Después de haber servido a la milicia, la ahora turística Isla de Alcatraz es escenario para una de las series de televisión más esperadas; y, es que pese a las críticas, J.J. Abrahms siempre generará expectativas y controversia. Así, en enero de este año, dio inicio Alcatraz y con ella las comparaciones entre islas, así como entre los recursos y personajes que la vinculaban con Lost y Fringe. Se escribió mucho sobre si ya se podía señalar una obsesión isleña en J.J. Abrahms o si, alguna vez, nos daría una representación diferente de la agente del FBI que no remitiera a Dana Scully de The X-files. Obviando, por supuesto, que el entrañable Hugo Reyes de Lost encarna al doctor en Historia Diego Soto, quien en mancuerna con la detective Rebeca Madsen (Sarah Jones), intentará resolver el misterio que se originó en 1963, cuando supuestamente Alcatraz fue desalojada por malas condiciones y costos excesivos.

El periodo de la isla como prisión federal es sostén del argumento. Los presos que contuvo eran criminales y asesinos peligrosos y, por ese motivo, estuvieron aislados de la ciudad; entre ellos se contó a Al Capone, por ejemplo. La serie plantea que el 21 de marzo de 1963 desaparecieron inexplicablemente de la isla guardias y prisioneros, reapareciendo 50 años después sin rasgo alguno de envejecimiento ni ningún aparente recuerdo posterior. La historia oficial y la verdadera se mezclan en una línea de ficción en la que solamente importa mantener el secreto y capturar a los recién llegados. Desde la prisión, se oculta un laboratorio de búsqueda y rastreo liderado por Emerson Hauser (Sam Neill) y Lucy Benerjee (Parminder Nagra) que da pruebas de la existencia de asuntos súper clasificados del gobierno.

Hasta ahora, los siete capítulos transmitidos de la primera temporada han sido auto conclusivos y han girando alrededor de la captura de un preso por episodio. Mediante cápsulas en flaskback de la historia personal de cada recluso con la isla de Alcatraz se develan eslabones de una cadena que parece inconclusa, se vislumbran sino respuestas algunos caminos que, seguramente, mostrarán más vías en un laberinto que parece estar siendo diseñado en otra realidad. Las paradojas temporales, los viajes en el tiempo, los saltos cuánticos y la implicación de extraños seres son tópicos recurrentes en las producciones de J.J. Abrahams; ahora mismo, quienes seguimos Fringe estamos sufriendo las evidentes dificultades para concluir una historia que brinca de un universo a otro sin tener muchas ganar de ir a algún sitio.

Se rumorea que el final de Fringe se acerca, que con él vendrán respuestas y un cierre digno; respecto a Alcatraz está la apuesta, una vez más, de que se logre una historia de misterio y ciencia ficción ejemplar. Sin embargo, a casi la mitad de la temporada, deberíamos estar considerando recuperar lo apostado y mirar hacia otro lado mientras se afila la emoción o se le ocurre a su productor una nueva historia.

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Poco antes de que finalizara el año 2011, la televisión inglesa dio una nueva muestra de calidad en su particular forma de contar historias con Black Mirror. Esta mini serie formada por tres capítulos vino de la mano de Charlie Brooker, creador de la también miniserie Dead Set, y de Endemol, casa productora que tiene en su haber la producción de Big Brother y otros importantes reality shows. El interés y cercanía en ambos frentes por el escenario actual de las relaciones que la sociedad ha establecido con las tecnologías es evidente.

El vínculo -aparentemente indisoluble- que mantenemos con las diversas pantallas que rodean nuestra cotidianeidad adquiere en Black Mirror un matiz oscuro y satirizado. Tal vez lo cercano de la representación, a pesar de lo ambiguo y ficcional del tiempo-espacio de los episodios, así como la insistente mirada sobre los medios digitales y la tecnología social, ha hecho de esta mini serie un retrato a futuro, más o menos real y más o menos cercano, de cómo nos proyectamos.

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Si como dice el investigador Alejandro Rozado “Vivimos ineludiblemente de representaciones” no es incorrecto pensar que Black Mirror plantea, no solamente una alerta sobre la alienación e influencia que las tecnologías ejercen, sino que complejiza y re direcciona el viejo argumento de la maldad mediática hacia las habilidades críticas y de resistencia que los usuarios son capaces de contener. Podría también estar tocando fibras sensibles respecto a los límites personales y sociales con los que nos enfrentamos a las tecnologías; es decir, asumir la responsabilidad del uso que hacemos del medio.

En el primero de los tres capítulos, independientes todos entre sí, The National Anthem plantea la humillante encrucijada en la que el primer ministro inglés es obligado a copular con un cerdo como única opción de pago por la liberación de un miembro de la realeza que ha sido secuestrado. Un nuevo nivel de gravedad lo imprime la implicación de las redes sociales en las negociaciones; democráticamente, la masa opina, cuestiona y sugiere en youtube y twitter sobre la decisión que la autoridad deberá tomar en televisión abierta. La política y los secretos de Estado se convierten en espectáculo y los usuarios están listos para la transmisión.

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En su segundo capítulo, 15 Million Merits, la estética y narrativa se encaminan hacia la ciencia ficción. Un grupo de personas confinadas en una estancia virtualizada, en la que su vida funciona a partir de avatares y la obtención de créditos por medio de la energía que producen pedaleando unas bicicletas; y, cuya finalidad, es tener el crédito necesario para participar en una especie de programa de talentos que los catapulte a una vida mejor.

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Finalmente, y eso con broche de oro, The Entire History of You es un capítulo emocionante que demuestra como un tema trilladísimo -como la problemática de pareja y los celos- puede ser representado con novedad y éxito. Así tal cual el tema, sólo que se agrega un dispositivo biotecnológico que hace la función de un injerto inorgánico capaz de almacenar la experiencia y los recuerdos como si de una videograbación se tratara. Una super memoria que se rebobina y se ubica en cualquier momento y tiempo a antojo, cuyo único límite es lo que el cuerpo no pudo registrar. Es posible, entonces, volver una y otra vez sobre una escena confusa para elucubrar miles de posibles interpretaciones. Lo que significaría una promesa de perfeccionamiento pero, también, una pesadilla.

Siendo el olvido solamente una función más incluida en el software, cabe preguntarnos qué implicaciones tendría en nuestro aparato cognitivo y en una nuestra vida social y personal poder desbordar la totalidad de la memoria sobre una pantalla y volver y volver o evadir y evadir parte de nuestra vidas. Hay cantidad de literatura que trata el asunto a la que, sin duda, podría enlistarse este episodio de Black Mirror como una representación sólida y propositiva.

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Los medios digitales y las tecnologías tienen la capacidad de posicionarnos en terrenos no explorados continuamente, nos facilitan escaparates cada vez mejores para interactuar con prójimos cuya virtualidad los vuelve atractivos y seguros; asimismo, brinda la instantaneidad y ubicuidad como la posesión final de un anhelo primigenio. Lo que hagamos con todo lo anterior debiera ser a criterio personal, como audiencias y consumidores críticos, conocedores del poder de resistencia y creación que también viene en el paquete; sin olvidar, por supuesto, que como en el viaje del héroe, la búsqueda de la micro fama en las múltiples pantallas (black mirror) nos puede llevar por caminos oscuros. Tal como lo señala la tapatía Jolette, miembro de la cuarta generación de La Academia, cuando nos compartió su experiencia en un tweet a propósito de su enorme fama. Sin más, los dejo con Jolette, su reflexión y la invitación a ver esta extraordinaria mini serie.

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Acá el trailer:

¿Es el perro, en verdad, el mejor amigo del hombre? Casi con unanimidad se diría sí, muchos relatarían con emoción anécdotas y episodios divinos con sus mascotas, muestras de compañerismo y fraternidad que, asegurarían, no haber encontrado jamás en un humano. Ésta también es una constante en las representaciones audiovisuales de los animales domésticos. Dotados de cualidades humanas, los perros son educados, sensibles, amorosos y, cuando no lo son, se tiende al castigo o al cambio de actitud por la intervención de alguna experiencia bondadosa o dramática.

Pero, ¿qué sucede cuando el perrito es lo opuesto, cuando asume con gozo el libertinaje, la manipulación, la desfachatez, el humor negro y, casi por añadidura, la maldad? Y, lo mejor, ¿qué sucede cuando sólo usted mira a la mascota como un señor disfrazado de perro, que fuma mariguana, bebe cerveza, práctica sexo duro con un oso de peluche y, sobre todo, pretende controlar su vida? Lo que sucede es que Wilfred (2011), la comedia televisiva de la cadena FX, está en pantalla.

Wilfred es una nueva versión de la serie australiana con la que no sólo comparte el nombre y el argumento sino, también, a Jasson Gan quien creó y caracterizó a Wilfred en ambas. Resultado de un cortometraje que derivó en la primera versión para televisión, Wilfred narra la entrañable y perturbadora relación entre Ryan, representado por Elijah Wood, y el perro de su adorable vecina. Ryan es un abogado retirado y un suicida, de su fallido intento de muerte con pastillas le queda una resaca y el poder de interactuar inusualmente con Wilfred.

De a poco, enlazaran sus vidas como mejores amigos; sin embargo, Ryan iniciara una forzada introspección de vida guiada por Wilfred, quien se encargará de siempre mantenerlo al límite. En trece breves capítulos, la primera temporada logra una divertida comedia con una historia atípica. Con el absurdo y lo imposible haciendo añicos la cordura del frágil Ryan es innecesario pretender resolver el misterio de Wilfred, da igual si es una realidad paralela, si en verdad murió en aquel intento de suicidio, si es una broma o un castigo divino. Es tan inútil como querer siempre conocer el truco adentro de la chistera, mientras se ejecuta el acto de magia sólo queda sorprenderse al ver salir el conejo y aplaudir.

Así con Wilfred, cuyos motivos existenciales se ven desvanecidos en el humo que exhala de su pipa de agua, sentado en compañía de Ryan con las cervezas que beben mientras hablan de temas trascendentales como seguir el instinto y marcar territorio.

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Acá el trailer.

Todo parece indicar que el terror o lo sobrenatural está siendo redescubierto de buenas maneras; tal es el caso de la serie estadounidense American Horror Story que tuvo encantados a chicos y grandes durante su primera temporada. Su capítulo final fue tan controversial como decepcionante para muchos, mas no por eso incongruente con lo que deseamos sea un plan mayor. Las últimas noticias han revelado que sí, que la historia de la familia Harmon está concluida y que la siguiente temporada tendrá una nueva historia, así como una nueva casa con sus propios misterios.

Me cuesta todavía imaginar que la fórmula sea repetida con el mismo nivel de calidad y que en la repetición se redescubra. Debe ser que mi teoría personal sobre el futuro de American Horror Story fue insalvablemente fallida: no veremos más a Tate, ni la historia indagará en más subgéneros del horror como lo supuse cuando deseé que  la casa embrujada diera paso al recurso narrativo de la bestia, al anticristo. En la ilusión, vi la casa Harmon como un puente entre vivos y muertos, y en el pequeño hijo de Vivien una versión fresca y malvada de Demian con el 666 tatuado a fuego en su nuca.

Pese a este descalabro, y dada la felicidad brindada por American Horror Story se debiera dar el beneficio de la duda y abrazarse a la enorme posibilidad de que nos sorprenda positivamente en el futuro. Mientras tanto, habituados como estamos a los productos audiovisuales norteamericanos, es siempre una experiencia emocionante descubrir producciones en otros puntos geográficos que, desde su particular concepción estética exploren y reinterpreten géneros como la ciencia ficción o el terror.

La televisión inglesa, por su parte, en los últimos años ha tenido importantes contribuciones y fue justo en septiembre de 2011 que una de sus cadenas, BBC Three, estrenó la serie The Fades, creada por Jack Thorne. Con sólo seis capítulos en su temporada de estreno, esta serie retrata a Paul, un adolescente que sufre continuas pesadillas y visiones sobre el apocalipsis; en ellas, se encuentra a sí mismo en un escenario desolado, cubierto en cenizas. Pronto descubrirá que el mundo está a punto de terminar y que será participé de una guerra entre vivos y muertos, y que ambos bandos habrán de transgredir sus límites naturales y sobrenaturales.

Es interesante cómo la representación del fantasma en las nuevas producciones se dirija a zafarlo de su inofensiva inmaterialidad, así como en American Horror Story, los fantasmas de The Fades tampoco pueden ascender tras su muerte y por algún desajuste cósmico cobran corporeidad. El miedo ahora se deposita en la certeza de que pueden dañar lo vivo con sus propias manos de carne. La realidad de Paul, entonces, se verá alterada por su cercanía a los Angelic, grupo milenario que en el principio de los tiempos tenía la misión de auxiliar en el ascenso a los muertos; sin embargo, luego se convertirían en perseguidores y contenedores de la inminente batalla que los Fades en su ira más primigenia desearían cobrar. Hay un halo de seducción en la atmósfera lúgubre, fría y oscura de la The Fades. Su humor negro, a veces absurdo e incomprensible por los marcados códigos a los que respondemos, es una constante agradable en la interpretación del desorden natural, del caos sagrado que se intuye como preludio de un inaplazable fin del mundo.

Así que el huequito emocional que puede estar dejando American Horror Story podría, con suerte, ser cubierto por The Fades; tal vez, también podría limpiar el mal sabor que en algunos dejó su inesperado final y, mejor aún, podría mantener viva la llama en un género que busca ser explorado, redibujado en aras de nueva sensibilidades, de renovados miedos.

Acá el tráiler de The Fades:

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Entre 1983 y 1985 se transmitió la mini serie televisiva de ciencia ficción V (Invasión Extraterrestre); supongo que años posteriores habrá sido retransmitida por el todavía incipiente sistema de cable o la antena de señal satelital porque cuando supe que en 2009 apareció su remake me fue imposible no recordar levemente una enorme nave espacial y unas chicas con trajes extraños comiendo roedores.La nueva versión de V, producida por la cadena ABC, relata también el arribo a la Tierra de 29 naves nodrizas tripuladas por una comunidad de extraterrestres bellos, carismáticos y, al parecer, benévolos dispuestos a compartir con los humanos su avanzada tecnología. Sorprendida aún la población mundial por ver estacionados gigantescos artefactos en su atmósfera, encuentra en el cielo el apacible rostro de Ana, la líder de los visitantes, presentándose en paz.

V retrata las reacciones de los diferentes sectores de la sociedad humana ante la llegada real e ineludible de seres que no son ellos sino algo más que quebranta todo en cuanto creen y conocen. La atracción que los visitantes provocan en los humanos evoluciona de curiosidad a una dependencia casi religiosa, mística; sin embargo, a la par del surgimiento de la devoción aparece la sospecha y la desconfianza.Los V se presentan con piel humana para establecer vínculos de identidad y, a diferencia de la primera versión, pronto descubrimos que bajo esa piel existe un lagarto gracias a la agente del FBI Erica Evans, quien escudriñará en los planes secretos que los V tienen para la humanidad. Acompañada de un mercenario, un conductor de noticias y un sacerdote la agente Evans –dueña de todo el estereotipo de mujer policía del FBI- se dedicará a salvar a su hijo -y de paso a su raza- de Ana y su séquito.

Si en la versión ochentera la representación de la guerra y la invasión refería al nazismo, la nueva V traduce el peligro en terrorismo. La estrategia de ataque y contraataque se articula, entonces, en células terror ideológico. El grupo de choque anti-V, la Quinta Columna, fomentará la cultura del hombre bomba para amedrentar a los visitantes, intentará por todos los medios detener la invasión alienígena que sospechan se está gestando. Para molestia de Ana, la Quinta Columna tiene lagartos entre sus miembros, la facción rebelde y de resistencia de los V se vincula con la humana para derrocarla. Es curioso cómo el esperado encuentro entre lo humano y lo extraterrestre está plagado de la más pura y ortodoxa política terrenal, reproduce sus formas, sus traiciones, sus sobornos, se pierden los límites entre acciones buenas y malas.

La necesidad existencial del hombre por conservar su humanidad le llevará a conocer sus debilidades y fortalezas. Ana lo sabe y lo usa; además, Ana tiene esa sonrisa que la agente Evans no, punto menos para los humanos. Y como siempre que la naturaleza hace de las suyas, el amor y alguna otra cosa propiciará lo imposible: el primer híbrido, el primer ser mezcla humano y mezcla lagarto, con tal poder que presume la fuerza para controlar a ambas razas. Sin embargo, su éxito o no jamás lo sabremos porque la serie fue cancelada en mayo de este año, lo que es una pena porque, aunque cuesta engancharse de la serie cuando sucede resulta que la segunda temporada es emocionante, viva y llena de acción. La textura y el uso de los efectos especiales desatienden con acierto la obsesión porque lo irreal sea real, creo que es consciente y eso lo convierte en mérito.

En perspectiva, y dada la abrupta conclusión,  es pertinente ver las dos temporadas de un tirón porque esto produce un efecto desesperanzador y de derrota que difícilmente hay en las muchas representaciones de invasiones extraterrestres; decir, lo que supongo era la puerta abierta para la batalla campal entre humanos y lagartos se convierte en el triunfo total de Ana sobre la humanidad. El no planeado final de V tiene ausente la paz argumental aquella en que la humanidad es siempre salvada; sin más, acá perdemos y para la experiencia audiovisual considero que es indispensable ese evento. La serie completa y subtitulada es fácil de encontrar y descargar, así como su videncia en línea recurrente en las páginas habituales.

V (2009)

V (80´s)

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Miranda July, tal como lo hizo en su primera película Me, and you and everyone we know (2005) escribe, dirige y protagoniza The Future (2011) su segundo largometraje; en él explora la crisis de una pareja entrada en los treinta como una época de cambios, de introspección, de resignificación del espacio y del tiempo. Sophie (Miranda July) y Jason (Hamish Linklater) se encuentran incrédulos frente a un calendario que les arroja tregua de un mes para dejar la vida como la conocen; por lo menos, es lo que suponen sucederá cuando recojan a Paw Paw, el gato callejero herido que pronto adoptaran.

Desde la jaula de una veterinaria, Paw Paw narra con su voz y la ayuda de sus patas delanteras su propia historia. Reflexiona, mientras entiende cómo funcionan las horas de un reloj, sobre la espera como su nuevo estado, sobre la manera en que la oscuridad y la calle se quedaron atrás cuando Sophie y Jason dijeron que volverían por él. Sin embargo, Paw Paw desconoce todavía que ellos estarán luchando por no olvidarse de sí mismos, por lanzarse señales el uno al otro que les impida diluirse en el tedio, la apatía y el cansancio.

Con su particular comprensión de la belleza, Miranda July construye un relato emocionante por la tensión que genera, por la inminencia de la pérdida, por la claridad con la que captura la incertidumbre del futuro. Ese futuro que es el propio, esa madeja de estambre que perseguimos dormidos y despiertos sin alcanzar jamás. Estar a la mitad del comienzo con los sueños como monedas sueltas, dice Jason, o el proyecto inconcluso como forma de vida, piensa Sophie, o ser gato de nadie y seguir esperando, concluye Paw Paw.

Pese a que los créditos sean color rosa, The Future contiene la dosis necesaria en que Miranda July se retrata oscura, pecaminosa y culpable mientras Master of none (Beach House) suena una y otra vez. He de confesar que me encanta la idea de una Miranda July convertida en la loca de los gatos, gritando en una ventana con medio cuerpo de fuera; lo que me preocupa es verla convertida en la nueva Woody Allen –medidas proporciones, por supuesto- con una cantidad considerable de películas sobre sí misma, me preocupa sobre todo que se agote temáticamente en ello, tal como le sucedió a Allen.

A lo largo de un año, esta cinta sólo había sido una promesa en las páginas de descargas pero la semana pasada en Cuevana terminó la espera y fue colgada en su sitio subtitulada al español. Para muestra basta un click por lo regular, por lo que no deberían dudar en ver la nueva película de Miranda July: The Future.

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Acá el trailer: 

Con sólo cuatro capítulos transmitidos, la cadena de televisión FX anunció hace un par de semanas que su serie de estreno y ahora, con seguridad, su joya más preciada  American Horror Story tendría una segunda temporada; algo habrá influido el alto nivel de audiencia que ha reportado, así como los coqueteos por parte de la crítica que se quita el sombrero con cada nuevo episodio. Luego del éxito de The Walking Dead en 2010, no es sorpresa que las cadenas apuesten a la estimulación de otros gustos, de otras emociones.

Sin desprenderse del todo del drama, la tragedia o el humor negro, con American Horror Story sus creadores Ryan Murphy (Glee, Nip/Tuck) y Brad Falchuk exploran el terror, como un género poco asistido en el universo de las series televisivas; no así la ciencia ficción que prolifera entre proyectos célebres y proyectos fracasos cada año. De esta manera, aunque insertos en el laberinto de la ciencia ficción se han dejado ver indicios en algunos episodios de elementos de terror, no sería hasta principios de octubre que estaríamos frente a lo que muchos habíamos deseado: una buena historia de horror.

American Horror Story convierte lo que posiblemente es su punto débil en su mejor recurso; es decir, pese a que es una versión más de uno de los argumentos más masticados del género –la casa embrujada, poseída- ha logrado dimensionar el relato, complejizarlo, sacarlo del minúsculo visor en el que la casa es escenario y no protagonista, en el que la casa observa cíclicamente la misma historia: familia compra casa increíble, extrañamente barata, que suele haberse construido en el siglo XIX o principios del XX; la habita e inicia la remodelación; poco tiempo después, un miembro de la familia –suele ser el padre o un niño- son afectados por la casa hasta asesinar a los demás habitantes.

Películas como Horror en Amytiville (en sus dos versiones), Poltergeist, El Resplandor (es hotel pero vale), Insidiuos y –por qué no- Bettlejuice, entre otras, han sido construidas en esta idea primaria, bajo el formato cinematográfico; lo que hace recordar la repuesta que daba Hernán Casciari en entrevista con temas abiertos alrededor de sus gustos sobre “película”; él responde:

Ya no creo en el cine. Desde que nacieron las series de calidad, me resulta innecesaria la ansiedad de contar una buena historia en una hora y media. ‘A dos metros bajo tierra’ [Six Feet Under] es la mejor película que existe. Dura seiscientas treinta horas.

Casciari tuvo uno de los blogs más importantes en español sobre series de televisión, Espoiler, en el diario El País, y aunque alrededor del Ya no creo en el cine haya mucho de su personaje y otro mucho de reflexión, es verdad que las formas de contar historias están cambiando. Se ha escrito sobre la consolidación de una nueva era creativa respecto a la televisión, de renovados espectadores que exigen y desechan los contenidos de la televisión abierta, de la televisión que se consume fuera de la televisión y dentro de Internet.

La oportunidad de hacer del viejo argumento de la casa embrujada una historia sin prisas, con licencia para auto explorarse  es hoy para American Horror Story; si tenemos suerte, la familia Harmon –Ben, Vivien y Violet- podrá hacerse de un lugar en la casa, tal como lo han hecho los demás habitantes y vecinos; y nosotros, por nuestra parte, nos estaremos asegurando del goce semanal de lo que resta de la primera temporada y cruzaremos los dedos porque la segunda se haga honor a sí misma.

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Acá el trailer promocional:

Seguimos con el #PuroTalentoMexicano y hoy quiero postear el trabajo de Jorge R. Gutiérrez, ilustrador nacido en la Ciudad de México donde creció y se crio en Tijuana, Gutiérrez ha completado varias películas, caricaturas, ilustraciones y pinturas explorando su historia del amor con el pop y la cultura mexicana popular.

Asistió al Instituto de las Artes de California (CalArts), donde recibió su BFA y MFA en la animación experimental en Jules Egel. Ahí creó el corto en 3D “Carmelo”, que ganó el Premio Emmy del 2001 de los estudiantes en la animación y fue proyectado en los varios festivales alrededor del mundo, incluyendo a los emergentes del Programa Kodak de los cineastas en el Festival de Cine de Cannes del 2001.

En el año 2000, Gutiérrez trabajó en la leyenda de la animación Maurice Noble, de la dirección artística de Chuck Jones del Timberwolf para la Warner Bros.

En al año 2001 Jorge Gutiérrez comenzó con la serie animada “El Macho” de Sony Pictures. También ha hecho el diseño de los personajes en la serie animada de Nickelodeon, incluyendo muchos de los ChalkZone, así como el Banco Mundial de la Mucha Lucha, por la que fue nominada a un Premio Annie del 2006 en el diseño de los personajes.

Como escritor, ha trabajado en la serie animada de Las desventuras de Maya y Miguel en Scholastic, así como la de Disney de Brandie & Mr. Whiskers.

Gutiérrez ganó los dos premios Annie a la mejor serie de la televisión animada de la televisión y al Mejor Diseño de los personajes y un Emmy al Mejor Diseño de los personajes de la televisión por trabajar en su proyecto de la pasión para Nickelodeon, El Tigre: las aventuras de Manny Rivera, junto con su compañera, musa y esposa Sandra Equihua.

A continuación parte de su trabajo:

Gutiérrez sin duda es un gran talento nacional y muy recomendable su trabajo, para muchos es una gran inspiración pero si te quedaste con ganas de saber más de su trabajo o de él, te comparto las direcciones:

Pagina Web 

Behance

Blogger

La inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando, desde puebla @Hosber_

La publicidad siempre tiene dos lados, el positivo y el negativo, el consumidor y el producto, la fuerza y el Dark Side, bueno, al menos eso es lo que la nueva campaña emprendida por GREEN PEACE nos deja ver, la siguiente es una respuesta al TAN famoso comercial “The Force” que se presento durante el SuperBowl, sin mas preámbulos, los videos de respuesta a la Volkswagen.

Acá la respuesta:
 

Acá el video “The Force” de Volkswagen:

A mi en lo personal me gusto mucho, por ahi hubo un intento de MARVEL de colgarse de la fama y buena ejecución del comercial original con la pelicula de THOR, lo hizo a mi parecer de forma espantosa y sin repercusiones, veamos como le va a GREEN PEACE con este reto.

Si hablando como el maestro Yoda no estoy, en Twitter como @_ademyr me encuentran.
 

Las razones por las que tuve, en un principio, reticencia por Breaking Bad son básicamente dos: fidelidad emocional a Six Feet Under (2001-2005, Alan Ball) y una fobia irracional, pero comprensible, a los profesores de química. Por fortuna, la experiencia me ha enseñado que debo recapitular siempre que mis motivos se constituyan en apegos y fobias; así que pasada la neurosis, el recuerdo de números rojos en la boleta de calificación y una respetable recomendación, tuve el valor de iniciar la videncia de una las mejores series que ha dado la televisión: Breaking Bad.

Lanzada a principios del 2008, ha sido acreedora de nominaciones e importantes premios; y no es para menos, la historia creada por Vince Gilligan es adictiva desde el primer capítulo. Si bien es cierto que puedo gritar bajo juramento que Six Feet Under es y será un parangón en lo que respecta a la perfección visual y narrativa, lo es también la posibilidad de un escenario en el que un post adolescente yunkie –Jesse Pinkman- y un pusilánime y ordinario profesor de química –Walter White- logran la improbable fusión de sus más profundos elementos orgánicos: la torpeza y el fracaso.

La baja intensidad anímica del dúo White-Pinkman se ve avivada por el azar y el infortunio. Las formas en las que ambos unen sus inconsistencias para sobrevivir al mundo de la producción de metanfetamina y el narcotráfico, es una suerte de comedia slapstick. Una a una sus fallidas acciones los adhieren al entramado de una terrible violencia, que va del desmantelamiento de un incipiente laboratorio de drogas sintéticas, hasta el progresivo deterioro moral y físico resultado del cáncer. Vale esperar que, en las trágicas aventuras de este par, pronto un yunque caiga sobre la cabeza de alguno.

Este escenario imposible queda expuesto y aclarado en el primer episodio. La historia se devela y es, justamente, su desarrollo lo que convierte a un enunciado cualquiera en Breaking Bad. Es increíble cómo ambos personajes se ven afectados por los acontecimientos, diluyendo la inocencia e ingenuidad en pura toxicidad. Sus cualidades y defectos son dispuestos como capital en la sociedad comercial que White-Pinkman constituyen implícitamente, secretamente. Pronto, el efecto dominó los llevará a estar cara a cara con los capos de la droga, disputándose el mercado de los dos lados de la frontera y sus recovecos más discretos.

La genialidad científica de Walter White mejora la pobre fórmula de cristal de Pinkman, lo hace tal manera que, en poco tiempo, tienen la meta azul, la droga más pura que la calle puede imaginar. Pero la magia química no sólo se refleja en el producto sino en él mismo; así, Walter White se convierte en el Dr. Jekyll de Nuevo México y Heisenberg –como se hace llamar entre los narcos- en su Mr. Hyde. Es decir, el débil padre de familia, el fracasado profesor de escuela encuentra en la vorágine a su alter ego: un hombre capaz de retar la legalidad y transgredir al crimen.

Los creadores de Breaking Bad han acertado en sus recursos para hilvanar capítulo tras capítulo una historia que, lejos de resolverse, aumenta su complejidad. Los personajes alrededor adquieren sus propias dimensiones: la incorruptible y embarazada esposa de Walter White, el hijo con parálisis cerebral y tremendos dotes de bondad, la cuñada cleptómana en rehabilitación y su encantador esposo, Hank Schrader, heroico policía de la DEA quien pisa los talones de Heisenberg sin sospechar su verdadera identidad.

La familia es fortaleza y es venganza, sostiene a White y olvida a Pinkman. La representación del narco de frontera, en la figura de Tuco Salamanca, y del distribuidor de cuello blanco, Gus Fring, es la pala con la que nuestros héroes –supongo, Heisenberg-Pinkam por fin- cavarán y cavarán incansablemente el porvenir de la cuarta temporada. Repito, de la esperada cuarta temporada, programada para julio del 2011; así que quedan algunos meses para sacarse las fobias a los profesores de química y ver la maravilla de Breaking Bad.
acá el corrido de Heisenberg, el capo gringo.

En Twitter me encuentran como @ValaSailhin