Definitivamente este artista-escultor britanico nacido en el año de 1966 en Hexham Northumberland cuyos estudios empezaron en Norwich School of Art & Design para despues obtener una Licenciatura en Bellas Artes en la escuela de Fine Art at the Bath College of Higher Education para despues hacer una maestría en la Universidad de Goldsmith, Glenn Brown hace referencia en sus obras de otros artistas cambiando o transformando su color, posición o tamaño mediante pinceladas finas. Algunas de las imagenes que trabaja son de famosos como Guido Reni , Diego Velázquez , Anthony Van Dyck , Rembrandt, Fragonard Jean Honoré, Eugène Delacroi , John Martin, Gustave Courbe , Adolph Menzel, Pierre-Auguste Renoir, Vincent Van Gogh, Chaim Soutine y Salvador Dalí.

Brown definitivamente las alteraciones de las imagenes son conforme a sus necesidades dandole un toque de illusion; sus fuentes de inspiración sugieren cosas que normalmente no se ven, un ejemplo de ello son las rocas flotando en lo lejano de las galaxias o un plato de flores en una habitación, o un niño en un traje de disfraces. Como se puede notar en sus pinturas la tecnica que utiliza a travez de giros, torbellinos y trazos lisos en la superficie. El resultado de esto da como finalidad cabezas amorfas, inflamadas, colores no naturales de la piel, sugerencias de suciedad que emanan de cada personaje callendo en lo morboso y para algunos vulgar; realmente fuera de lo normal lo que hace este excelente artista. Su trabajo lo ha llevado a mostrar sus obras y exhibirlas en Domaine de Kerguéhennec, Centre d’Art Contemporain, Serpentine Gallery, Kunsthistorisches Museum y Ludwig Múzeum y algunas exposiciones en grupo en The Saatchi Gallery, Centre Georges Pompidou, Venice Biennale, Italian Pavillion, Museum of Contemporary Art, Gwangju Biennale y Kunsthalle, citando algunas; a continuación les muestro algo de su trabajo. No tiene pagina personal pero en estos links pueden obserevar mas de lo que realiza http://www.gagosian.com/artists/glenn-brown y este video de una exhibicion http://www.youtube.com/watch?v=1POuMECG_tw

Como veran Glenn Brown incursiona en el ambiente de la pintura con gran dinamismo, versatilidad, experiencia, práctica que le ha dado su preparacion academica y constancia. ¿Que les parece?, ¿Que opinan?. Me despido de ustedes soy @mabher en twitter donde me pueden encontrar.

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Gracias a las benditas vacaciones he tenido más tiempo para revisar portafolios que me mandan y que yo voy descubriendo, y últimamente me ha entrado el amor por la fotografía en su totalidad, es por eso que buscando buenos trabajos llego al portafolio de la argentina Florencia Mazza Ramsay.

Rápidamente sus trabajos me llaman demasiado la atención porque caen un grado muy alto digamos que de finura, fotografías muy bien cuidadas pero que transmiten, el trabajo que ella hace es básicamente erótico pero del bueno, no fotografías grotescas o con necesidad de enseñar de mas para que sean de ese tipo si no que gracias a su absoluta perspectiva y dominación en su lente es como puede captar muy bien las gesticulaciones o los momentos precisos de cada uno de sus modelos.

Aunque no hay mucha información de ella en los diferentes sitios en donde se encuentra sin duda su trabajo es muy recomendable si es que quieres llenarte de inspiración, algunas poses para tus propias sesiones o simplemente como dicen por acá, para echarte tu “taco de ojo”.

A continuación mas de su trabajo:

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Este post lo quise hacer un poco diferente porque luego me mandan por Twitter que siempre hay mucho texto que aveces no se entiende o llega a aburrir, por esta ocasión sera así sin mucha información ni texto un poco innecesario y espero que funcione bien pero ya veremos.

Regresando con  Florencia si es que les gusto su trabajo y se quieren dar la vuelta a su portafolio para checar mas, les comparto como siempre los enlaces que son vía:

Florencia Mazza Ramsay 

Behance 

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Aparte de simpatica y agradable Stacey Rozich es una ilustradora y diseñadora gráfica que vive y radica en Seattle ya por algun tiempo. Stacey Estudió ilustración en el California College of the Arts, así como en  Design at Seattle Central Creative Academy. Su trabajo es caracteristico por la acuarela, gouche, tinta en color negro predominante en su trabajo. Con su estilo exotico, mascara de animales o mascaras de calaveras su propuesta es realmente interesante.

Su paleta de colores que van desde colores brillantes contrastados con pálidos combinado con el folklor de algunos países como Yugoslavia y Croacia, asi como denotamos algo de la cultura japonesa, apache, influencias arabes entre otras.

Su lista de clientes incluye The FADER, The Stranger, K Records, Southern Lord y mucho más. Su trabajo aparecen y se han mostrado en galerías de Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Seattle, Milwaukee y Berlín. Cabe mencionar que tambien ha participado en el video de Fleet Foxes con una importante colaboración de Sean Pecknold chequenlo http://vimeo.com/31464974 .

Su pagina personal de Stacey Rozich donde pueden ver mas de lo que hace asi como contactarla http://blog.staceyrozich.com/. Soy @mabher en twitter donde me encuentran para cualquier duda o sugerencia. “Una excelente artista cuyo talento se hace notar en sus pinturas e ilustraciones”.

Luke es un artista y diseñador grafico nacido en 1973 originario de Filadelfia pero radicado en los Angeles California. Forma parte de la oleada de los nuevos artistas del surrealismo pop o lowbrown la mayor parte de su formación académica fue cerca de california lo que hiso el que mientras estudiaba trabajara para la empresa de guitarras Ernie ball como ilustrador y diseñador.

A lo largo de su carrera ha conseguido ser reconocido por numerosas publicaciones especializadas al igual que un reconocimiento nivel mundial por colaboraciones con bandas como Fall Out Boy en la portada de su disco Folie à Deux (2008). La gran carga de emotividad que impregna en cada uno de sus trabajos se ven reflejados en el hecho de haber crecido como chino americano al igual que como el lo ha declarado la intolerancia que sufría ayudo a generar esas ilustraciones llenas de tragedia y dolor.

En lo personal un artista al que admiro no tanto por la gran carga de energía que transmite con cada pieza si no por la simpleza que ocupa para transmitir sus mensajes.

Aca un par de ligas

Luke Chueh

Devian Art

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Fuerza, y hasta la próxima semana

Bowa

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Ya antes había visto esculturas con libros pero estas de Briam Dettmer sí que me han dejado impresionado por el grado de detalles en cada pieza.

Brian es originario de Chicago (nacido en 1974) y en la actualidad reside en Atlanta, GA. Brian Dettmer es conocido por sus esculturas detalladas e innovadoras con los libros y otros medios de comunicación “anticuados” y conocidos por su alteración de los medios de comunicación preexistentes, tales como libros antiguos, mapas, álbumes de discos y cintas de casete para crear obras nuevas, transformadas al arte visual.

Creció en Naperville, Illinois. Hasta el año 2006, viviendo en Chicago y sus alrededores, donde obtuvo una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Columbia en Chicago en 1997. Durante la graduación de la escuela y la siguiente, Dettmer ha trabajado como artista y en los cargos relacionados con la gráfica y el diseño de la señalización. En 2006, Dettmer se mudó con su esposa a Atlanta, donde trabaja como artista de estudio.

En la universidad, Dettmer se centró principalmente en la pintura. Cuando empezó a trabajar en una tienda de signo, su obra comenzó a explorar la relación entre el texto, las imágenes, el lenguaje y códigos, incluyendo pinturas basadas en el sistema Braille, código Morse, y lenguaje de señas americano. Él entonces comenzó a hacer el trabajo varias veces pegar periódicos y páginas de un libro a la lona y arrancando pedazos. En el año 2000, Dettmer comenzó a experimentar por encolado y corte en los libros, el medio por el cual es ahora más conocido.

En la actualidad está representado por Kinz y Tillou (Nueva York), Packer Schopf (Chicago), Mito (Barcelona), Toomey Tourell (San Francisco) y Salinas (Atlanta).

El  trabajo de Dettmer ha sido expuesto internacionalmente en varias galerías, museos y centros de arte como el Museo de Artes y Diseño (Nueva York), Museo de Arte Contemporáneo (GA), el Museo Internacional de Ciencias Quirúrgicas (IL), Museo Rijswijh (Países Bajos), Wellcome Colección (Inglaterra), el Museo de Arte de Bellevue (Washington), el Kohler Arts Center (NY), y los Museos del Estado de Illinois (IL). Su obra se encuentra en varias colecciones públicas y privadas en todo los EE.UU., América Latina, Europa, Australia y Asia.

En los últimos años Dettmer se ha establecido como uno de los principales artistas internacionales contemporáneos que trabajan con los libro. En 2011 su obra apareció en la portada de Arte del Libro (Editores Gestalten, Berlín) y discutidas en un contexto histórico en el ratón de biblioteca (Stewart, The University of Chicago Press).

En este 2012 se tiene programadas exposiciones individuales en San Francisco con Toomey Arte Tourell y el Centro Comunitario Judío, en Maribor, Eslovenia, como parte de su celebración como la Capital Cultural Europea de 2012, en Lucca, Italia, para Cartasia. Su trabajo también está programado para estar en el grupo de varios programas entre ellos “40 under 40″ en la Galería Renwick del Smithsonian Institute.

Para ver mas de su trabajo te comparto el enlace vía:

Brian Dettmer

Su blogger de confianza, dudas y aclaraciones me encuentran en Twitter como @Hosber_

Conocido su pseudónimo, tag o firma Roa de aproximadamente unos 30 años es un artista de graffiti callejero como Banksy proveniente de la ciudad de Bélgica, se caracteriza por pintar murales (aproximadamente de 3.5 mts de alto) cuyos comienzos fue debajo de los puentes y paredes pequeñas. Después de comenzar a pintar las formas animales en un almacén en desuso cerca de su nativa Gante, en Bélgica. Sus obras se puede ver en Manhattan, Brooklyn, en Nueva York, y en toda Europa, desde Noruega hasta Italia.

Su primera exposición individual en el Reino Unido se organizó en la galería Pure Evil en Shoreditch, al este de Londres, este año, y ha realizado exposiciones en París en los últimos 12 meses. Roa acostumbra a pintar únicamente con blanco y negro, sus musas son animales de todo tipo que van desde pájaros de todo tipo, ratas, cerdos, etc…, sin duda un trabajo realmente interesante, creativo e inusual, sobre todo el formato en que trabaja; su impresionante calidad,  detalle de cada barda o mural que realiza. Cabe señalar que el año pasado nos visito durante un tiempo para realizar algunos trabajos con “Sego y Saner” artistas del graffiti mexicano, estos últimos ya conocidos por algunos de nosotros, también con excelente presencia en México y ultimamente fuera del país .Sin mucho mas que decir les dejo parte de su trabajo y que hable por si solo. Me despido de ustedes  @mabher en twitter y seguimos dando lata por estos rumbos.

Fotos via: http://www.doble-h.com

 ¿El diseño debería entenderse como un mediador, como una técnica o como arte que se reproduce?…

Sin obviarlo, el arte es una base importante en el diseño, sabemos que nuestro oficio se apoya de distintos campos en los que destacan las ciencias excatas y las ciencias sociales, además está claro que se produce mediante el desarrollo de técnicas. Así que, cómo debe ser entendido y aplicado?

Me parece que primero podemos verlo como una estrategia para llegar a un objetivo… ésa es la primer diferencia entre arte y diseño. El arte no se planea ni se produce en serie, el diseño sí.

El arte expresa, comunica, lo mismo que el diseño, solo que nuestra disciplina estructura y configura mensajes fijando un mismo sentido de interpretación, el arte no, éste se genera bajo una “codificación” más personal y abierta a una “lectura” de la audiencia.

Entonces bajo el enfoque anterior, no podemos definir el diseño como arte, sin embargo tampoco lo podemos desligar. Digamos que el arte le brinda un orden y sentido estético a nuestros objetos de diseño, se complementan… es uno de sus “componentes”.

Ahora bien, la técnica como un procedimiento, también es un “componente” que nos permite desarrollar tanto arte como objetos, por eso es un concepto que igual está implícito en nuestro oficio, pero entenderlo sólo como técnica es reducir su visión o su cause. Digamos que la técnica dirige la funcionalidad y utilidad del diseño, es la acción y nos ayuda a tomar de desiciones importantes respecto a la materialización de los proyectos.

Deberíamos obener una perspectiva más amplia, cierto?, en lo personal #eldiseñoseentiendecomo un mediador, es decir, como una disciplina que actúa en el entorno, trata de integrar y bridrar una identidad en el hombre, es un “constructor” que evidentemente se apoya de la técnica y el arte. Por su misma naturaleza el diseño necesariamente se desarrolla de manera interdisciplinar, claro que nos podemos considerar artistas (o por lo menos mantenemos ese feeling en el proceso creativo). Al final,  dialogamos con otros disciplinas, oficios, con clientes, usuarios… y desarrollamos soluciones a los problemas de comunicación, de espacio, de interacción, etc. problemas inmersos en la cotidianidad del hombre.

Les toca bandita ¿cómo lo entienden ustedes? les propongo crear un hashtag que diga #ElDiseñoSeEntiendeComo para que construyamos un nuevo concepto, nuevas ideas, algo distinto, va?  quién empieza? Saben que el feedback es lo mejor, en GL esperamos que todos participen.

Me despido, soy Erika, me pueden encontrar en Twitter como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima. Disfruten su día.

Navegando por la red y gracias al tumbrl me tope unos trabajos que realiza un pintor-ilustrador nacido en Los Ángeles, California, donde actualmente trabaja y reside su nombre es Marco Zamora se graduó en el año 2004 en el Institute of the Arts, ni mas ni menos que con una licenciatura en Bellas Artes. Sus herramientas son el pincel y el lápiz para dibujar, con los que Marco crea imágenes sobre paisaje urbano, personas que lo habitan, vivencias, la vida cotidiana plasmada por este excelente artista e ilustrador.

Marco Zamora viaja y se empapa de los barrios comunes para la producción de la que será su imagen ricamente compleja y experimental a la que le pondrá ese toque con su lápiz y pincel para crear una identidad de cada pintura. Transforma la vida de la ciudad, su cultura, la experimentación del color / escala, y la clase obrera son influencias esenciales para crear esas obras de arte. Tambien podemos ver su trabajo en anuncion de la marca Vans el cual es su mas reciente aportación al ámbito del skateboard, sin dejar pasar proyectos de colaboración en textiles (ropa, tenis, gorras), así como galerías de la costa oeste.

Utilizando solo blancos y negros con unos toques de color que van desde los pastel, amarillos, azules, rojos; Marco Zamora crea su estilo característico e inigualable dando un realismo a sus obras. Sin mas por el momento les dejo su pagina personal http://www.marcozamora.com/ asi como en la red pueden encontrar bastantes trabajos de este pintor-ilustrador. Excelente su trabajo para mi gusto, demostrando que con unas solas herramientas y claro, (con talento) se pueden crear magnificas cosas tomandolas de nuestra vida. Soy @mabher en twitter donde me pueden encontrar.

Verdaderamente es difícil dejar pasar el trabajo de esta gran artista, he visto muchos tatuajes de sus obras, Nanami Cowdroy nació en Sydney, Australia, con estrechos vínculos a su mezcla de japonés y con estrechos vínculos con su herencia mixta japonesa-europea.

Crecer con culturas tan opuestas y sus alrededores, ha influido mucho en su estilo de arte y expresión creativa. Al entrelazar los personajes complejos y objetos altamente detallados, sus obras reflejan una yuxtaposición entre entidades extranjeras, familiares y medio ambiente. Su imaginación se ilustra a través de obras exóticas.

Ella se señala a los sujetos, que pueden en la superficie parecer delicados o frágiles, pero se les da la fuerza y ​​la profundidad a través de su pluma de tinta y diferentes técnicas, el estilo de la mano ilustrativa intrincado composiciones de técnicas mixtas.

Su estilo refleja una paleta monocromática con refinada ‘Nanami‘ su nombre (que significa “Seven Seas” en japonés) estampada de color rojo en cada una de sus obras. Las criaturas acuáticas y peces de colores son algunos de sus temas favoritos, y las formas distintivas que se ofrecen en sus obras de arte.

Sus obras de arte como se menciona ocupa técnicas mixtas como: pluma, lápiz, tinta, acuarela y pintura en aerosol sobre el papel, y con algunos elementos digitales como gradientes añadidos a los fondos.

A continuación parte de su trabajo:

Siempre que veo el trabajo de Nanami Cowdroy realmente quedo impresionado por al talento de esta chica, si tu estas igual que yo y quieres ver su trabajo con las imágenes de mayor calidad o nuevos proyectos, te comparto como siempre los enlaces:

Nanami Cowdroy 

Su blogger de confianza, dudas y aclaraciones me encuentran en Twitter como @Hosber_  

A finales del año pasado en la Galería Libertad en Querétaro, se presentó una exposición que se llamaba Rizoma. Fue de esas exposiciones que son diferentes a cualquier otra. De momento que entrabas se sentía una frescura, como si en el ambiente hubiera vida; también el olor cambiaba, haciéndonos pensar que entrábamos a un espacio libre con vegetación.

Inmediatamente lo que salta a la vista es lo verde de lo expuesto, la VIDA que proyecta. Son plantas que nacen de esos objetos que muchas veces se vuelven basura. Raúl Resendiz, el creador de esta idea, siento que nos quiso expresar la preocupación del urbanismo, donde todo se ha vuelto gris, frio y sin vida y sobre todo la inquietud de la reutilización.

Día a día se vuelve más preocupante el problema de basura en las grandes ciudades. Un gran ejemplo es lo que vivó la Ciudad de México a finales de año, cuando la basura la veias en la calle , pues ya no hay donde ponerla.

En esta exposición vemos una opción muy buena de como reutilizar algunas cosas que deshechamos y volverlos un hogar de vida, usando en conjunto elementos biodegradables. También siento que el resultado fue combinar esos dos mundos, el de la naturaleza, y el de la industria; que ninguno de ellos esté peleado uno con el otro.

Todo esto se vuelve un arte de cambios constantes donde podemos verlo transformándose conforme vayan creciendo las plantas. Me gustó mucho.

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^