche en las ideas que podrían servir y hago pequeños dibujitos para acordarme. Pensarlo a través del día ayuda, porque van surgiendo nuevas soluciones con las cosas que te pasan, o lo que ves en la tele, internet, en la calle, hace que se te ocurran más ideas.

Estoy por intentar uno, donde las ideas vienen por parte de los sueños. Es increíble porque tenemos esa fuente de inspiración que no usamos.

¿Cuáles han sido tus  proyectos más importantes?

El desarrollo de mis productos. Hacer cosas útiles o de colección con ilustración te hace practicar constantemente. Es bonito porque haces algo que te gusta y que puede gustarle a alguien más.

¿Desde hace cuánto tiempo te dedicas a la ilustración?

Ilustro desde secundaria, osea como desde hace unos 10 años. Aunque no lo hacía tan seguido como ahora.

¿Al momento de hacer tus ilustraciones cual es la técnica que prefieres tradicional o digital y por qué?

Creo que las dos me gustan mucho. Las dos tienen sus cosas padres porque me iría por la tradicional, las texturas que deja por ejemplo el acrílico, se me hace algo muy sentimental. Pero tampoco puedo dejar de lado lo limpio de una ilustración digital y la posibilidad de estamparla en playeras, hacer libretas y stickers es algo que me divierte.

¿En que te inspiras para  crear los conceptos de tus ilustraciones?

Como te decía antes, en la gente. Cómo se viste, las artesanías, los patrones de la ropa. Cosas que pasan en la calle, en mi casa, las películas, la música… Creo que también depende mucho del proyecto.

¿Qué opinas de la ilustración en México?

Me da mucho gusto ver cómo crece. Antes no había muchos que dijeran que se dedicaban a esto, según yo recuerdo. Me encanta ver el trabajo de gente que se dedica de lleno a ilustrar y aparte vive aquí en México. Hay mucho talento y muchas formas de aprovecharlo.

Para conocer más del trabajo de Hola Coyote puedes darte una vuelta por su galeria en Deviantart  www. holacoyote.deviantart.com o su Tumblr http://holacoyote.tumblr.com/

Yo soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

Al entrar en un proyecto donde debemos planear algún objeto de diseño, implica observar el fondo o escenario social de nuestra audiencia, su comportamiento, sus creencias, sus estilos de vida, es decir, la parte humana o vital del target. Bueno ese es el inicio, diseñar más allá del objeto es un proceso que conlleva pasar por cuatro niveles, acá se los dejo…

El primer nivel que se fue describiendo arriba, puede verse como el MARCO que al final realza la forma, las características que debe ir adoptando el objeto de diseño. Aquí, lo que debe importar es la “fotografía”, el escenario, la esencia del individuo… por supuesto es esa línea que diferencía los distintos segmentos de la audiencia.

El segundo nivel es la forma en la que vamos a VINCULAR, cómo vamos a “conectarlos”. Aquí es entender como se relaciona el hombre con la función del objeto. Es así que para cubrir esa vinculación necesitamos preguntarnos tres cosas: cómo van a distinguir el objeto, cómo vamos a captar al target y cómo mantenerlos interesados en ese objeto. Si vemos, el vínculo hacia la audiencia es una forma de ciclo (recuerden esta palabra), tiene que ser dinámico, propositivo, creativo… y coherente.

El tercer nivel es crear una PERCEPCIÓN. Digamos que la “conexión” del nivel anterior nos va a ayudar a que la audiencia observe y entienda el objeto para que experimente con él. Ahora, este nivel debe enfocarse en añadir valor al diseño… elementos significativos como por ejemplo: alta tecnología, comunicación eficaz, usabilidad, impacto en el mensaje, armonía, o simplemente “algo” que la audiencia no se espera. Para el target significa “vivir” la esencia de lo que representa el producto.

Por último el cuarto nivel es la RESOLUCIÓN (conclusión) o cierre del vínculo. Es volver a empezar el ciclo. Acá, lo importante es replantear el objetivo del diseño, y reformular la pregunta ¿cómo mantenerlos interesados? En esta etapa la audiencia se desliga del objeto de diseño y comienza a buscar otra alternativa. Como diseñadores este nivel es clave para detectar las necesidades de la nueva propuesta, significa actualizar, seguir transformando, transmitir otra imagen, etc. puede ser desde un cambio sutil hasta algo “muy innovador”. El mayor reto del “nuevo vínculo” es volver anclar al público, por eso siempre debe tomarse en cuenta desde el inicio del proyecto.

Si pasamos por estos niveles, si llegamos a entenderlos y aplicarlos… habremos hilado cada etapa del proceso y habremos diseñado más allá del objeto. Me despido bandita, quédense con esta frase:

“La gente ignora el diseño que ignora a la gente” Frank Chimero

Ustedes qué opinan?. Soy Erika, me pueden encontrar en Twitter como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima.

referencia: mike press y rachel cooper “el diseño como experiencia”

Utilicemos la palabra DISEÑADOR para referirnos tanto a diseñadores como a DISEÑADORAS, no nos metamos en conflictos gramaticales y hagamos de este hashtag un espacio para compartir EL PORQUÉ somos DISEÑADORES. Éste será como ese post de #SabesQueEresDiseñador click para recordar.

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Entrando en materia les comparto mi razón, espero en Twitter compartan la suya usando el hashtag #SoyDIseñadorPorQue o en los comentarios una versión mas extensa del porqué:

Recuerdo que estaba con mi madre en un mercado, se escuchaba una salsa noventera, cuando vi una playera de estampado estridente que se distinguía del montón de prendas: colores chillantes, contraste en su máxima expresión. La playera tenía además una etiqueta enorme, tipografía “a mano alzada” que simulaba que alguien realmente había escrito sobre ella. De la marca ni me acuerdo, de que mi mamá me la comprara ni pensarlo, $80 pesos era mucho dinero por una playera para un niño de ocho años en ese tiempo.

Lo importante no es el mercado, ni la playera, ni los ochenta pesos, ni mi mamá y su falta de sensibilidad al ver a su hijo al borde del llanto; lo importante es que esa playera, con esa impresión, con esos colores, con esos contrastes, despertaron en mí admiración, gusto y necesidad de saber quién, cómo, cuándo y dónde se había hecho, de quién era la idea y de qué manera podría yo dedicarme a eso.

Siete años más tarde supe que la carrera se llamaba DISEÑO GRÁFICO; pero ese día, en ese mercado, haciendo un berrinche épico y caminando entre la gente para tratar de alcanzar a mi insensible madre supe que #SoyDiseñadorPorQue el diseño de esa playera, me trajo aquí y un día voy a diseñar una playera TAN buena como esa.

Les dejo un abrazo grande, muchas felicidades DISEÑADORES y DISEÑADORAS.

Si no estoy caminando por los mercados en busca de esa playera que mi mamá no me compró, me encuentran en Twitter como @Sr_Cervantes

El Diseño es tan complejo que a veces la necesidad de migrar hacia a otras áreas es inevitable, tal es el caso de Jordi Lavanda quien estudió Diseño Industrial pero en este momento es uno de los ilustradores más importantes y famosos, dentro del mundo de la moda,  y la publicidad.

El es un  joven que nació en el año de 1968 en Mercedes Uruguay, pero que desde los 3 años radicó en Barcelona, España donde estudió Diseño Industrial  pero poco a poco fue convirtiéndose en uno de los ilustradores más sobresalientes del mundo.

Ha colaborado para varias publicaciones de España tales como Woman, Elle, Vogue, y en revistas estadounidenses como Interview, Cosmopolitan, Marie Claire, y en el periódico The New York Times.

Su estilo de ilustración encaja perfectamente con estas publicaciones ya que  dibuja personas muy estilizadas, con elementos actuales de la moda, dentro de ambientes y contextos que se relacionan directamente con un estilo “fashion”.

Jordi Labanda afirma que su propuesta gráfica se encuentra muy influenciada por la estética de los años 50s y 60s de las películas americanas llenas de gente sofisticada y elegante, del arte pop que remite a la sociedad consumista la cual retrata perfectamente en su trabajo, logrando captar esta esencia desde una perfectiva diferente y divertida.

Con un estilo puramente propio capta escenas de personas en poses que sugieren ser una fotografía de moda,  simplemente utilizando  tonos claros y pastel, sin texturas complejas, y valiéndose de líneas muy delgadas para los contornos, logrando un estilo inmediatamente identificable.

La técnica preferida para Labanda es la tradicional, ya que es fanático de ensuciarse las manos con pinturas como témpera, ya que considera que de esta manera obtiene resultados cercanos a lo que quiere transmitir con sus ilustraciones, las cuales termina en aproximadamente de dos a tres horas.

Labanda también ha participado en importantes campañas publicitarias como la de las botellas de agua Fontvella donde a partir de dibujos con su ya emblemático estilo creó una serie de ilustraciones que fueron la imagen de la campaña.

Además de estar sumamente involucrado en el diseño de colecciones para  marcas importantes como Zara, Mango, Adidas, Dior, Cover Girl, entre otras; así como en su propia colección de ropa donde se pueden encontrar desde camisetas, vestidos, bikinis, abrigos, entre otras prendas.

Asimismo cada año diseña colecciones de bolsos, mochilas, estuches, monederos, billeteras y diferentes materiales de escritorio y papelería como  cuadernos, carpetas, agendas, bolígrafos, extendiendo su mercancía hasta el mundo de la decoración con velas, alfombras y papel tapiz diseñados por él.

Dentro del trabajo de este importante ilustrador también se encuentran carteles para cine, portadas de discos,  el diseño de su propio restaurante llamado “Sandwich and friends”, además de que Nissan sacó al mercado el “Nissan Micra Jordi Labanda” en su honor.

Actualmente Jordi Labanda reside en Nueva York y es sin duda uno de los ilustradores más importantes en este momento, ya que es común escuchar  su nombre dentro de  las galerías más importantes del mundo además de tener alrededor todo un universo de productos que actualmente lo hace de los ilustradores más rentables.

Si te gustó el estilo de Jordi Labanda y deseas conocer más de su trabajo date una vuelta por su sitio oficial http://www.jordilabanda.com/

Yo soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray