A finales del año pasado, Heineken® convocó através de su página de Facebook a diseñadores del mundo a crear su imagen del 140 Anivesario en el concurso “The Heineken Limited Edition Design Challenge”.  Fue un concurso donde pretendian que virtualmente pudieran hacer equipo dos distintos diseñadores. Entre ellos se encontraban Rodolfo Kusulas, mexicano estudiante de Diseño Industrial en el Tecnológico de Monterrey  y el inglés Lee Dunford , diseñador de empaques y que reside en Australia actualmente.

El 29 de marzo en la ciudad de Ámsterdam dieron el comunicado de los ganadores y anunciaron que entre 30 mil competidores de aproximádamente 100 países distintos, ellos eran los ganadores del concurso. Ellos están muy felices y entusiasmados por el resultado; “Es absolutamente increíble pensar que mi diseño será realizado”, comentó Lee Dunford ;y por otro lado lo que comentó Rodolfo: “Pensar que mi nombre estará en una botella que será distribuida en todo el mundo es simplemente increíble. Se me pone la piel chinita sólo de pensarlo. Ni siquiera puedo expresar lo emocionado que estoy”

A finales de este año su diseño estará por todo el mundo; se realizarán 1 millón de botellas que además llevarán sus nombres, y no solo eso, pues sumándole a esta gran emoción que debe ser para ellos poder participar en esta celebración y que su diseño lo conocerán millones de personas, también ganaron un viaje todo pagado a la Heineken® Star Final 2012 en Cape Town, Sudáfrica para el próximo año.

Rodolfo explicó un poco más acerca de la creación de su diseño, pues lo que el concurso invitaba a hacer, era realizar una botella donde se reflejarán como iba a ser la comuniciación entre las personas dentro de 140 años. “Me puse a pensar que en 140 años, por la tecnología, vamos a estar todos conectados de manera invisible, no lo vamos a sentir, las distancias se van a acortar, cada vez vamos a estar unidos los unos a los otros; vamos a volver a ser un mundo sólido, un Pangea y así surgió la idea de unirlos continentes bajo la estrella símbolo de Heineken”.

Muchas felicidades a Rodolfo, es muy inspirador que el diseño mexicano se esté haciendo espacio cada vez más grande alrededor del mundo, y que en esta ocasión con un producto tan mundial y comercial se haga más claro que queremos y tenemos las herramientas para hacerlo y como dice el mismo Rodolfo “hay que arriesgarse”

Les dejó un video donde muestran un poquito más de lo que se trató el concurso >>> 140 Aniversario de Heineken

Las Pléyades están a 450 años luz de la Tierra, pero @pleyis a kilabytes en twitter, búscame! ^^

Los diseñadores nos valemos de ciertos objetos, que representan herramientas muy útiles en nuestro trabajo, sobre todo en el proceso creativo….

Sketchbook, Notebook. Aquí es donde se boceta de manera cotidiana, o en donde escribimos nuestras ideas. Si dejáramos a un lado la costumbre de utilizar estos nobles “papel y lápiz”, se complicaría nuestro proceso creativo, ya que todo surge de nuestra mente para proyectarse primero con estas herramientas. Todo empieza a tomar forma desde esas páginas hasta que se materializa.

Smartphone. Sin una marca en particular… además de todas las aplicaciones que se pueden bajar, donde nos podemos apoyar más los creativos es en las funciones multimedia, es decir, la cámara integrada de fotografía y vídeo. En este sentido, mucho más allá de la utilidad como el “objeto que nos comunica” o “mueve información”, estas funciones nos ayudan a agudizar nuestra perspectiva para detectar el momento en que una imagen frente a nosotros… se puede convertir en una fotografía, o en un mensaje. Nos mantiene “alertas” (conectados).

Tablets. Aunque al principio fueron desarrolladas con un propósito (gadget para leer e-books)… con mucho éxito se fueron diseñando más aplicaciones, veamos… con este dispositivo no solo se puede “mover información”, escuchar música, jugar o tomar fotografías, también se puede Ilustrar, bocetar, hacer presentaciones, etc. Se ha ido adaptado como una herramienta diaria en el proceso de diseño, es muy versátil… hay muchos modelos, marcas, stylus, accesorios, pero lo importante es experimentar y aprovechar toda la gama de funciones.

Audífonos. Los audífonos nos transportan, nos conectan a la música o a los archivos de audio, son muy útiles, tal como si fueran alguna fuente de inspiración, inclusive hasta para concentrarnos son necesarios. Es un artefacto que en realidad no debe faltar.

USB. Universal Serial Bus… Desde hace mucho tiempo que nos ayudan a transportar archivos de un ordenar da otro, a “salvar” archivos de esos megaimportantes y megapesados. Antes eran los diskettes (hoy obsoletos, se conservan de recuerdo si a caso) después fueron los “Zips” y finalmente el usb. Actualmente tenemos más alternativas como los discos externos con un centenar de gigas o los servidores (como dropbox) en Internet… acá lo importante es que el usb o los discos externos, nos ayudan a organizar nuestros backups, nos facilitan la vida y los podemos traer con nostros todo el tiempo.

Un buen libro.  De diseño especialmente, obviamente puede ser cualquier otra área, acá se trata de conocer, de saber, de viajar, a través de un buen libro. Siempre nos mantiene integrados con la teoría o con las historias que cuentan otras personas… y eso es indispensable para nosotros los diseñadores.

Me despido bandita, ustedes qué opinan? cuáles son sus objetos preferidos?. Soy Erika, me pueden encontrar en Twitter como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima.

Al entrar en un proyecto donde debemos planear algún objeto de diseño, implica observar el fondo o escenario social de nuestra audiencia, su comportamiento, sus creencias, sus estilos de vida, es decir, la parte humana o vital del target. Bueno ese es el inicio, diseñar más allá del objeto es un proceso que conlleva pasar por cuatro niveles, acá se los dejo…

El primer nivel que se fue describiendo arriba, puede verse como el MARCO que al final realza la forma, las características que debe ir adoptando el objeto de diseño. Aquí, lo que debe importar es la “fotografía”, el escenario, la esencia del individuo… por supuesto es esa línea que diferencía los distintos segmentos de la audiencia.

El segundo nivel es la forma en la que vamos a VINCULAR, cómo vamos a “conectarlos”. Aquí es entender como se relaciona el hombre con la función del objeto. Es así que para cubrir esa vinculación necesitamos preguntarnos tres cosas: cómo van a distinguir el objeto, cómo vamos a captar al target y cómo mantenerlos interesados en ese objeto. Si vemos, el vínculo hacia la audiencia es una forma de ciclo (recuerden esta palabra), tiene que ser dinámico, propositivo, creativo… y coherente.

El tercer nivel es crear una PERCEPCIÓN. Digamos que la “conexión” del nivel anterior nos va a ayudar a que la audiencia observe y entienda el objeto para que experimente con él. Ahora, este nivel debe enfocarse en añadir valor al diseño… elementos significativos como por ejemplo: alta tecnología, comunicación eficaz, usabilidad, impacto en el mensaje, armonía, o simplemente “algo” que la audiencia no se espera. Para el target significa “vivir” la esencia de lo que representa el producto.

Por último el cuarto nivel es la RESOLUCIÓN (conclusión) o cierre del vínculo. Es volver a empezar el ciclo. Acá, lo importante es replantear el objetivo del diseño, y reformular la pregunta ¿cómo mantenerlos interesados? En esta etapa la audiencia se desliga del objeto de diseño y comienza a buscar otra alternativa. Como diseñadores este nivel es clave para detectar las necesidades de la nueva propuesta, significa actualizar, seguir transformando, transmitir otra imagen, etc. puede ser desde un cambio sutil hasta algo “muy innovador”. El mayor reto del “nuevo vínculo” es volver anclar al público, por eso siempre debe tomarse en cuenta desde el inicio del proyecto.

Si pasamos por estos niveles, si llegamos a entenderlos y aplicarlos… habremos hilado cada etapa del proceso y habremos diseñado más allá del objeto. Me despido bandita, quédense con esta frase:

“La gente ignora el diseño que ignora a la gente” Frank Chimero

Ustedes qué opinan?. Soy Erika, me pueden encontrar en Twitter como @dgraphicstyle. Me dará gusto leerlos, hasta la próxima.

referencia: mike press y rachel cooper “el diseño como experiencia”

Utilicemos la palabra DISEÑADOR para referirnos tanto a diseñadores como a DISEÑADORAS, no nos metamos en conflictos gramaticales y hagamos de este hashtag un espacio para compartir EL PORQUÉ somos DISEÑADORES. Éste será como ese post de #SabesQueEresDiseñador click para recordar.

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Entrando en materia les comparto mi razón, espero en Twitter compartan la suya usando el hashtag #SoyDIseñadorPorQue o en los comentarios una versión mas extensa del porqué:

Recuerdo que estaba con mi madre en un mercado, se escuchaba una salsa noventera, cuando vi una playera de estampado estridente que se distinguía del montón de prendas: colores chillantes, contraste en su máxima expresión. La playera tenía además una etiqueta enorme, tipografía “a mano alzada” que simulaba que alguien realmente había escrito sobre ella. De la marca ni me acuerdo, de que mi mamá me la comprara ni pensarlo, $80 pesos era mucho dinero por una playera para un niño de ocho años en ese tiempo.

Lo importante no es el mercado, ni la playera, ni los ochenta pesos, ni mi mamá y su falta de sensibilidad al ver a su hijo al borde del llanto; lo importante es que esa playera, con esa impresión, con esos colores, con esos contrastes, despertaron en mí admiración, gusto y necesidad de saber quién, cómo, cuándo y dónde se había hecho, de quién era la idea y de qué manera podría yo dedicarme a eso.

Siete años más tarde supe que la carrera se llamaba DISEÑO GRÁFICO; pero ese día, en ese mercado, haciendo un berrinche épico y caminando entre la gente para tratar de alcanzar a mi insensible madre supe que #SoyDiseñadorPorQue el diseño de esa playera, me trajo aquí y un día voy a diseñar una playera TAN buena como esa.

Les dejo un abrazo grande, muchas felicidades DISEÑADORES y DISEÑADORAS.

Si no estoy caminando por los mercados en busca de esa playera que mi mamá no me compró, me encuentran en Twitter como @Sr_Cervantes

Saludos, es común que el concepto “diseño” se perciba polisémico porque tiene muchas aristas, muchas formas de entenderse y se aplica desde distintas ramas. A diferencia del arte, por ejemplo, el diseño se reproduce en serie y se planea de forma estratégica, genera experiencias de uso, se apoya de las nuevas tecnologías para lograr un mayor alcance, genera mejores herramientas… bueno, entonces acá es donde puede saltar la pregunta, qué es y qué no es diseño?….

Es una disciplina, un oficio. Convivir diariamente con un lenguaje, con usuarios, con un equipo multidisciplnar. No son “productos” u “objetos”, no es solamente la técnica, no es la tecnología que usamos… es vivir la experiencia de planear, configurar y significar objetos, sentir empatía, entender la esencia del usuario.

Es dirigir, motivar. La motivación siempre va a ser el centro del diseño, lo que nos mueve, lo que nos inspira, lo que proyectamos… siempre va a dirigir una respuesta, o por lo menos servirá de mediador hacia esa respuesta. No es convencer bajo argumentos poco sustentados, es dialogar.

Es resolver problemas. Ya sean de espacio, comunicación o interacción… es necesario imaginar y crear una solución posible a los problemas que a veces la audiencia no detecta. Es buscar alternativas, proponer y materializar para solventar una necesidad dentro de la sociedad. No es un rompecabezas, no es una receta, es investigar y tratar de innovar con nuestras propias “herramientas” con nuestros propios métodos.

Es “contar algo”. Es aludir características, resaltar emociones, evocar memorias, transformar percepciones… todo acompañado de significación y función. No es una novela de Umberto Eco, pero refleja la cotidianidad del hombre y ahí es donde nosotros actuamos.

Es una “campaña”. Además de producir objetos, se trata de promoverlos, de hacer llegar, de propagar, de discutir, de generar nuevas ideas… y eso evidentemente conlleva cierta logística. No es “algo” superfluo, es una forma de vida.

Es un verbo para emprender. Generalmente limitamos el diseño a lo que nos solicita el cliente, pero el concepto debe ir más allá, no es un campo que delimita, es el motor con el que muchas empresas han empezado.

Es un recorrido. Es tener muy presente lo que “está de moda” (o estuvo), es un ir y venir, todo regresa y se reinventa. No es un oficio inamovible, rígido, es un oficio en transición (constante) dispuesto a renovarse.

Qué opinan? me despido bandita, soy Erika… hace un año publiqué mi primer post en GraphicLust, muchas gracias por acompañarme cada semana!!, ustedes me inspiran, muchas gracias Sr. Cervantes, estoy muy orgullosa de ser parte de este gran equipo. Si navegan en Twitter, ya saben, me ecuntran como @dgraphicstyle , hasta la próxima.

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Hoy le toca el turno de desfilar por el GraphicLust a uno de mis diseñadores favoritos, su nombre es Pablo Alfieri, un director de arte y diseñador gráfico de Buenos Aires, Argentina.

Después de trabajar como director de arte en los estudios locales se decidió a crear su propio lugar de trabajo  llamado “Playful“, donde dedica toda su pasión por la ilustración, diseño gráfico y principalmente tipografía.

Se caracteriza por una constante búsqueda de la simplicidad en las formas geométricas, una mezcla entre el caos y el orden de las estructuras y de un impacto visual de dinamismo de colores y finalmente, una fuerte relación entre el plomo análogo y digital para cautivar el interés de empresas como Nike, MTV, Snickers, Chevrolet, Motorola, Nextel.

Recientemente, sus obras fueron seleccionadas en libros como: “Stereographics”, “Flashback”, “Nice to meet you too” de Victionary, “Juguetón Tipo 2″ y “latino Grafico 2″ de Die Gestalten, “Diseño y Diseño ’09″ y “Un día “de Index Book,” Super identidad “, y” Hoy Tipografía ” y sitios web como “Fubiz”  ” Ventilar “,” NotCot “,” Behance “y” CpLuv “.

A continuación parte de su trabajo:

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Como podrán ver tiene un domino de la tipografía impresionante, y también pude encontrar una entrevista bastante interesante echa por “Joia Magazine” en donde nos cuenta sobre su trabajo, gustos personales y como es que ha evolucionado como diseñador, les recomiendo que la chequen ya que vale mucho la pena, pero dejémonos de habladurías, entren a ver su trabajo y les comparto como siempre los enlaces vía:

 Sitio Web

Entrevista de Joia Magazine

Behance 

Twitter 

Si no estoy revisando portafolios y compartiendo enlaces, me encuentran en Twitter vía @Hosber_ 

Cuando pensamos en Cielito Querido Café nos remontamos directamente a un concepto diferente y que se identifica por tener esencia contemporánea de la gráfica mexicana; este novedoso concepto orgullosamente mexicano tomó forma de la mano de dos importantes personajes dentro del ámbito del Diseño: Héctor Esrawe e Ignacio Cadena.

Esta cadena de cafeterías  inspiraron su imagen y concepto por medio de simbolísmos y elementos gráficos utilizados a fines del Siglo XIX y principios del XX., haciendo una deconstrucción para lograr contextualizarlos en un ambiente contemporáneo. Sus creadores identifican este concepto dentro de un estilo neo-retro debido a la adaptación que se le hizo a partir de la cultura popular mexicana.

Dentro del Diseño Gráfico de Cielito Querido se utilizan fuentes tipográficas  que se asocian a épocas coloniales, esto aunado a simbolismos publicitarios de las tiendas departamentales de los años 50 en Latinoamérica  y sobretodo a la esencia de la cultura mexicana por medio del lenguaje gráfico clásico utilizado en mercados, logra impactar al espectador  por medio de una identidad gráfica propia.

Algo importante que recalcar es que no sólo se elaboró la imagen corporativa de las cafeterías sino también se hizo un arduo estudio para el diseño del mobiliario. Esto logró que en año del 2010 el equipo creador de la imagen de Cielito Querido Café ganara la Bienal de Diseño  en la categoría de Diseño de Espacios e Interiores y Diseño Gráfico.

Los creadores de la idea de Cielito Querido afirman que el concepto apela a un sentido de nostalgia, conectando a las nuevas generaciones con el pasado a través de la utilización de los materiales, colores vivos y el juego de luz y sombras de la iluminación, con el fin de transmitir el sabor, la temporalidad, la calidez y el refugio del concepto de “café de barrio”.

Dentro de la mancuerna creadora se encuentra Héctor Esrawe quien se encargó del diseño industrial e interiorismo del café;  Él es un diseñador industrial con una trayectoria de 15 años bastante interesante ya que ha colaborado como conferencista, exponiendo su obra en museos y galerias, y dando talleres en ciudades como Nueva York, Praga, Helsinky, Londres y por supuesto México, con trabajos muy importantes de fabricación artesanal e industrial.

Ignacio Cadena es la otra parte del equipo creador del concepto de Cielito Querido, él es un arquitecto, pero desde muy pequeño estudió Artes Plásticas, su estilo se identifica por representar conceptos urbanos y de medios de comunicación.  Durante toda su vida ha estado en distintos lugares además de México, como Nueva York, Chicago, y Los Ángeles, esto ha tenido como consecuencia que sus influencias sean muy diversas teniendo como resultado conceptos mucho más originales en sus trabajos.

Si te interesa conocer más del trabajo de Héctor Esrawe  visita su página donde tiene una amplia galería de lo que ha hecho  http://www.esrawe.com/

Yo soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

Saludos, el fin de semana estuve pensando en las señales que nos emite y/o emitimos en el diseño, sea en cualquiera de sus ramas, acá se las dejo como un “recorrido” y claves imprescindibles…

Si es un mensaje que comunica o informa de manera clara, sencilla… estructura y relaciona sus elementos para representar lo que se quiere transmitir, eso es diseño!

Si es un espacio que se planea estratégicamente para que los individuos puedan desarrollar una actividad o puedan convivir, eso es diseño!

Si es un objeto que sirve y genera experiencias de uso y función, logra ofrecer una interacción propia o individualizada  para el usuario, eso es diseño!

Si es una marca que identifica con su audiencia, se integra a sus actividades cotidianas, crea segmentos de mercados y logra ser fácilmente reconocible, eso es diseño!

Si es una historia que se cuenta a través de una fotografía, una animación o una ilustración… que además conecta, emociona o motiva a la audiencia, eso es diseño!

También “la moda”, lo que vestimos, lo que consumimos, lo que se percibe: formas, colores, juego de luces, aromas, etc… eso es diseño!

Si se puede detectar (aplicar) un orden, una estructura en los periódicos, revistas o libros, que guía y da sentido a la lectura, eso es diseño!

Si se puede construir un objeto que conlleva piezas para ensamblar, seguro es porque las instrucciones (infografías) tienen una secuencia, una síntesis y una lógica detallada a seguir… eso es diseño!

Si vas manejando por la calle en busca de una avenida en específico, finalmente la señalización o señalética del lugar te orienta, te dirige a esa vía…  eso es diseño!

Igual, si se descarga una aplicación en el celular o se puede navegar en un sitio y se observa una interfase eficaz, con alto grado de usabilidad (facilidad de uso)… eso es diseño!

Por último si podemos unir todas estas piezas claves, si lo visualizamos como multidisciplinar y se socializa entre creativos-contexto-usuarios… eso es diseño. Les toca bandita, ustedes qué opinan? cuáles son para ustedes las señales del diseño? me despido, soy Erika, si navegan en Twitter me encuentran como @dgraphicstyle, saben que me dará gusto leerlos. Hasta la próxima.

Hace diez años el diseño se percibía diferente, en la escuela nos solían decir que décadas atrás no se tenía la tecnología que se tenía en ese entonces, las Macs resultaban innovadoras, los profesores contaban anécdotas sobre como lograban los efectos en las imagenes o como las imprimían… cuando las hacían manualmente y no digital.

Todo evolucionaba, los conceptos, las técnicas, los software. Se empezaba a tener una transición hacia la “nueva era digital”, claro sin dejar a un lado la rama artística de la disciplina. El diseño en ese momento era más “artesanal”, era mágico como cuando revelábamos e imprimíamos en el laboratorio las fotografías análogas en blanco y negro… tan fascinante que por eso valoramos nuestra cámara reflex, tal como hoy se pueden apreciar las cámaras digitales.

Empezaban a surgir los sitios web especializados, los maestros a veces dejaban sus apuntes colgados en el “blogspot”, hoy éstos sitios han crecido mucho y se vuelven más dinámicos, claro, en el campo del diseño se han convertido en una gran plataforma que antes no hubiéramos imaginado su alcance.

Después (en los primeros trabajos) nos topamos con el trato directo al cliente, “háblale a fulanito”, “encárgate de mandarlo a la imprenta”, “tenemos junta”, “editame la fotografía”, etc. Al principio algunos archivos estaban en versiones casi obsoletas que poco a poco se fueron actualizando y evidentemente nos fuimos ayudando de las nuevas tecnologías para optimizar todo el proceso creativo y de producción.

Ese contacto con el “mundo real” a veces (o más bien siempre) se percibía muy distinto a lo que se experimentaba en las escuelas de diseño, ahí es cuando entendemos el verdadero concepto de “trabajo en equipo”…. creo que no se capta hasta que nos damos cuenta que se necesita de todo un grupo especializado para resolver los distintos proyectos de diseño.

El oficio siguió y sigue caminando, se complejizó, hoy se percibe como una herramienta multidisciplinar, me atrevería a decir una herramienta considerada (poco a poco) básica en la estructura de las empresas. Está muy ligado a la innovación, a la competitividad, al desarrollo, creo que se valora más que antes aunque no se note a simple vista. Se borraron los apellidos, hoy el diseño “a secas” es una estrategia que estudia, propone y actúa a profundidad… busca el impacto sobre la función e interacción, busca conectar y seguir transformando para ofrecer nuevas experiencias.

Digamos que la transición del antes y ahora, se puede entender de lo artístico a lo técnico, a la planeación estratégica, de proyectar a emprender y de lo creativo a la innovación. Bandita ustedes que opinan? me despido, soy Erika, si navegan en tuiter me encuentran como @dgraphicstyle, saben que me dará gusto leerlos. byebye.

Saludos bandita, cuando queremos transmitir una imagen o un mensaje para un proyecto de diseño, debemos asegurarnos que contenga por lo menos cuatro aspectos, acá se los dejo como indispensables…

• Coherencia

Busquemos generar un concepto coherente con lo que se quiere comunicar. Es importante que coincida con la intención final pero sobre todo que utilice un mismo lenguaje, es decir, que la codificación o configuración identifique a nuestro target. La coherencia es la espina dorsal donde se va desprendiendo el sentido y el significado del diseño.

• Impacto

El impacto del mensaje o de la imagen captura la atención de la audiencia, pero es un “arma de doble filo”… si sobrecargamos ése sentido del impacto podemos romper con el sentido de coherencia, y peor aún, con la eficacia respecto a la lectura o decodificación de los usuarios, es preferible equilibrarlo para que el diseño conserve su funcionalidad.

• Claridad

Evidentemente la coherencia y el impacto son una estrategia para direccionar nuestro objetivo, pero también existe otro recurso que de no tomarse en cuenta podría causar “ruido” en la interpretación del diseño, me refiero a la claridad del mensaje. Sabemos que los elementos del diseño siempre van a generar un significado, si lo obviamos, si no transmitimos un mensaje a veces directo, a veces sencillo junto a una función clara… no cubriremos lo más importante: la comunicación, no habrá ese intercambio de reacciones y no se motivará nada. La claridad se puede ver como una base en la cual podemos fijar nuestro proceso creativo, entre más consistente y menos “ruidoso” se proyectará mejor.

• Pregnancia

Pregnancia refiere básicamente a la imagen del diseño, a sus elementos reconocibles, debemos preocuparnos (ocuparnos) que sean fáciles de identificar ya sea por su forma o contenido, por su valor o por su direccionalidad… digamos que es un atributo que ayuda a construir la aceptación del usuario. Si construimos “elementos pregnantes” (mensaje, forma, tamaño, color, etc.) mayor será la inclusion entre la audiencia y por lo tanto hará más fácil su motivación o convencimiento, por supuesto quedará mayor tiempo en su memoria.

Sintetizando los puntos anteriores, el diseño no debe tener “interferencia” en el momento de su interpretación, debe ser sencillo y contundente a la vez, debe utilizar el menor número de elementos posibles para captar a quien debe captar, se puede decir entre más “nítido” se perciba, mucho mejor… ustedes qué opinan? qué más debe tener el diseño?. Me despido, soy Erika, si navegan en Tuiterland me encuentran como @dgraphicstyle, saben que me dará gusto leerlos. Hasta la próxima.