Con once nominaciones al Oscar, La invención de Hugo es la gran favorita para llevarse la noche de premiación. Pese a que no entiendo del todo cuál es el sistema de elección o los parámetros que atienden los jueces, no encuentro cómo podrían no ahogar en aplausos a Martin Scorsese aunque sea un ratito. Sin duda es cierto que la experiencia en formato 3D magnifica la videncia, aunque Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton nos mostró ya que la combinación del 3D en un relato fantástico y un director consagrado no es garantía de calidad ni de éxito, que se necesita algo más.

Por su parte, La invención de Hugo, basada en el libro homónimo de Brian Selznick, es una bellísima historia infantil de aventuras, en la que la misión es resolver un misterio y meterse en líos en el camino. Suena común, ¿no?, sin embargo la película de Scorsese se va convirtiendo en un festín cuando aparece a cuadro el esqueleto metálico de un autómata descompuesto al lado de Hugo Cabret y su padre, un experto relojero que deseará conocer su funcionamiento secreto y repararlo. La figura del autómata recuerda a las máquinas creadas en el siglo XVIII por Pierre Jaquet-Droz y, casi en silencio, hace hincapié sobre la fascinación que estos artilugios han provocado por la facultad para cuestionar la naturaleza animada y los límites del hombre para intervenir en la creación y reproducción de la vida.

Así, Hugo sabe que la maquinaria averiada del autómata guarda un secreto, como una caja de música que se niega a revelar el origen de sus notas porque le gusta creer que es un milagro; por ello, Hugo quedará encantado por el engranaje que observa día a día y no podrá escapar de la obsesión y delirio que los autómatas siempre han incitado en los espíritus creadores, en aquellos que también, a finales del siglo XIX, sentaron las bases para la aparición del espectáculo de los sueño: el cine.

Aquí el festín de Scorsese traslapa la atención del universo del autómata a la vida y obra de un pionero en la magia cinematográfica, el abuelo George Melies. La crítica ha señalado las imprecisiones históricas respecto a la biografía de Melies, exigiendo a su director que si la película se ideó como una clase de cine ésta, finalmente, fuera impecable. Afortunadamente tenemos wikipedia y enciclopedias de cine a nuestra disposición para cultivarnos el conocimiento con fechas exactas y acontecimiento comprobados; pero, ¿realmente es importantísimo para la película tener una imagen “verdadera” de uno de los más grandes ilusionistas y constructores de juguetes?

En lo personal, en todas las referencias a George Melies siempre me resulta natural que la imagen de la luna con un cohete en el ojo derecho aparezca como foto biográfica. Eso me parece que es una imprecisión histórica pero ilustra fidedignamente a George Melies. En conjunto, La invención de Hugo vale la entrada al cine para verla en 3D, aunque si prefieren estar en la comodidad de su hogar les deseo suerte con la descarga que al parecer está complicada. No estaría de más que si alguno tiene éxito en su búsqueda tenga la cordialidad de compartir el link, recordemos que son tiempos difíciles en Internet y que los sobrellevaremos compartiendo.

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El pasado 18 de enero, a propósito de las protestas contra las leyes SOPA (Stop Online Piracy Act) y PIPA (Protect IP Act) – así como todas sus símiles en el mundo– varios sitios en Internet se unieron a la operación blackout. Así, mediante este apagón se dio una probadita de cómo sería la red si la mafia de los contenidos logrará que las leyes que favorecen la propiedad intelectual privada y anónima fueran votadas y aprobadas. No deja de sorprender y emocionar la cantidad de información creada y compartida para dar a conocer la peligrosidad y dimensiones de SOPA/PIPA, basta con googlearles para tener acceso a videos, audios, post, tweets que aluden y cuestionan lo que es ya una realidad: la guerra declarada contra las ideas por parte de las grandes corporaciones.

Es por eso que el documental RIP: A Remix Manifesto (Brett Gaylor) sigue tan vigente como en 2008, año en el que fue producido y exhibido bajo la figura de distribución y acceso libre, opensource. Filmado y editado en un periodo de seis años, RIP: A Remix Manifesto no sólo es una película que da gozo estético sino que con la seriedad y profesionalismo, del tipo que solamente el humor y la frescura son capaces de contener, nos introduce en el universo social reconstruido luego de que la tecnología permitiera a los consumidores compartir masivamente información y, sobre todo, la posibilidad de hacer de esa información algo más.

La aparente pasividad de los devoradores mediáticos se ve minada cuando la remezcla de contenidos se convierte en una realidad al alcance de cualquiera con acceso a una computadora e internet. Nuevos procesos creativos revolucionaron al arte, al periodismo, a la comunicación, a las relaciones sociales y culturales; modificaron el estatuto de receptor en creador y en distribuidor. Esto significó, en términos prácticos la inoperancia de la industria cultural y su innecesario rol como intermediario entre el contenido y el público. Las ideas estaban al alcance de maneras nunca antes vistas y de formas nunca antes vistas también fomentaron la creatividad, el poder cambiaba de manos ante la sorpresa de todos.

Brett Gaylor usa en RIP: A Remix Manifesto como hilo narrativo al músico norteamericano Girl Talk, ícono de la cultura del mash-up y de la ilegalidad con respecto a la cultura de copyright, al hacer uso no autorizado de contenido musical protegido por derechos de autor en sus canciones. Asimismo, la película logra recoger los testimonios de batalla de importantes activistas y luchadores por la protección del dominio público y libre intercambio de las ideas. Acompañado por Lawrence Lessig, abogado y fundador de las licencias creativas CC (Creative Commons) -que buscan facilitar un modelo legal en el que el autor defina los derechos que le parezcan apropiados para su obra-; así como por Dan O’Oneill, quien en la década de los sesenta se enfrascó en una afrenta legal con la empresa Walt Disney por rediseñar a Mickey Mouse como un traficante de drogas; Cory Doctorow, escritor de ciencia ficción y periodista pro liberación de la cultura; y el músico brasileño y Ministro de Cultura de Brasil durante algún tiempo, Gilberto Gil, se comparten experiencias en la construcción de una sociedad basada en la libertad de compartir. En conjunto, el documental concreta un manifiesto que dice más o menos así:

1. La cultura siempre se construye del pasado.
2. El pasado siempre intenta controlar el futuro.
3. Nuestro futuro está perdiendo su libertad.
4. Para construir sociedades libres debemos limitar el control del pasado.

Lleno de referencias para seguir el desarrollo de la lucha contra leyes como SOPA y PIPA, RIP: A Remix Manifesto es una obra que habita lo que cree, es también una aportación importante al entendimiento de las implicaciones económicas de las grandes corporaciones y de lo que no dejaran ir con facilidad: el control de las ideas, de los contenidos. Es, igualmente, una inyección de entusiasmo porque expone cómo el futuro, internet y sus consumidores-creadores entendemos imposible la pérdida de la neutralidad de la red. Hemos comenzado a convencernos, poco a poco, que el poder no radica ya totalmente en la industria sino que una rebanada, cada vez mayor, ha sido dispuesta en el plato del usuario y que tampoco la vamos a dejar ir con facilidad.

RIP: A Remix Manifesto está subidísima y subtitulada en youtube y es legal descargarla desde su sitio y otros sitios.

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El festival de Cannes de este año fue con seguridad para Lars Von Trier muy especial; por un lado estrenaba con éxito su reciente filme Melancolía y, por el otro, era señalado como persona non grata por declarar con ironía algún tipo de simpatía hacia Hitler. Obviamente, el desgarre de vestiduras no se hizo esperar, señalado como pro nazi Von Trier solamente tendría que añadir ese adjetivo a los extensos listados a favor y en contra que se hacen alrededor de su controversial figura y filmografía. Por semanas, las notas trataban la ofensa de Von Trier y la crítica de Melancolía como si se implicaran la una a la otra, como si formaran parte de un tejido, dando al filme un tono de opacada incorrección que dista mucho de tener. Todavía, supongo, con el amargo y agresivo recuerdo que fue para muchos Anticristo (2009), y aunadas las declaraciones de su director, no es difícil creer que Melancolía fuera esperada por el público como la última parte de un díptico funesto del fin del mundo.

El prólogo del filme es una serie de hermosas imágenes ralentizadas en las que sin diálogo se anuncia una caminata inevitable al final de los tiempos. Como señal profética del apocalipsis aparece a cuadro Melancolía, un planeta que había estado escondido tras el sol, cuya trayectoria va directo a golpear fatídicamente a la Tierra. Compuesta en dos partes, la premiada Melancolía captura los momentos álgidos de dos hermanas Justine y Claire; en la primera parte, la pomposa boda de Justine (Kirsten Dunts) acapara toda la atención por su belleza y suntuosidad; sin embargo, el banquete mostrará un tipo de descomposición familiar que recuerda a La Celebración (Thomás Vinterberg, 1998) y no es sorpresa, ya que ésta forma parte de los filmes que se realizaron con las especificaciones del movimiento fílmico Dogma 95, del que Lars Von Trier es co-fundador. Pero será la fractura psicológica de Justine durante su boda lo que brillará junto a la cada vez más clara y cercana luz del planeta Melancolía.

En el segundo capítulo, Claire (Charlotte Gainsbourg) muestra un lado oculto hasta entonces. Luego de que en el episodio de Justine ejecutara con maestría el rol protector, de hermana mayor de una discapacitada emocional, se sumerge en el más existencial y humano de los temores: el del fin del mundo. Obsesionada por la cercana presencia de Melancolía, va olvidando su entorno para enfocarse en sus propios miedos. Su rostro pasa de absoluta abnegación a total desencaje, Claire ante Melancolía se encuentra vulnerable, desesperanzada e impotente; al contrario de Justine, es incapaz de captar la belleza en la certeza del fin.

Lars Von Trier es un catastrofista desbordado, un personaje que ronronea en sus fatalidades psicológicas, que se permite –porque puede, quiere y le viene en gana- la arrogancia y presunción tan buscada por la prensa sensacionalista, fans y detractores por igual; subvierte los temas y las formas como quien con necedad dice sonriendo que el cielo es rojo solamente por molestar, esperando que algún purista brinque y saque espuma de la boca. En lo personal, Anticristo me llevó tiempo digerir y reconciliar con mis propios prejuicios y posturas; el caso Melancolía es diferente porque no hace daño, no incomoda, no hace cosquillas, cuando mucho podría aburrir si no se tiene inclinación por la miseria humana y los desastres anímicos.

Melancolía es un dulce para las almas fatalistas, para la generación que afirma que habrá de ver el fin del mundo, que siempre verá en HD y 3D las películas sobre los últimos días del planeta, los que se van a casa al salir del cine pensando “¡qué mal pero ojalá lo vea, qué evento, me voy a abrir un blog!” Melancolía podría prescindir de varios de sus callejones preciosistas; podría, pero para qué prescindir de lo que decora y no afecta; lo que sí no es opción es no ver es el final del filme, me uno a quienes consideran que sólo por eso es imprescindible, lo demás va a la cuenta de cada cual.

Melancolía, como casi todo, está online y para descarga subtitulada.

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En diciembre del 2008, la prensa mexicana informaba sobre la detención de ocho personas con vínculos al cartel de Juárez; siete hombres y una mujer: Laura Elena Zúñiga, Miss Sinaloa. La noticia estuvo siempre acompañada de imágenes suyas, en la sala de prensa de la Procuraduría, con la mirada viendo baja hacia sus pies, desencajada, y algunas otras del certamen donde fue coronada. El antes y el después fascinó a la audiencia; así como todavía lo hace la cercanía de bellezas reconocidas con el poder y la riqueza: deportistas, políticos y narcotraficantes. La historia de la Miss Sinaloa se diluyó entre las noticias que vinieron, se perdió en la intensificación de la violencia en la guerra que se lucha en México; y, ahora, dos años después, regresa como figura de inspiración en la creación de Miss Bala (2011), cinta dirigida por Gerardo Naranjo.

Miss Bala es una joven cuya habitación está decorada con afiches de Lupita Jones, tiene veintitrés años y desea representar a la belleza de Baja California en un certamen de belleza. El sueño lo comparte con su amiga Azucena Ramos, quien además busca conectes entre agentes policiacos para ganar el concurso que la llevaran hasta el VIP de un baile en la noche de Tijuana. Laura Guerrero –Miss Bala-  en una suerte de broma premonitoria, dice que el premio para la reina es cogerse a un vato rico; ahora sabemos que sus expectativas estaban elevadas, porque con una velocidad vertiginosa su historia se transformaría en un thriller confuso y angustiante. Cuando Miss Bala se topa con el líder de un grupo paramilitar en el baño del baile, y éste “simpatiza” con ella, inicia la caída libre en medio de un tiroteo.

Ficcionar cinematográficamente sobre la marginalidad, la Gran Ciudad, la corrupción y, ahora, el narco ha sido una constante en la producción mexicana de las últimas décadas. En la constante, es posible distinguir la tendencia a la caricatura y estereotipo por medio de la exageración, el sarcasmo, el ridículo y el doble sentido. En la galería mental del crimen, la violencia, el soborno, la política y la ilegalidad  que nos ha dado la industria, a partir del Nuevo Cine Mexicano, figuran siempre las películas de Luis Estrada; por lo que no me sorprende que la crítica esté intentando encontrar las diferencias profundas entre El Infierno y Miss Bala; sin embargo, aunque me parece válido y predecible que se haga ese análisis, creo que más que enormes diferencias encontraran buenas ausencias.

Miss Bala nos ahorra la mayor parte de la película los diálogos, siempre pobres, con los que las anteriores representaciones mexicanas de la realidad política y social nos someten; también evita –con un cuidado evidente- echarnos a la cara y al “sentimiento” a otro villano más para odiar y reír. No vemos a cuadro la simpatía del narco ni del corrupto, tampoco la sonrisa de Damián Alcázar llevándonos de la mano por la tragicomedia del melodrama de nuestro México. Tal vez, lo más obviamente satirizado sea el retrato del universo de los certámenes de belleza; la sonrisa, la apariencia, el proceso de preguntas-respuestas que tanto material han dado para ridiculizar a las mujeres que participan en ellos. Por lo demás, la historia misma da la impresión de estar desenfocada, de no tener tiempo para detenerse en ningún punto, de no querer estar, de no desear mostrar nada más que el miedo de su protagonista -que hará de estandarte de las víctimas de esta guerra-; entonces, Miss Bala vista desde el microscopio es la minúscula célula de algo enorme; es el especial de detrás de cámaras del crimen, construido siguiendo el rastro de una mujer por un par de días.

La película de Gerardo Naranjo no tropieza en algunos baches del cine mexicano, los rodea con gracia; aún así, no pierde el toque intelectualizado, de regodearse en querer ese cine para pensar, de buscar ese cine de reflexión tan reincidente los últimos veinte años. Lo apremiante del tema del miedo, de la inseguridad social; es decir, la actualidad tópica de Miss Bala, con suerte nos abrirá camino a otro tipo de representaciones –ojalá menos melodramáticas y más asertivas- y, con ello, a una mejor compresión de nuestra realidad.

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El documental que pretendía realizar el activista Timothy Treadwell, a propósito de las largas temporadas que durante trece años pasó en una reserva natural en Alaska, conviviendo con osos grizzly, dio origen a más de 100 horas de grabación; las cuales llegaron, finalmente, a las manos de Werner Herzog, quien en 2005 estrenaba exitosamente en el Festival de Sundance Grizzly Man. El material audiovisual que produjo Timothy Treadwell adquirió valor renovado luego de que en el año 2003 muriera trágicamente –en compañía de su novia-, justo como muchos y él mismo habían vaticinado, en las fauces de un oso grizzly.

Su actividad como ecologista fue siempre polémica y transgresora, por lo menos lo suficiente para convertirlo en una figura mediática. Sin embargo, no es el hábitat ni la naturaleza salvaje de los osos en sí misma lo que da cuerda a Herzog sino, tal vez, la intervención insistente de un antihéroe risible y tierno, de un protector autodestructivo, de un amante dolorosamente obsesionado con su objeto de deseo. Al ver el documental, es difícil deshacerse de la sensación de burla, de la posibilidad de que la aparición de Treadwell a cuadro sea parte de una broma de cámara escondida que les están jugando a los osos.

La premisa es el desequilibrio por intervención, Treadwell altera la dinámica entre el mundo animal y el humano en un afán puro por salvaguardarlo; y, por otra parte, Herzog conscientemente media entre los varios personajes de Treadwell; así, por medio de entrevistas a amigos recrea a un ser casi mítico, a un hombre que de a poco se metamorfoseaba

en oso; el testimonio de especialistas, médicos y socorristas que recuperaron lo que quedó de su cuerpo encuentran en la heroicidad nada más que necedad y locura. Las imágenes no niegan el vínculo misterioso entre Treadwell y los animales, pero como narrador Herzog –en voz en off- confiesa no haber encontrado ningún indicio de aquello mágico que éste cree percibir.

En un diálogo no presencial Herzog vislumbra también al Treadwell documentalista, al creador perfeccionista de planos, al director que repite una y otra vez escenas, al motivo detrás de la cámara. Confronta métodos, lo observa y lo encuentra profundamente bello, oscuro y valiente; le reconoce cualidades que ni el ser mítico ni el outsider contienen.

Grizzly Man es el método propio de Herzog, es su representación sobre la observación documental, sobre el proceso en la creación de un personaje pre edificado, de carne y hueso, casi real. Es el retrato de Timothy Treadwell; probablemente no el retrato que tenía en mente cuando despotricaba contra el sistema o cuando se confesaba frente a la cámara arreglándose el cabello; pero es un buen retrato y, sobre todo, es un excelente pretexto para reflexionar sobre el cine documental, sus métodos, sus valores etnográficos y artísticos estrechamente vinculados a la construcción de la realidad.

Así, les recomiendo ampliamente Grizzly Man, tanto como les recomiendo ignorar las imágenes de su autopsia o del supuesto audio que circula en Internet relativo al ataque del oso que lo mató; siempre que no sean fans del gore o de la revista Alarma, no es una experiencia agradable. Qué la disfruten.

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Trailer acá:

Mi acercamiento a las series inglesas había sido mínimo; hasta entonces, podía recordar, con frescura, solamente la videncia de Dead Set (2008). Tal vez sea la costumbre al lenguaje audiovisual y narrativo de las series norteamericanas, pero es inevitable la sensación de que se está contando algo novedoso, un humor evidentemente diferente, hilarante e ingenioso. Habría que partir este pastel en rebanadas pequeñas y comérselo de a poco; pero lo cierto es que con sólo 13 episodios, resulta difícil no pasar un fin de semana completo enganchado frente a la pantalla.

Pero volvamos al día de la tormenta eléctrica en la que Kelly, Curtis, Alisha, Simon y el encantador Nathan, luego de pintar bancas afuera del centro comunitario, cambian sus vidas para siempre al recibir superpoderes: telepatía, invisibilidad, regreso al pasado, inmortalidad y producción incontenible de energía sexual en los demás. Lo divertido no reside en el superpoder en sí mismo, sino en las infinitas posibilidades para aplicarlos del receptor. Considerando la naturaleza conflictiva, agresiva, ególatra, confundida y anti social de este increíble quinteto, sobran líos para lucir sus nuevas habilidades. Los superhéroes suelen quebrantar las leyes con frecuencia, empezando por las de la física y siguiendo con las del orden social; entonces, ¿por qué habría de ser extraño que cinco delincuentes –que bien podrían ser nuestros amigos- se conviertan en los próximos héroes, unos de los más divertidos e inusuales de la televisión-?

Con un opening musicalizado por The Rapture y las tantísimas esperanzas de un buen coctel de ciencia ficción y comedia, se proyecta para el otoño del 2011 el inicio de la tercera temporada. Se rumora que el elenco sufriría pérdidas, que en lo personal considero irreparables; sin embargo, habrá qué estar atentos en lo que sucederá con Misfits y sus, tal vez, renovados superpoderes.

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Una voz en off comienza a narrar el significado de la muerte, las imágenes reviven esos momentos brutales; mis ojos frente al monitor esperan saciar ese morbo tan humano. De pronto ocurre un asesinato frente a mí, la respiración me sofoca, estoy viendo Traces of Death, mejor conocida como Trauma… No soy capaz de ponerle stop, son imágenes reales…

Al recibir estímulos visuales y sonoros en el cine, el espectador decodifica a partir de su experiencia próxima; en el proceso se conjugan sus emociones, sus ideas, sus juicios, su carácter y hasta sus prejuicios. Si bien, lo audiovisual es sí mismo ya tiene una carga psicológica, es el receptor el que le da sentido a lo dramático, a lo cómico, a lo erótico o a lo violento, sin embargo, el valor real de las películas viene cuando éstas se convierten en vivencias, en una anécdota más, cuando se nos ubica en un contexto cercano, cuando sin haber salido de la sala somos testigos de historias que enaltecen o degradan al ser humano; desde una secuencia de amor sutil hasta un recuento de hechos agresivos y explícitos. Me detendré en estos últimos.

El séptimo arte se inspira de la realidad y la violencia ha sido retomada desde sus inicios, por ejemplo la primera película de ficción del cine mexicano “Duelo a pistola en el bosque de Chapultepec” de Gabriel Veyre (1896) es la representación de un caso real que escandalizó a las audiencias, dos diputados se enfrentan y uno de ellos es asesinado frente a la cámara, aunque es ficción, las imágenes resultan realistas y explícitas para la época.

Actualmente los hechos violentos de nuestra sociedad siguen inspirando a las temáticas del cine; en “El Infierno” de Luis Estrada (2010) se reinventa a la tortura, a la narco guerra, a la crueldad del México contemporáneo. Por lo tanto, los filmes no son violentos gratuitamente, son el espejo de lo que somos y de la forma en la que asumimos la ira, la frustración, la envidia o la venganza. Somos espectadores que alentamos el morbo con espectáculos fílmicos manchados de sangre. Aceptémoslo: nos gusta la pena ajena. Que muera, que sea torturado y que sufra el que está en la pantalla, al fin es un espectáculo cinematográfico. Por otro lado, continuamente se sataniza la influencia que ejerce el cine en las audiencias cuando éstas imitan actos que atentan contra la integridad de los demás, sin embargo, culpar a los directores o productores de fomentar actos violentos sería negar que somos gente que confronta sus valores y anti valores con la pantalla. Tal vez el cine puede inspirar, pero no determinar un acto cruel en la realidad. Por ello revivamos los siguientes filmes, analicemos, cuestionemos y confrontemos su contenido; sólo es un espectáculo manchado de unas cuantas gotas de sangre.

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Por Héctor Juárez Juárez @communicador

Nuestro México tiene mucho que ofrecer y por lo mismo muchas veces pasamos por alto muchos festivales y eventos que son realmente enriquecedores, pero para eso estamos aquí en Graphiclust para recomendarles algunos de los eventos que llegan a nuestro conocimiento.

Entrando en materia hoy que caminaba por alguna de las calles de esta gran ciudad de México, me tope con un poster que anunciaba la SEGUNDA EDICIÓN de DISTRITAL, se preguntaran como yo (a lo mejor algunos no todos).

Que es Distrital? Pues bien Distrital es:

El festival de cine creado por la sociedad civil para los públicos de la ciudad de México y propone vivir una experiencia estética más allá de las pantallas proyectando una plataforma de diálogo entre el cine y los otros mundos que conforman las artes audiovisuales.”

El festival cuenta con 6 sedes que son: Lumiere, Tlatelolco, Cine Lido, Cineteca Nacional y el MUACG. El costo va desde 15 pesitos hasta 40, y en el MUACG, es gratis!

Cuanto durara este festival? Será desde el 27 de Mayo hasta el 5 de Junio de 2011. Así que tenemos una semana para asistir y disfrutar de este festival!!

Para más información sobre Distrital, visiten su pagina oficial distrital.mx, también están en twitter como @distritalmx, en el facebook y youtube.

Si van, coméntenos que fueron a ver y su opinión, ya que es muy importante para nosotros. Y también si les gusta este tipo de festivales.

Que tengan un estupendo fin de semana y a gozar de lo que esta ciudad ofrece, recuerden tomen lo bueno y dejen lo malo!!! =^_^=

Me pueden encontrar en twitter como @adrixzlo =^_^=

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¿Quién no se ha ido a la cama pensando en frases como “nada es para siempre”, “todo por servir se acaba”, “no hay fecha que no se llegue ni plazo que no se cumpla”? Aplicadas en un contexto específico nos llevan a reflexiones emocionales pero también a dibujar una imagen mental –fugaz tal vez- del tiempo y su implicación en nuestras vidas diarias.  Concluir, dar por finalizado es ese “siempre” que ha perdido sentido, son todas esas fechas y plazos cumplidos; es, asimismo, saber que lo que acaba es posible de remplazar por algo que, sin duda, no será igual y que, con muchas probabilidades, podrá ser mejor. En otras palabras, nosotros y la totalidad de lo que nos rodea tiene una vida útil, un ciclo; sin embargo, aún caben preguntas como qué determina el valor de la variable utilidad, quién y cómo decide el tiempo de durabilidad. Estas son las interrogantes en las que se articula el documental Comprar, tirar, comprar que a principios de esta año la televisión española RTVE emitió.

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Su directora Cosima Dannoritzer comienza con el caso de una impresora que tras haber vencido su garantía es diagnosticada como obsoleta e irreparable. Su dueño inicia, entonces, una afrenta contra la economía de consumo que dicta la compra de una nueva impresora; lanzándose así al descubrimiento de que los fabricantes diseñan y construyen los productos determinando la vida útil; es decir, determinan cuándo el consumidor estará comprando una nueva impresora. A esto se le conoce como obsolescencia programada e inició como estrategia de crecimiento económico con fuerza alrededor de 1920, cuando se aplicó para aumentar las ventas y activar la economía.

Así, creativos, diseñadores e ingenieros tuvieron que modificar valores y objetivos con la finalidad de construir fragilidad. La prioridad ya no era innovar en la mejora del producto, hacerlo más sólido o duradero sino lo contrario: crear y diseñar el fallo, la fragilidad.  Comprar, tirar, comprar narra la historia de la negada obsolescencia programada a partir de la historia de vida del foco encendido ininterrumpidamente más viejo, fabricado en 1895. Con esto sabemos que los focos y sus usuarios fueron las primeras víctimas de la obsolescencia programada, cuando se decidió disminuir la duración de los filamentos lumínicos dando como resultado menos horas de luz.

Cosima Dannoritzer nos cuenta el caso similar de las medias de nylon y el impacto económico implícito. Luego, nos sitúa en una problemática que nuestra generación reconocerá con mayor facilidad; esto es la demanda masiva que debió enfrentar Apple por la poca duración de la irremplazable batería del Ipod.

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Esto dirige el documental a una arista en la que devela la existencia de una nueva generación de consumidores que eligió ir en contra de las normas fabricantes y económicas de la sociedad de consumo. No solamente aparecen aquellos llenos de ira que deben comprar una nueva versión de lo mismo cuando aún no terminan de pagar la anterior, sino que se devela el impacto ecológico y el drama que el medio ambiente sufre ya por la sobre producción, la generación exagerada de basura, la toxicidad en los materiales de que están hechos los productos, etc. Nos traslada a imágenes y testimonios de activistas contra el flujo constante de desechos electrónicos a África, a pesar del tratado internacional que prohíbe enviar productos de segunda mano que no se puedan reparar. Esto significa que hay zonas convertidas en vertederos de basura electrónica.

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Los fabricantes hacen lo propio cuando diseñan un producto con fecha de caducidad, aquí las opciones derivan en comprar otro producto o repararlo por cuenta propia pese al costo. Pero qué sucede cuando somos nosotros quienes deseamos esa nueva versión de lo mismo, ese nuevo color, esa nueva aplicación que el anterior no tenía. A esto se le llama Obsolescencia percibida: y es el momento de sentirnos un poco mal, bajar la cabeza y aceptar que hemos sido seducidos por la novedad y que, en mayor o menor medida, respondemos a la necesidad de desechar lo muchas veces útil. El incipiente remordimiento que me provocó, me hizo recordar lo que Zigmunt Bauman escribió sobre la búsqueda de la liviandad, variedad y velocidad  de lo que él llama el homo consumens,

La vida útil de los bienes por lo general sobrevive a la utilidad que tienen para el consumidor. Pero si son usados repetidamente, los bienes adquiridos frustran la búsqueda de la variedad, y el uso sostenido hace que pierdan su lustre y su brillo. Pobres aquellos que, por escasez de recursos, están condenado a usar bienes que ya no prometen sensaciones nuevas e inexploradas.

El deseo por la felicidad, por la eliminación de las carencias; así como los desapegos resultados del ritmo laboral, de la transformación de las necesidades anímicas, de la construcción de la identidad por el uso temporal de objetos dadores de estatus, todo ello marea al pensarse como un engranaje para el crecimiento de la economía y nosotros, el consumidor, el eterno deudor, como una minúscula pieza de esa maquinaria.

Este documental nos lleva a reflexionar sobre la función de los Don Drapper del mundo, sobre el deseo “natural” de comprar y desechar, sobre las consecuencias de los sistemas económicos mundiales, dadores de pequeños y breves placeres como: Comprar, tirar, comprar.

Aquí el documental:
 

 

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Tiempo atrás vi una película de esas animadas con personajes de pasta y en stop motion. Siempre que veo ese tipo de películas son dirigidas a la audiencia infantil. Pero la película de Mary & Max, esta dirigida a una audiencia mas adulta, igual de unos 16 o 17 en adelante. Ya que trata de dos personas que buscan el sentido de las cosas, de lo que mueve al mundo y por que las personas se comportan de cierta manera.

Ahora en estos tiempos modernos con las computadores, con el msn, el skype, el twitter, etc. Podemos comunicarnos con personas que están a miles de kilómetros de nosotros, intercambiar puntos de vista. Es bastante practico, pero a veces se pierde como que ese toque mágico. Se acuerdan cuando escribían cartas ya sea a mano o  en maquina de escribir? Irla a dejar al correo, ponerle su estampita y ver como se perdía entre los miles de sobres para poder dirigirse a su destino? Pues esta película no enseña todo eso, jajaja…pero lo que si demuestra es como dos personas tan distintas pero al mismo tiempo parecidas, inician una comunicación vía correo convencional. Ambos dedican tiempo a contestar las cartas del otro hasta crear una hermosa amistad.

La película tiene sus momentos negros y crudos de realidad, pero entre esa crudeza y realidad, también tiene su lado cómico, desde hotdogs de chocolate hasta bebes que vienen en latas.

A continuación podrán disfrutar de 9 mins de Mary & Max, en esta parte podrán ver la contestación que Max le da a Mary en su primera carta. Espero que lo disfruten y se animen a verla entera.

Esta película yo no la vi en cartelera, pero igual si se dan una vuelta por el Blockbuster o en itunes, puede que la encuentren y si la encuentran, les recomiendo que la vean ya que es una joya de película.

Para saber mas de esta película y de sus inigualables personajes visiten la pagina oficial de Mary & Max.

Que tengan un excelente fin de semana!! =^_^=

Recuerden que me pueden seguir en twitter @adrixzlo