A finales del año pasado en la Galería Libertad en Querétaro, se presentó una exposición que se llamaba Rizoma. Fue de esas exposiciones que son diferentes a cualquier otra. De momento que entrabas se sentía una frescura, como si en el ambiente hubiera vida; también el olor cambiaba, haciéndonos pensar que entrábamos a un espacio libre con vegetación.

Inmediatamente lo que salta a la vista es lo verde de lo expuesto, la VIDA que proyecta. Son plantas que nacen de esos objetos que muchas veces se vuelven basura. Raúl Resendiz, el creador de esta idea, siento que nos quiso expresar la preocupación del urbanismo, donde todo se ha vuelto gris, frio y sin vida y sobre todo la inquietud de la reutilización.

Día a día se vuelve más preocupante el problema de basura en las grandes ciudades. Un gran ejemplo es lo que vivó la Ciudad de México a finales de año, cuando la basura la veias en la calle , pues ya no hay donde ponerla.

En esta exposición vemos una opción muy buena de como reutilizar algunas cosas que deshechamos y volverlos un hogar de vida, usando en conjunto elementos biodegradables. También siento que el resultado fue combinar esos dos mundos, el de la naturaleza, y el de la industria; que ninguno de ellos esté peleado uno con el otro.

Todo esto se vuelve un arte de cambios constantes donde podemos verlo transformándose conforme vayan creciendo las plantas. Me gustó mucho.

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

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Hoy quiero presentar a una verdadera maestra del arte, la primera vez que pude apreciar su trabajo fue en una revista Vogue cuando iba apenas en primaria, desde ese momento quede enamorado de su trabajo, el trabajo de Beatriz Ferreira Milhazes.

Río de Janeiro, la vio nacer en 1961, es pintora, grabadora, ilustradora y profesora. Se inicia en las artes plásticas en 1980, cuando ingresa en la escuela de Artes Visuales del Parque Lage, donde después imparte clases y coordina actividades culturales.

Además de la pintura, se dedica también al grabado y a la ilustración. Desde 1995 hasta 1996 cursa grabado en metal y al linóleo en el taller 78, con Solange Oliveira y Valério Rodrigues.

En 1997 ilustra el libro As Mil e Uma Noites à Luz do Dia: Sherazade Conta Histórias Árabes (Las Mil y Una Noches a la Luz del Día: Sherazade Cuenta Historias Árabes), de Katia Canton.

Beatriz Milhazes trabaja en el más puro estilo estético de los patrones y el movimiento de la decoración. Influenciada por su tierra natal de Brasil, su uso vibrante y audaz del color y los patrones de crear una obra que es de lo más divertido, libre y psicodélica, ya que es geométrico, organizado y rítmico.

El patrón y el movimiento de la decoración no era originalmente popular en el mundo del arte, debido a los movimientos de la falta de declaraciones políticas y posiciones, “el arte por el arte” “Aunque lúdica e innovadora, especialmente en el uso de materiales, diseño y decoración que no lograron un gran impacto en el mundo del arte.

Su arte fue despedido como frívolo, con su  obra de un carácter meramente decorativo y por lo tanto no merecía una atención y seria crítica. Lo que antes no se consideraba ahora vale la pena hablar ya que ha ganado visibilidad global desde sus inicios en los años 70 y 80.

Milhazes  Participa en las exposiciones de la Generación 80 un grupo de artistas que busca reanudar la pintura en contraposición a la vertiente conceptual de los años 1970 y tiene como característica la investigación de nuevas técnicas y materiales.

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La obra de Beatriz Milhazes hace referencias al barroco, a los trabajos de Tarsila do Amaral (1886-1973) y de Burle Marx (1909-1994), a estándares ornamentales y al art deco. Entre 1997 y 1998 es artista visitante en algunas universidades de los Estados Unidos. A partir de la década de 1990 destaca en exposiciones internacionales en los Estados Unidos y Europa, y sus obras integran fondos de museos como el Museum of Modern Art – MoMA, Solomon R. Guggenheim Museum y The Metropolitan Museum of Art, en Nueva York.

Inspiraciones:

Muchas de estas explosiones de color se originan en su estudio pequeño y compacto, donde se ha basado desde 1987. Está situado justo al lado de frondosos jardines de Río botánicos e inevitablemente, las formas y los patrones de las flores  remolinos delicados y las formas como hojas  han encontrado su manera en sus pinturas.

También ha “tomado ventaja de la atmósfera de la ciudad”, con su rica mezcla urbana incorporando chitão (la tela barata, Brasil colores), joyas, bordados y arte popular.

Su inspiración pictórica viene del siglo XVII del artista holandés Albert Eckhout, que viajó por el Brasil colonial, y la brasileña Tarsila do Amaral, así como Mondrian, Matisse y Bridget Riley.

Proceso Creativo:

La evidencia de sus términos de referencia se puede encontrar pegados en las paredes de su estudio,  fragmentos de revistas, tarjetas postales y las piezas de ropa, así como algunos de sus propios dibujos. Ella comienza con una idea de los colores y las imágenes, pero “no hay nada claro hasta el final”. Y quizás sorprendentemente Milhazes es muy disciplinada en su rutina creativa.

El movimiento de la decoración y el patrón no está completamente separada de la sociedad y el mundo que lo rodea. Siento que el arte y los artistas implicados, tienen una postura muy positiva que no habla de la política creada y lemas de la mente, sino desde el amor y el aprecio por la belleza que nos rodea. Y esta filosofía de centrarse más en los placeres de la vida, en lugar de sus dificultades, es muy evidente en las formas, colores y diseños de cada una de las piezas Milhazes.

Milhazes embellece superficies brillantes con dibujos de formas aún más florales, aquí la mayoría de corte de piezas brillantes de papel holográfico. Mientras que algunos espectadores pueden palidecer ante la sobrecarga sensorial, y prefieren la relativa austeridad de un clásico collage cubista, por mi parte, aprecio indulgencia decorativos de Milhazes. Al igual que las flores y los chocolates que en parte les inspiran, sus obras siguen siendo fuente de placer sin límites.

Una explosión de adorno es sin duda evidente en Mariposa, donde un suelo de color rosa y la carne en tonos compatible con docenas de flores, como una dalia deslumbrante cuyo profundo violeta núcleo disminuye gradualmente a pétalos de lavanda. Estos fuegos artificiales florales están anclados a la derecha por una filigrana oscura de las curvas de francés que transforma toda la composición en un broche magnífico.

Beatriz Milhazes  

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Su blogger de confianza, dudas y aclaraciones me encuentran en Twitter como @Hosber_

Víctor Castillo, es un pintor chileno que reside actualmente en Los Angeles, California nació en Santiago en 1973, año del golpe militar en Chile, comenzó a dibujar obsesivamente a la edad de cinco años, inspirado por las animaciones que veía en la televisión, las películas de ciencia ficción, y las ilustraciones en el registro de su familia, tales como las portadas de discos como de Pink Floyd “The Wall“.

Tiempo después despues una mala experiencia con la escuela de arte que terminó con su expulsión, participó en un proyecto de  arte independiente experimental colectivo que se basaba en la creación de la escultura con técnica mixta e instalaciones de vídeo, como parte de sus primeros proyectos.

Víctor se trasladó a Barcelona ​​España en 2004, donde estableció su estilo de pintura, con referencias a los cómics. Después de ver el Museo del Prado en Madrid en especial pinturas de Goya Negro, adoptó los aspectos de la pintura clásica en su obra. En 2010 comenzó a mostrar su trabajo a nivel internacional.

Hoy Victor Castillo está representado por Merry Karnowsky Gallery en Los Angeles. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías en Chile, España, Estados Unidos, Alemania, Francia, Inglaterra, Italia, Bélgica, Dinamarca, China, Argentina, Brasil y Colombia, así como en numerosas publicaciones.

Entre otras instalaciones ha creado grandes murales interiores para el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), en Santiago de Chile, el Museo de Arte Moderno de Chiloé y el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona España.

Él está más interesado en colaborar en una serie de animaciones, y su próxima exposición individual es en Febrero de 2012 en el Jonathan Levine Gallery de Nueva York.

A continuación parte de su trabajo:

Tiene un sitio web muy extenso así que no hay pretexto para no visitarlo y como siempre te comparto los enlaces:

http://www.victor-castillo.com

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La inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando, desde puebla @Hosber_

Él es un Diseñador gráfico e ilustrador con sede en Cleveland Ohio, su gran talento para plasmar las emociones humanas han hecho de este artista un referente para todos aquellos que gusten de trabajos simples y a la vez complejos en su interpretación.

Incursionó en el mundo de la ilustración creando carteles para conciertos underground en los 90´s  y es en esta época cuando alcanzo mayor popularidad a tal grado que su trabajo está expuesto en el salón de la fama del rock.

Con trabajos para bandas legendarias como: Pantera, Pink Floyd y Pearl Jam además de haber creado diversas portadas de discos a lo largo de su carrera, hacen de él un artista y rockstar a la vez.

Ha sido expuesto en casi todo el mundo aparte de que hay piezas que están en la colección permanente del Louvre en Francia, la gran calidad en su trabajo además de ser un artista que no solo hace dibujo si no que a la vez usa técnicas tan variadas como la serigrafía o el grabado, lo colocan en la lista de los artistas contemporáneos mas importantes de los últimos 20 años.

Su trabajo ha sido publicado en diversas revistas y por nombrar algunas Spin, Newsweek, Juxtapoz, Alternative Press y reconocido en canales de televisión como MTV y VH1.

Si quieren conocer mas de su trabajo les recomiendo visitar su web:

WEB

Hasta la próxima semana

Hemos visto personas verdaderamente creativas al momento de trabajar con tela, me vienen rápido a la mente Amor Muñoz o Colección Chocolatina de las cuales hablare en un tiempo de su trabajo tan maravilloso pero hoy le toca a Gabriel Dawe, un artista muy hábil que me ha dejado impresionado.

Nació en la Ciudad de México, donde creció rodeado por la intensidad y el color de la cultura mexicana. Después de trabajar como diseñador gráfico, se trasladó a Montreal Canadá en 2000 después de un deseo de explorar tierras extranjeras.

En búsqueda de la libertad creativa comenzó a experimentar y crear obras de arte, que le llevó a explorar textiles y bordados, las actividades tradicionalmente asociadas con las mujeres y que estaban prohibidas para un niño que crecía en México.  Debido a esto, su trabajo es subversiva de las nociones de masculinidad y el machismo, tan arraigado en su cultura.

Al trabajar con hilo y textiles, Dawe ha evolucionado en la creación de instalaciones a gran escala con un hilo, la creación de entornos que tienen que ver con las nociones de las construcciones sociales y su relación con la teoría de la evolución y la fuerza de auto organización de la naturaleza.

Después de siete años de vivir en Canadá y la obtención de la doble nacionalidad como mexicano-canadiense, Gabriel se mudó a Texas a seguir estudios de posgrado en la Universidad de Texas en Dallas.

Su trabajo ha sido exhibido en Dallas, Houston, Montreal, Toronto y Barcelona.

A continuación parte de su trabajo:

Si te has quedado con ganas de ver más, te comparto como siempre los enlaces:

http://www.gabrieldawe.com/

http://www.facebook.com/gabedawe

http://twitter.com/#!/stringguy

La inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando, desde puebla @Hosber_

SIT (Amsterdam, 1976) ha sido parte de la escena creativa de Holanda durante muchos años empezando en el street art para después poder exponer en grandes galerías, por mucho tiempo se enfoco a la pintura de acción, diseño gráfico, publicidad y más hasta que se hartó. Volvió al punto de partida para encontrar a su verdadera escencia.

Volver a la cabeza y la artesanía, Sit ha creado varias series y el resultado es una bastante inquietante, sexy y morbosa a la vez. Las texturas sensuales de la piel y las plumas se yuxtaponen con cráneos de animales pálidos y suaves curvas de las mujeres para ilustrar lo malicioso de los límites de nuestro sentido de la belleza.

En su exposición SITAKI SIT pone de relieve la antítesis entre el dolor de la Madre Naturaleza y la sociedad actual implacable materialista que la humanidad ha creado para sí misma.

Fue un extraño encuentro con un pez de colores en Hong Kong que le hizo sentir una vez más la suerte. Perdido en los reinos oscuros de esta ciudad su corazón sangrante de una relación rota y su visión borrosa por el whisky barato chino SIT tropezó con un pez de colores con los ojos enormes en un escaparate. 

Aquellos que estén familiarizados con el SIT conocen esta historia solo podría ocurrir con un espíritu alegre y libre como él.  El cerebro de 9 trabajos exclusivos pagando homenaje a su nuevo encanto, los peces de colores. Donde el negro se ha convertido en oro y tiene una vida mejor.

Exposiciones:

Solo - sin cables – Galería de GO, Amsterdam Grupo - SITAKI – AAF, Amsterdam2009 Solo - DRKPNK – Galería de GO, Amsterdam Grupo - Ocho – ROJO Espacio de Arte, Barcelona 2010 Solo - 9 – ufoArtgallery, Hong Kong Grupo - Edge of Love (curada con LA Artsprojekt), Strychnin Gallery, Berlín 2011 Solo - NOIR – Galería de GO, Amsterdam - NOIR 2 – Galería de CAVE, LA grupo - Carrera, Munchen - Kunstliefde, Utrecht - Carrera, Berlín - Moniker, Mather Gallery, Londres - Blooom, Köln 2012 solo el futuro planeado - Galería de CAVE, LA

A continuación parte de su trabajo:

Si te quedaste con ganas de conocer más sobre su trabajo te comparto como siempre los enlaces:

http://www.sitnie.com/

https://www.facebook.com/profile.php?id=684000694

La inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando, desde puebla @Hosber_

Hoy, para todos los amantes de la fotografía les traigo un portafolio que en lo personal me gusto bastante por los bellos paisajes y escenas impresionantes que logra tomar o manipular y se trata del fotógrafo Nathan Spotts  fotógrafo profesional de California.

A lo largo su vida, la fotografía ha estado él un gusto que le vino de sus padres ya que también se dedicaron a la fotografía.  Un fotógrafo al cual su inspiración diaria es lo que le rodea y sobre todo la gente y los bellos lugares a los que visita.

Estudio  en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, y sus obras han sido expuestas y publicadas por el arte múltiple y revistas de diseño, libros y galerías.

Spotts  a  menudo se imagina lo que está más allá de lo que podemos ver. Que sin duda muestra en estas fotomanipulaciones  fantásticas que creó con ese concepto en mente. Son imágenes de escenas que no son reales, pero siente como que así podría ser.

Empezó a estar seriamente interesado en la fotografía a partir de la escuela secundaria, pero desafortunadamente no había clases de fotos ahí, es por eso que se vio obligado a aprender por sí mismo con la ayuda de sus padres, sobre todo su padre, el que le proporcionó su primera cámara real.

A continuación parte de su trabajo:

Aun que no tiene trabajos con grandes marcas o empresas es un fotógrafo con mucho talento y un futuro muy prometedor, no me sorprendería ver su fotografía en muchas partes en los próximos años.

Si tú te quedaste con ganas de ver más te comparto como siempre los enlaces:

Sitio web 

Behance 

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DeviantArt 

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Como hace unas semanas les había comentado el hecho de tener un amplio acervo visual dentro de la profesión del Diseñador Gráfico abre mucho la mente de los jóvenes creativos y gran parte de esto viene de observar a nuestro alrededor, dar un vistazo a los padres del diseño grafico y mirar todo lo que nos rodea. Y como parte de la tarea que hace un tiempo me propuse es mostrarle a los lectores algo que poco a poco se ha ido perdiendo en las universidades y que es ver a los padres fundadores del Diseño Grafico Moderno.

Alphonse Mucha, Nacido en 1860 en la Ciudad de Moravia fue un pintor y artista decorativo reconocido principalmente por ser uno de los máximos exponentes del Art Noveau y uno de los padres de lo que hoy conocemos como Diseño Gráfico.

A corta edad mostro un interés muy particular por el dibujo por lo cual trabajo para diversas compañías teatrales y haciendo pinturas decorativas para las puestas en escena,  pronto emprendió su estudios en la Academia de Bellas Artes de Múnich y al mudarse a parís siguió con su formación académica al mismo tiempo que produjo un sinnúmero de ilustraciones y anuncios publicitarios, al igual que su salto a la fama vino cuando hiso su primer cartel litográfico para actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou y fue a parir de ahí que su carrera creció como la espuma pues realizo un sinnúmero de pinturas ilustraciones anuncios publicitarios joyería y hasta las escenografías y el papel tapiz para dichas obras.

Quizás lo mas importante en el estudio y admiración a tan grande artista viene en que no solo ayudo a implantar las bases del Diseño Gráfico si no que fue uno de los primeros en cobrar por un trabajo de ilustración así como también crear anuncios publicitarios que ayudaban a las marcas a irse consolidando y vender sus productos.

Hasta la próxima semana

BOWA

Hoy quiero presentar el trabajo del artista inglés, experto y amante de las bellas artes llamado Russ Mills.

Mills nació en 1971 en Exeter, Devon. Reino Unido, graduado de la Universidad de Leeds Met en 1995 después de completar una licenciatura en Artes Gráficas y Diseño, especializado en cine experimental y animación. Después de encontrar un empleo remunerado en diversas organizaciones volvió a lo básico y comenzó a trabajar con la pluma, el lápiz y el ordenador.

Han pasado casi 20 años en fomentar sus habilidades, absorbiendo influencias de todas las facetas de la cultura visual y el archivo de objetos encontrados y objetos efímeros para justificar su trabajo, otros maestros del pasado, como Van Gogh, Picasso, Pollock, Basquiat también tienen una gran influencia en lo que hace.

Ha trabajado como ilustrador freelance con numerosos clientes en la publicación y el entretenimiento, más recientemente, persigue la galería más tradicional con exposiciones individuales en Londres y Bristol, y muestras colectivas en los EE.UU.

Su trabajo actual es un choque de estilos desde el clásico al pop surrealista, centrándose principalmente en la forma humana, aunque también abstraer elementos de la naturaleza y el reino animal. Temas que abarcan como la superficialidad y el aislamiento progresando en más socio-políticas expresiones.

EXPOSICIONES:

2001 Mostrar Group – filtro Gallery.BRIGHTON 2001 Muestra Colectiva – Galería Coningsby. LONDRES 2008 Solo Show – Galería de hélice roja. BRISTOL 2008 Muestra Colectiva – Galería Vyner St. LONDRES 2008 Muestra Colectiva – Ultralounge. Selfridges. Londres 2009 Muestra Colectiva – Dreweatts Arte Urbano 2009 Muestra Colectiva – Galería de Armas de la elección. BRISTOL 2009 Muestra Colectiva – Dreweatts 2010 CLIENTES EE.UU. Playstation Revista Futuro Edición-Imagine FX revista The Royal Court

A continuación parte de su trabajo:

Sin duda un artista muy recomendable pero si te quedaste con ganas de ver más, como siempre te comparto los enlaces:

Sitio web 

Behance

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