Recientemente se llevo a cabo la primera edición  del festival  “All City Canvas” en la Ciudad de México, se trató de un festival de Arte Urbano donde artistas 8 artistas que originalmente eran 9 intervenían muros en la ciudad y donde era posible poder ver el desarrollo creativo de su obra paso a paso.

Quise retomar al All City Canvas porque fue ahí donde Aryz había sido invitado a intervenir uno de los muros del Hotel Madrid, sin embargo fueron varios los inconvenientes de su “participación” en el festival, primero hubo un retraso de varios días para que comenzará a pintar debido a que la grua que tenía asignada no cumplía con las funciones que el artista español necesitaba, y después cuando ya todos los que nos encontrábamos entusiasmados porque Aryz había comenzado a pintar se informó que, se cancelaría su participación dentro del Festival por razones externas tales como la seguridad del artista.

Creo que el All City Canvas sin duda fue un precedente importante en la Ciudad de México, sin embargo debido a que esta fue su primera edición contó con algunos errores en cuanto a organización. En lo personal fue muy decepcionante saber que Aryz se encontraba despitando lo que había comenzado a trabajar, ya que era uno de los artistas más esperados dentro del cartel.

El cartel del festival se encontraba conformado por artistas internacionales y mexicanos lo que logro que la oferta artística fuera sumamente rica, sin embargo fue decepcionante la reducción de este.

Regresando a Aryz para los que no lo conozcan o quieran saber más de él, se trata de un artista urbano, nacido en Barcelona, España.

Aryz cuenta con un estilo impresionante influenciado por la temática surrealista y el color del arte pop. La mayoría  sus obras son en gran formato como muros de fábricas abandonadas o  grandes edificios donde imprime especial atención a los detalles mediante la caracterización de personajes y elementos orgánicos.

Este artista afirma que el principal motivo por el cual pinta es por diversión y aunque su objetivo primordial no es agradarle a la toda la gente cuando lo hace siente mayor satisfacción de su trabajo.

Cuando comenzó a pintar sólo utilizaba pintura en aerosol pero debido a una lesión en el dedo por presionar de manera incorrecta las válvulas de las latas, se vio en la necesidad de  utilizar pinceles, lo que terminó con su trabajo en equipo con sus compañeros que sólo pintaban con aerosol y dio paso a una importante etapa en la cual ya sólo pintaba lo que a él le gustaba, haciendo más personajes y muros cada vez más grandes.

Aryz trabaja con acrílicos y aerosoles, además de combinar técnicas, él  considera que cada obra es  un reto nuevo, donde imprime toda la inspiración que encuentra en lo que mira a su alrededor.

Aunque es un artista muy joven ha pintado en diferentes lugares alrededor del mundo como Estados Unidos, Polonia, Italia, Filandia, España, entre muchos otros donde es conocido por lo impactante de sus obras.

Si te gusto el trabajo de Aryz y quieres conocer más de tu obra visita su site http://www.aryz.es/

Yo soy Tanz y si twitteas me encuentras en @Tanz_ashtray

Definitivamente este artista-escultor britanico nacido en el año de 1966 en Hexham Northumberland cuyos estudios empezaron en Norwich School of Art & Design para despues obtener una Licenciatura en Bellas Artes en la escuela de Fine Art at the Bath College of Higher Education para despues hacer una maestría en la Universidad de Goldsmith, Glenn Brown hace referencia en sus obras de otros artistas cambiando o transformando su color, posición o tamaño mediante pinceladas finas. Algunas de las imagenes que trabaja son de famosos como Guido Reni , Diego Velázquez , Anthony Van Dyck , Rembrandt, Fragonard Jean Honoré, Eugène Delacroi , John Martin, Gustave Courbe , Adolph Menzel, Pierre-Auguste Renoir, Vincent Van Gogh, Chaim Soutine y Salvador Dalí.

Brown definitivamente las alteraciones de las imagenes son conforme a sus necesidades dandole un toque de illusion; sus fuentes de inspiración sugieren cosas que normalmente no se ven, un ejemplo de ello son las rocas flotando en lo lejano de las galaxias o un plato de flores en una habitación, o un niño en un traje de disfraces. Como se puede notar en sus pinturas la tecnica que utiliza a travez de giros, torbellinos y trazos lisos en la superficie. El resultado de esto da como finalidad cabezas amorfas, inflamadas, colores no naturales de la piel, sugerencias de suciedad que emanan de cada personaje callendo en lo morboso y para algunos vulgar; realmente fuera de lo normal lo que hace este excelente artista. Su trabajo lo ha llevado a mostrar sus obras y exhibirlas en Domaine de Kerguéhennec, Centre d’Art Contemporain, Serpentine Gallery, Kunsthistorisches Museum y Ludwig Múzeum y algunas exposiciones en grupo en The Saatchi Gallery, Centre Georges Pompidou, Venice Biennale, Italian Pavillion, Museum of Contemporary Art, Gwangju Biennale y Kunsthalle, citando algunas; a continuación les muestro algo de su trabajo. No tiene pagina personal pero en estos links pueden obserevar mas de lo que realiza http://www.gagosian.com/artists/glenn-brown y este video de una exhibicion http://www.youtube.com/watch?v=1POuMECG_tw

Como veran Glenn Brown incursiona en el ambiente de la pintura con gran dinamismo, versatilidad, experiencia, práctica que le ha dado su preparacion academica y constancia. ¿Que les parece?, ¿Que opinan?. Me despido de ustedes soy @mabher en twitter donde me pueden encontrar.

La ilustración mexicana cuenta muchos talentos jóvenes, y  muchos de ellos no son tan conocidos, sin embargo gracias a páginas como Deviantart donde los artistas comparten su trabajo es posible conocer su propuesta gráfica; así fue como un día encontré la galería de Hola Coyote, una chica mexicana con un estilo diferente y divertido. Así fue como la contacte para una entrevista y esto fue lo que nos comentó acerca de su trabajo.

¿Cúal es tu edad y qué estudiaste?

Estoy terminando la carrera en Diseño Gráfico y tengo 22 años.

¿De dónde viene tu seudónimo (HolaCoyote)?

Hola coyote viene de dos palabras que me gusta como suenan juntas. Quería un nombre que pudiera poner en una ilustración llena de flores y combinara bien, y resultó. Aparte de eso siempre me han gustado los caninos, me declaro fan.

¿Cuáles son las principales influencias dentro de tu trabajo?

Todo me inspira. Creo que lo más notorio es el arte popular: tapetes, telas, collares, artesanías. También me gusta fijarme en cómo se viste la gente, porque es lo que más dibujo: caras, personas.

¿Cómo definirías tu estilo y por qué?

No lo definiría. Siento que cada día quiero hacer algo diferente, soy muy cambiante con respecto a cómo quiero que se vean mis ilustraciones.

¿Cuál es el proceso creativo que llevas a cabo para la elaboración de una ilustración?

Depende mucho de para qué sea la ilustración. Generalmente pienso durante día y noche en las ideas que podrían servir y hago pequeños dibujitos para acordarme. Pensarlo a través del día ayuda, porque van surgiendo nuevas soluciones con las cosas que te pasan, o lo que ves en la tele, internet, en la calle, hace que se te ocurran más ideas.

Estoy por intentar uno, donde las ideas vienen por parte de los sueños. Es increíble porque tenemos esa fuente de inspiración que no usamos.

¿Cuáles han sido tus  proyectos más importantes?

El desarrollo de mis productos. Hacer cosas útiles o de colección con ilustración te hace practicar constantemente. Es bonito porque haces algo que te gusta y que puede gustarle a alguien más.

¿Desde hace cuánto tiempo te dedicas a la ilustración?

Ilustro desde secundaria, osea como desde hace unos 10 años. Aunque no lo hacía tan seguido como ahora.

¿Al momento de hacer tus ilustraciones cual es la técnica que prefieres tradicional o digital y por qué?

Creo que las dos me gustan mucho. Las dos tienen sus cosas padres porque me iría por la tradicional, las texturas que deja por ejemplo el acrílico, se me hace algo muy sentimental. Pero tampoco puedo dejar de lado lo limpio de una ilustración digital y la posibilidad de estamparla en playeras, hacer libretas y stickers es algo que me divierte.

¿En que te inspiras para  crear los conceptos de tus ilustraciones?

Como te decía antes, en la gente. Cómo se viste, las artesanías, los patrones de la ropa. Cosas que pasan en la calle, en mi casa, las películas, la música… Creo que también depende mucho del proyecto.

¿Qué opinas de la ilustración en México?

Me da mucho gusto ver cómo crece. Antes no había muchos que dijeran que se dedicaban a esto, según yo recuerdo. Me encanta ver el trabajo de gente que se dedica de lleno a ilustrar y aparte vive aquí en México. Hay mucho talento y muchas formas de aprovecharlo.

Para conocer más del trabajo de Hola Coyote puedes darte una vuelta por su galeria en Deviantart  www. holacoyote.deviantart.com o su Tumblr http://holacoyote.tumblr.com/

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El Diseño es tan complejo que a veces la necesidad de migrar hacia a otras áreas es inevitable, tal es el caso de Jordi Lavanda quien estudió Diseño Industrial pero en este momento es uno de los ilustradores más importantes y famosos, dentro del mundo de la moda,  y la publicidad.

El es un  joven que nació en el año de 1968 en Mercedes Uruguay, pero que desde los 3 años radicó en Barcelona, España donde estudió Diseño Industrial  pero poco a poco fue convirtiéndose en uno de los ilustradores más sobresalientes del mundo.

Ha colaborado para varias publicaciones de España tales como Woman, Elle, Vogue, y en revistas estadounidenses como Interview, Cosmopolitan, Marie Claire, y en el periódico The New York Times.

Su estilo de ilustración encaja perfectamente con estas publicaciones ya que  dibuja personas muy estilizadas, con elementos actuales de la moda, dentro de ambientes y contextos que se relacionan directamente con un estilo “fashion”.

Jordi Labanda afirma que su propuesta gráfica se encuentra muy influenciada por la estética de los años 50s y 60s de las películas americanas llenas de gente sofisticada y elegante, del arte pop que remite a la sociedad consumista la cual retrata perfectamente en su trabajo, logrando captar esta esencia desde una perfectiva diferente y divertida.

Con un estilo puramente propio capta escenas de personas en poses que sugieren ser una fotografía de moda,  simplemente utilizando  tonos claros y pastel, sin texturas complejas, y valiéndose de líneas muy delgadas para los contornos, logrando un estilo inmediatamente identificable.

La técnica preferida para Labanda es la tradicional, ya que es fanático de ensuciarse las manos con pinturas como témpera, ya que considera que de esta manera obtiene resultados cercanos a lo que quiere transmitir con sus ilustraciones, las cuales termina en aproximadamente de dos a tres horas.

Labanda también ha participado en importantes campañas publicitarias como la de las botellas de agua Fontvella donde a partir de dibujos con su ya emblemático estilo creó una serie de ilustraciones que fueron la imagen de la campaña.

Además de estar sumamente involucrado en el diseño de colecciones para  marcas importantes como Zara, Mango, Adidas, Dior, Cover Girl, entre otras; así como en su propia colección de ropa donde se pueden encontrar desde camisetas, vestidos, bikinis, abrigos, entre otras prendas.

Asimismo cada año diseña colecciones de bolsos, mochilas, estuches, monederos, billeteras y diferentes materiales de escritorio y papelería como  cuadernos, carpetas, agendas, bolígrafos, extendiendo su mercancía hasta el mundo de la decoración con velas, alfombras y papel tapiz diseñados por él.

Dentro del trabajo de este importante ilustrador también se encuentran carteles para cine, portadas de discos,  el diseño de su propio restaurante llamado “Sandwich and friends”, además de que Nissan sacó al mercado el “Nissan Micra Jordi Labanda” en su honor.

Actualmente Jordi Labanda reside en Nueva York y es sin duda uno de los ilustradores más importantes en este momento, ya que es común escuchar  su nombre dentro de  las galerías más importantes del mundo además de tener alrededor todo un universo de productos que actualmente lo hace de los ilustradores más rentables.

Si te gustó el estilo de Jordi Labanda y deseas conocer más de su trabajo date una vuelta por su sitio oficial http://www.jordilabanda.com/

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Apasionado por el dibujo desde su infancia Julian Burford un joven ilustrador y diseñador gráfico de 25 años, originario de Netherlands. Alrededor de 4 años estudio su carrera en la Universidad de Utrecht, en Netherlands.Es un apasionado a lo que realiza; ilustra todo tipo de cosas, desde personajes irreverentes, diseño de iconos para apps e incluso las chicas pin ups.

Trabaja para la empresa MediaMonks en Hilversum cuyo giro es realizar publicidad en linea para diferentes tipos de marcas reconocidas entre las que se encuentran Campbells, Nutella, Heinz, Malboro, Coca Cola por mencionar algunas. Ha tenido la oportunidad de realizar algunas colaboraciones para revistas holandesas y diarios de la misma region. Con un estilo muy limpio y caracteristico Julian Burford utiliza una paleta de colores que van desde el negro pasando por pasteles, morados y rosas (esto en sus trabajos que realiza de manera independiente). Su constante actividad lo ha llevado a que algunas de sus obras se expongan en París, Francia como son: Super Smash Brawl.

Con una gran calidad y un detalle impresionante en sus obras Julian Burford es un artista e ilustrador excelente en lo que hace y realiza. Les dejo algunos de sus trabajos:

Estos son los links tanto de su pagina oficial como de algunos videos donde muestra como realiza su trabajo, tambien lo pueden seguir en twitter como @JulianBurford. Me despido de ustedes soy @mabher en twitter donde me encontraran.

http://www.julianburford.nl/

http://vimeo.com/27126199

http://vimeo.com/6505378

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Hoy le toca el turno de desfilar por el GraphicLust a uno de mis diseñadores favoritos, su nombre es Pablo Alfieri, un director de arte y diseñador gráfico de Buenos Aires, Argentina.

Después de trabajar como director de arte en los estudios locales se decidió a crear su propio lugar de trabajo  llamado “Playful“, donde dedica toda su pasión por la ilustración, diseño gráfico y principalmente tipografía.

Se caracteriza por una constante búsqueda de la simplicidad en las formas geométricas, una mezcla entre el caos y el orden de las estructuras y de un impacto visual de dinamismo de colores y finalmente, una fuerte relación entre el plomo análogo y digital para cautivar el interés de empresas como Nike, MTV, Snickers, Chevrolet, Motorola, Nextel.

Recientemente, sus obras fueron seleccionadas en libros como: “Stereographics”, “Flashback”, “Nice to meet you too” de Victionary, “Juguetón Tipo 2″ y “latino Grafico 2″ de Die Gestalten, “Diseño y Diseño ’09″ y “Un día “de Index Book,” Super identidad “, y” Hoy Tipografía ” y sitios web como “Fubiz”  ” Ventilar “,” NotCot “,” Behance “y” CpLuv “.

A continuación parte de su trabajo:

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Como podrán ver tiene un domino de la tipografía impresionante, y también pude encontrar una entrevista bastante interesante echa por “Joia Magazine” en donde nos cuenta sobre su trabajo, gustos personales y como es que ha evolucionado como diseñador, les recomiendo que la chequen ya que vale mucho la pena, pero dejémonos de habladurías, entren a ver su trabajo y les comparto como siempre los enlaces vía:

 Sitio Web

Entrevista de Joia Magazine

Behance 

Twitter 

Si no estoy revisando portafolios y compartiendo enlaces, me encuentran en Twitter vía @Hosber_ 

Actualmente los ilustradores no se limitan sólo a la creación de imágenes, sino además se abren puertas para otras ramas artísticas; este  es el caso de Garance Doré una chica francesa que nació en Córcega y que desde el 2006 comparte su trabajo creativo a través de su blog.

Garance Doré sentía la necesidad de un trabajo mucho más espontáneo y libre, ya que al ser ilustradora en revistas se sentía muy limitada debido a la estructura que las publicaciones requerían, así es como empezó a crear ilustraciones con pequeños textos, con distintos temas que la inspiraban tales como los viajes, la moda o las reuniones con amigos.

Para esta artista es de vital importancia el estar en constante análisis de las imágenes que la rodean, teniendo como consecuencia una serie de opciones infinitas, sin embargo cuenta con personajes icónicos que la han influenciado de manera importante como Katherine Hepburn, Françoise Sagan y Romy Schneider, siendo la recopilación de imágenes e influencias parte fundamental de proceso creativo.

Algo fundamental en la carrera de Garance Doré es su creencia en la importante repercusión de los blogs hoy en día, ya que los considera un foco de atención primordial que logra posicionar al arte en todas sus modalidades en boca de todo el mundo.

Esta francesa divide su quehacer gráfico entre la moda, la ilustración y la fotografía. Su trabajo es tan popular y refinado que Louis Vuitton le comisionó el diseño ilustrado para su serie “Icons”.

Su blog y sus diseños logran conjuntar  la esencia de la moda callejera con un toque “fashion”. Sus ilustraciones independientemente de si somos o no amantes de la moda, llaman la atención ya que tienen un estilo relajado y sin pretensiones que impacta   a primera vista.

Como ejercicio fotográfico Garance Doré comenzó a retratar extraños en las calles de París, Sidney y Amsterdam entre otras ciudades, logrando una colección de fotografías que se convirtieron en parte importante del contenido de su blog.

Garance Doré actualmente reside en París, donde asiste frecuentemente a desfiles de modas adquiriendo muchas más influencias para su trabajo y sobretodo colaborando con los más distinguidos diseñadores de modas.

Esta artista  actualiza constantemente su blog y además ha colaborado con la revista Vogue en su edición española y en su versión francesa  participa como asesora de modas y fotógrafa constantemente.

Si te gustó el trabajo de Garance Doré  conoce más de su trabajo

Blog: http://www.garancedore.fr/   

Twitter:  www.twitter.com/garancedore

Facebook:  http://www.facebook.com/GaranceDoreOfficial

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La Revista Comikaze organiza una exposición muy interesante basada en una historieta  que como personaje principal tiene al “Enmascarado de Plata” y que es apoyada por el FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes).

El proyecto surgió en Febrero del 2009, formando parte de las actividades oficiales organizadas por “El Hijo del Santo” para conmemorar el aniversario luctuoso del famoso luchador.

Dentro de esta exposición se reunieron dibujantes de cómics e ilustradores los cuales trabajaron en obras con la imagen del “Santo“ con el estilo característico de cada artista.

Rodolfo Guzmán Huerta mejor conocido como “El Santo” es uno de los íconos más importantes de la cultura mexicana, debido a esto es muy interesante poder observar como a varias décadas de su muerte sigue siendo una figura influyente dentro de la cultura mexicana y como es que los artistas contemporáneos lo plasman,  es un una buena oportunidad para conocer más de la ilustración contemporánea con temas clásicos.

“Santo de mi devoción: Una Exposición atómica” es una colección que ha sido expuesta en importantes lugares como “El Buzón de Arte” en la Ciudad de México, la Cineteca de Zacatecas y en exposiciones de cómics como la TNT Especial 2010 y la ExpocómicMx en el World Trade Center en el Distrito Federal.

Dentro de los más de 60 artistas que colaboraron con esta exposición me llamó la atención encontrar nombres como  Patricio Betteo  quien es un joven artista que tiene dentro de sus ilustraciones, impactantes trabajos con un uso del color y perspectivas impecables, Sebastián Carrillo Bachan , quien es muy conocido en el mundo del cómic mexicano gracias a su personaje “El Bulbo”, Edgar Clement que tiene una importante carrera dentro del ámbito gráfico, pasando por Rosalba Jaquez mejor conocida como Miquixtli que imprime en todos sus trabajos algo esencia de la gráfica mexicana; además dentro de esta extensa lista se encuentran también Augusto Mora que es un artista que trabaja en cómics que basan sus historias en tradiciones mexicanas, Humberto Ramos un ilustrador que tiene una importante carrera en el extrajero, Raúl Treviño que en lo personal es de mi ilustradores favoritos  y del cual ya hemos hablado en post anteriores; otro nombre importante en esta lista es Oscar Bazaldúa que es un artista sobresaliente dentro de la ilustración mexicana por sus aportaciones a los sensacionales.

Augusto Mora

Rosalba Jaquez Miquixtli

Por Humberto Ramos

Por Hino

Así la lista se conforma de ilustradores que probablemente no tienen muchas cosas en común más que el tema principal: “El Santo”, sin embargo ahí radica lo interesante y sobretodo lo importante de esta exposición,  ya que a través de está, podemos ver como es que este gran ícono influyó en cada artista de diferente forma, gracias a que pertenecen a distintas generaciones, cuentan con  diferentes estilos gráficos, y sobretodo con diferencias en cuanto a trayectorias no importando lo extensas o cortas que sean, sino dándole prioridad al esplendor de la figura emblemática que fue este luchador.

Esta exposición fue inaugurada el 4 de abril y estará abierta al público hasta el 25 del mismo mes en la Casa de Cultura de Azcapotzalco (Av. Azcapotzalco 605, Metro Camarones).

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Roxy Love es una joven diseñadora multidisciplinaria que se ha enfocado principalmente a la ilustración. Nació en 1985 y es originaria de Nuevo Laredo, estudió la licenciatura en Diseño de Interiores en el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey.

Todas sus obras cuentan con un fresco y despreocupado estilo muy particular, que nos remite a un arte con estética para niños, con temáticas divertidas, trazos libres, pero dándole prioridad al impacto de la obra expresando más de lo que estiliza los trazos de sus dibujos y pinturas.

Sus mayores influencias al momento de crear sus pinturas son la música, la naturaleza, sus amigos, muchos pintores entre ellos Salvador Dalí, las tradiciones, y sobretodo como es que ve y percibe  Nuevo Laredo, su ciudad natal, que al ser una ciudad fronteriza esta plagada de diversos matices y mezclas de la cultura mexicana y la estadounidense, dando como resultado un folclor muy especial que dan inspiración a crear conceptos novedosos e interesantes a través de sus obras.

Sus dibujos y pinturas a simple vista pudieran parecer una serie de imágenes absurdas sin embargo tienen ese toque de acidez que le da una perspectiva diferente a partir de conceptos divertidos.

Roxy Love es una artista que  ha sido protagonista de diversas exposiciones con gran éxito, su primera  exposición individual se llamó “Ninequi Tequisti”, y fue un proyecto con más de 40 ilustraciones, en diferentes formatos realizadas en tela e intervenidas con bordados por mujeres indígenas de Xaltocan región de la huasteca de Hidalgo en México.

Recientemente  decidió hacer una serie de dibujos y pinturas  para una exposición llamada “ Vete a la verga Yolanda” inspiradas en la cantante Selena “La reina del Tex Mex”, todo esto a partir de que este personaje  fue muy importante entre México y Estados Unidos, y que logró unificar masas con el estilo de su música; Roxy Love partió de estas premisas y valiéndose de collages, mezcla de imágenes superpuestas, con ese estilo característico que la identifica dentro del ámbito de la ilustración contemporánea, ha sido una de las exposiciones más divertidas e impactantes en su carrera.

“Vete a la verga Yolanda”  es una serie muy irreverente que  conjunta uno de los conceptos más importantes dentro de la obra de Roxy Love: La biculturalidad.

Este sincretismo y mezcla de culturas siempre ha despertado el interés de esta artista debido a su lugar de nacimiento, y fue por medio de la cantante Selena donde encontró el puente idóneo para consolidar su concepto gráficamente de una forma desfachatada y atractiva sin perder la esencia principal del concepto inicial.

Así es como por medio de su obra y su visión artística Roxy Love muestra como ella percibe la conjunción del México Contemporáneo con el México Tradicional.

Si te gustó la propuesta de Roxy Love  visita y conoce más de su obra en http://papaparrot.blogspot.com/  http://tutiroides.blogspot.com/  y síguela en Twitter a través de @RoxxxxyLove

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Luke es un artista y diseñador grafico nacido en 1973 originario de Filadelfia pero radicado en los Angeles California. Forma parte de la oleada de los nuevos artistas del surrealismo pop o lowbrown la mayor parte de su formación académica fue cerca de california lo que hiso el que mientras estudiaba trabajara para la empresa de guitarras Ernie ball como ilustrador y diseñador.

A lo largo de su carrera ha conseguido ser reconocido por numerosas publicaciones especializadas al igual que un reconocimiento nivel mundial por colaboraciones con bandas como Fall Out Boy en la portada de su disco Folie à Deux (2008). La gran carga de emotividad que impregna en cada uno de sus trabajos se ven reflejados en el hecho de haber crecido como chino americano al igual que como el lo ha declarado la intolerancia que sufría ayudo a generar esas ilustraciones llenas de tragedia y dolor.

En lo personal un artista al que admiro no tanto por la gran carga de energía que transmite con cada pieza si no por la simpleza que ocupa para transmitir sus mensajes.

Aca un par de ligas

Luke Chueh

Devian Art

Twitter

Fuerza, y hasta la próxima semana

Bowa